Skulptur fra antikkens Hellas. Skulptur fra den klassiske epoken: skjønnhet uten finurlighet og visdom uten feminitet
Bildet av en idrettsutøver er fortsatt det vanligste temaet innen skulptur. Perfekt menneskelig skjønnhet er det grekerne forsøkte å legemliggjøre i bildene av idrettsutøvere. Figur av en delfisk vognmann fra en komposisjon laget rundt 476 f.Kr. e. av en ukjent mester. Figuren er støpt i bronse, som siden har blitt et yndet materiale.
Ikke bare anonyme verk fra det 5. århundre er kjent. f.Kr e. På dette tidspunktet arbeidet skulpturene til Phidias, Myron og Polykleitos i Athen. Mange av statuene deres har bare kommet ned til oss i romerske marmorkopier fra 1.-2. århundre. n. e. Den mest kjente blant verkene til Myron fra Eleuthera er "Disco Thrower" (ca. 460-450 f.Kr.), som viser en idrettsutøver i øyeblikket med høyest spenning før han kaster en diskos. Myron var den første som i statisk kunst formidlet bevegelsens livlighet og den indre spenningen til en figur. I et annet verk, "Athena and Marsyas", fremført for den athenske akropolis, velger skogskapningen Marsyas et musikkinstrument blant de som er spredt ved føttene hans, og Athena står i nærheten og ser på ham med sinne. Begge figurene er forent ved handling. Det er interessant å merke seg at selv om Marsyas fremstår her som et negativt vesen, i moderne språk, er det bare hans uregelmessige ansikt som understreker mangelen på perfeksjon, mens kroppen hans er ideelt vakker.
Polykleitos fra Argos virket allerede i den høyklassiske perioden, i midten og andre halvdel av 400-tallet. f.Kr e. Han skapte det generaliserte kunstneriske bildet av en idrettsutøver, som ble normen og modellen. Han skrev en teoretisk avhandling "Canon" (mål, regel), der billedhuggeren nøyaktig beregnet størrelsen på kroppsdeler basert på menneskelig høyde som en måleenhet (for eksempel hode - 1/7 av høyde, ansikt og hånd - 1 /10, fot - 1/6 osv.). Han uttrykte sitt ideal i de beherskede, kraftige, rolig majestetiske bildene av "Doriphoros" (Spearman; 450-440 f.Kr.), "Diadumen" (en idrettsutøver som kroner hodet med en seirende bandasje, rundt 420 f.Kr.) og " Wounded Amazon”, beregnet på det berømte Artemis-tempelet i Efesos. Polykleitos legemliggjorde i sine statuer først og fremst bildet av en ideell frifødt borger av polis, bystaten Athen.
Den tredje største billedhuggeren på 500-tallet. f.Kr e. var den allerede nevnte athenske Phidias. I 480-479 Perserne fanget og plyndret Athen og de viktigste helligdommene på Akropolis. Blant ruinene av det hellige tempelet skapte Phidias en syv meter lang bronsestatue av krigeren Athena, Athena-Promachos, med et spyd og skjold i hendene, som et symbol på gjenopplivingen av byen, dens makt og uforsonlighet overfor fiender . Som alle påfølgende verk av Phidias, gikk statuen til grunne (den ble ødelagt av korsfarerne i Konstantinopel på 1200-tallet).
Rundt 448 f.Kr. Phidias laget en 13-meters statue av Zevs for Zeus-tempelet på Olympia. Ansiktet, hendene og kroppen til guden var foret med elfenbensplater på en trebunn, øynene var laget av edelstener, kappen, sandaler, olivengrener på hodet, hår og skjegg var laget av gull (så- kalt krysoelefantteknikk). Zevs satt på tronen og holdt i hendene et septer og figuren til seiersgudinnen. Skulpturen nøt enorm berømmelse, men den døde også på 500-tallet. n. e.
Fra 449 f.Kr e. Gjenoppbyggingen av den athenske Akropolis begynte og Phidias ble legemliggjørelsen av Perikles plan, støttet av alle athenere.
I skulptur er maskuliniteten og alvorligheten i bildene til strenge klassikere erstattet av en interesse for menneskets åndelige verden, og en mer kompleks og mindre grei karakteristikk av den gjenspeiles i plast. Således, i den eneste marmorstatuen av Hermes som har kommet ned til oss i originalen av billedhuggeren Praxiteles (ca. 330 f.Kr.), avbildet mesteren en vakker ung mann som tilfeldig lener seg på en stubbe, i en tilstand av fred og ro. Han ser ettertenksomt og ømt på babyen Dionysos, som han holder i armene. For å erstatte den mandige skjønnheten til det 5. århundre atlet. f.Kr e. en skjønnhet kommer som er noe feminin, grasiøs, men også mer åndelig. Statuen av Hermes har beholdt spor av eldgammel farge: rødbrunt hår, en sølvbandasje. En annen skulptur av Praxiteles, statuen av Afrodite av Knidos, nøt særlig berømmelse. Dette var den første skildringen av en naken kvinneskikkelse i gresk kunst. Statuen sto ved bredden av Knidos-halvøya, og samtidige skrev om ekte pilegrimsreiser hit for å beundre skjønnheten til gudinnen som forbereder seg på å gå inn i vannet og kastet av seg klærne på en nærliggende vase. Dessverre har den originale statuen av Afrodite av Knidos ikke overlevd. Heltene til Praxiteles er ikke fremmede for en lyrisk følelse, tydelig uttrykt, for eksempel i hans "Resting Satire". Lignende funksjoner utviklet seg enda tidligere, i plastikkkunsten til elever ved Phidias-skolen; det er nok å påpeke "Aphrodite in the Gardens" av Alkamen, relieffene av balustraden til tempelet til Nike Apteros eller gravsteinen til Hegeso av ukjent mestere.
Skopas, hjemmehørende på øya Paros, var en samtidig av Praxiteles. Han deltok i opprettelsen av en lettelsesfrise for Halicarnassus-mausoleet sammen med Timothy, Leochares og Briaxis. I motsetning til Praxiteles, fortsatte Skopas tradisjonene til høyklassikere, og skapte monumentale heroiske bilder. Men fra bildene fra det 5. århundre. de utmerker seg ved den dramatiske spenningen til alle åndelige krefter.
I en tilstand av ekstase, i et voldsomt lidenskapsutbrudd, er Maenad avbildet av Scopas. Ledsageren til guden Dionysus vises i en rask dans, hodet kastes bakover, håret har falt til skuldrene, kroppen hennes er buet, presentert i en kompleks vinkel, foldene på hennes korte chiton understreker den voldsomme bevegelsen. Spillet av chiaroscuro forbedrer dynamikken i bildet.
I motsetning til skulpturen fra det 5. århundre. Skopas maenad er designet for å kunne ses fra alle sider.
Lysippos - den tredje store billedhuggeren på 400-tallet. f.Kr e. (370-300 f.Kr.). Han arbeidet i bronse og etterlot seg ifølge eldgamle forfattere 1500 bronsestatuer, som ikke har nådd oss i originalen. Lysippos brukte allerede kjente plott og bilder, men forsøkte å gjøre dem mer naturtro, ikke ideelt perfekt, men karakteristisk uttrykksfulle. Dermed viste han idrettsutøvere ikke i øyeblikket med den høyeste styrkespenningen, men som regel i øyeblikket av deres nedgang, etter konkurransen. Dette er nøyaktig hvordan Apoxyomenos hans er representert, og renser sanden fra seg selv etter en sportskamp. Han har et slitent ansikt og håret er sammenfiltret av svette. Den fengslende Hermes, alltid rask og livlig, er også representert av Lysippos som i en tilstand av ekstrem tretthet, kort sittende på en stein og klar til å løpe videre i neste sekund i sine bevingede sandaler. Lysippos og Hercules er avbildet slitne etter arbeidet sitt ("Hercules hviler"). Lysippos skapte sin egen kanon av proporsjoner av menneskekroppen, ifølge hvilken figurene hans er høyere og slankere enn Polykleitos (størrelsen på hodet er 1/9 av figuren).
Lysippos var en mangefasettert kunstner. Hofskulptøren til Alexander den store, han laget gigantiske komposisjoner med flere figurer, for eksempel et slag på 25 skikkelser av ryttere, statuer av guder, portretter (mer enn en gang avbildet han Alexander den store; det beste av portrettene til den berømte kommandør bærer trekk av nesten tragisk forvirring).
For kunst sen klassiker Den var preget av introduksjonen av nye sjangre, som fant videre utvikling på neste stadium - i hellenismen.
Den klassiske perioden med gammel gresk skulptur faller på V - IV århundrer f.Kr. (tidlig klassisk eller "streng stil" - 500/490 - 460/450 f.Kr.; høy - 450 - 430/420 f.Kr.; "rik stil" - 420 - 400/390 f.Kr.; Sen klassisk - 400/390 - OK. 320 f.Kr e.). Ved overgangen mellom to epoker - arkaisk og klassisk - står den skulpturelle dekoren til Athena Aphaia-tempelet på øya Aegina . Skulpturene til det vestlige pedimentet dateres tilbake til grunnleggelsen av tempelet (510 - 500 f.Kr f.Kr.), skulpturer av den andre østlige, som erstatter de forrige, - til tidlig klassisk tid (490 - 480 f.Kr.). Det sentrale monumentet til den antikke greske skulpturen av de tidlige klassikerne er pedimentene og metopene til Zeus-tempelet ved Olympia (ca. 468 - 456 f.Kr e.). Et annet betydelig verk av de tidlige klassikerne - den såkalte "Trone of Ludovisi", dekorert med relieffer. En rekke bronseoriginaler har også overlevd fra denne tiden - "The Delphic Charioteer", statue av Poseidon fra Cape Artemisium, bronse fra Riace . De største skulptørene av de tidlige klassikerne - Pythagoras Regian, Kalamid og Miron . Vi bedømmer arbeidet til kjente greske skulptører hovedsakelig fra litterære bevis og senere kopier av verkene deres. Høy klassisisme er representert med navnene Phidias og Polykleitos . Dens kortsiktige storhetstid var forbundet med arbeid kl Athens Akropolis, det vil si med den skulpturelle dekorasjonen av Parthenon (Pedimenter, metoper og zophoros overlevde, 447 - 432 f.Kr.). Toppen av gammel gresk skulptur var tilsynelatende krysoelefant Athena Parthenos statuer og Zeus of Olympus av Phidias (begge har ikke overlevd). "Rik stil" er karakteristisk for verkene til Callimachus, Alcamenes, Agorakrit og andre skulptører fra det 5. århundre. f.Kr e.. Dens karakteristiske monumenter er relieffene av balustraden til det lille tempelet til Nike Apteros på den athenske Akropolis (ca. 410 f.Kr.) og en rekke begravelsessteler, hvorav den mest kjente er Hegeso-stelen . De viktigste verkene av gammel gresk skulptur av de sene klassikerne - dekorasjonen av Asclepius-tempelet i Epidaurus (ca. 400 - 375 f.Kr.), tempel til Athena Aley i Tegea (ca. 370 - 350 f.Kr.), Artemis-tempelet i Efesos (ca. 355 - 330 f.Kr.) og mausoleet i Halikarnassus (ca. 350 f.Kr.), på den skulpturelle utsmykningen som Scopas, Briaxides, Timothy arbeidet med og Leohar . Sistnevnte er også kreditert med statuene av Apollo Belvedere og Diana fra Versailles . Det finnes også en rekke bronseoriginaler fra 300-tallet. f.Kr e. De største skulptørene av de sene klassikerne - Praxiteles, Scopas og Lysippos, på mange måter forutse den påfølgende æraen av hellenismen.
Gresk skulptur overlevde delvis i ruiner og fragmenter. De fleste av statuene er kjent for oss fra romerske kopier, som ble laget i stort antall, men som ikke formidlet skjønnheten til originalene. Romerske kopister gjorde dem ru og tørket, og når de konverterte bronsegjenstander til marmor, vansiret de dem med klønete støtter. De store figurene Athena, Afrodite, Hermes, Satyr, som vi nå ser i Eremitasjens haller, er bare bleke gjengivelser av greske mesterverk. Du går forbi dem nesten likegyldig og stopper plutselig foran et eller annet hode med brukket nese, med et skadet øye: dette er en gresk original! Og den fantastiske kraften i livet kom plutselig fra dette fragmentet; marmoren i seg selv er forskjellig fra den i romerske statuer - ikke dødshvit, men gulaktig, gjennomsiktig, lysende (grekerne gned den også med voks, noe som ga marmoren en varm tone). Så milde er de smeltende overgangene av lys og skygge, så edel er den myke skulpturen av ansiktet, at man ufrivillig minner om de greske dikternes gleder: disse skulpturene puster virkelig, de er virkelig i live* * Dmitrieva, Akimova. Gammel kunst. Essays. - M., 1988. S. 52.
I skulpturen i første halvdel av århundret, da det var kriger med perserne, rådde en modig, streng stil. Deretter ble det opprettet en statuettgruppe av tyrannicider: en moden ektemann og en ung mann, som står side ved side, gjør en heftig bevegelse fremover, den yngre løfter sverdet, desto eldre skygger ham med kappen. Dette er et monument over historiske personer - Harmodius og Aristogeiton, som drepte den athenske tyrannen Hipparchus flere tiår tidligere - det første politiske monumentet i gresk kunst. Samtidig uttrykker den den heroiske motstandsånden og kjærligheten til friheten som blusset opp under de gresk-persiske krigene. «De er ikke slaver av dødelige, de er ikke underlagt noen,» sier athenerne i Aischylos tragedie «Perserne».
Kamper, trefninger, bedrifter av helter... Kunsten til de tidlige klassikerne er full av disse krigerske emnene. På pedimentene til Athena-tempelet i Egina - grekernes kamp med trojanerne. På den vestlige frontonen til Zeus-tempelet ved Olympia er det en kamp mellom Lapiths og kentaurene, på metopene er det alle de tolv arbeidene til Hercules. Et annet favorittsett med motiver er gymnastikkkonkurranser; i disse fjerne tider var fysisk form og mestring av kroppsbevegelser avgjørende for utfallet av kamper, så atletiske spill var langt fra bare underholdning. Siden det 8. århundre f.Kr. e. Gymnastikkkonkurranser ble holdt i Olympia en gang hvert fjerde år (begynnelsen deres ble senere betraktet som begynnelsen av den greske kalenderen), og på 500-tallet ble de feiret med spesiell høytidelighet, og nå var poeter som leste poesi også til stede ved dem. Temple of Olympian Zeus - den klassiske doriske peripteren - lå i sentrum av det hellige distriktet, hvor konkurranser fant sted, de begynte med et offer til Zevs. På den østlige pedimenten av templet avbildet den skulpturelle komposisjonen det høytidelige øyeblikket før starten av hestelistene: i midten er figuren til Zevs, på hver side er statuer av de mytologiske heltene Pelops og Oenomaus, hoveddeltakerne i kommende konkurranse, i hjørnene står vognene deres trukket av fire hester. I følge myten var vinneren Pelops, til hvis ære de olympiske leker ble etablert, som senere ble gjenopptatt, som legenden sier, av Hercules selv.
Temaene hånd-til-hånd kamp, ridekonkurranser, løpekonkurranser og diskoskasting lærte skulptører å skildre Menneskekroppen i dynamikk. Den arkaiske stivheten til figurene ble overvunnet. Nå handler de, de beveger seg; komplekse positurer, dristige vinkler og brede bevegelser vises. Den flinkeste innovatøren var den attiske billedhuggeren Myron. Myrons hovedoppgave var å uttrykke bevegelsen så fullstendig og kraftfullt som mulig. Metall tillater ikke så presist og delikat arbeid som marmor, og kanskje var det derfor han vendte seg mot å finne bevegelsesrytmen. (Navnet rytme refererer til den generelle harmonien i bevegelsen til alle deler av kroppen.) Og faktisk ble rytmen perfekt fanget av Myron. I statuene av idrettsutøvere formidlet han ikke bare bevegelse, men overgangen fra et bevegelsesstadium til et annet, som om han stoppet et øyeblikk. Dette er hans berømte "Discobolus". Atleten bøyde seg og svingte før han kastet, et sekund - og skiven vil fly, utøveren vil rette seg opp. Men i det sekundet frøs kroppen hans i en veldig vanskelig, men visuelt balansert stilling.
Balanse, en staselig "etos", er bevart i klassisk skulptur av streng stil. Bevegelsen til figurene er verken uberegnelig, overdreven spent eller for rask. Selv i de dynamiske motivene kamp, løping og fall går ikke følelsen av "olympisk ro", holistisk plastisk fullstendighet og selvlukking tapt. Her er en bronsestatue av "Auriga", funnet i Delphi, en av få godt bevarte greske originaler. Den stammer fra den tidlige perioden av den strenge stilen - omtrent rundt 470 f.Kr. e.. Denne unge mannen står veldig rett (han sto på en vogn og kjørte en quadriga av hester), bena hans er nakne, foldene på en lang chiton minner om de dype fløytene i doriske søyler, hodet er tett dekket med en sølvbelagt bandasje, hans innlagte øyne ser ut som om de var i live. Han er behersket, rolig og samtidig full av energi og vilje. Bare fra denne bronsefiguren, med sin sterke, støpte plast, kan man føle det fulle mål av menneskeverd slik de gamle grekerne forsto det.
Kunsten deres på dette stadiet ble dominert av maskuline bilder, men heldigvis har et vakkert relieff som viser Afrodite som dukker opp fra havet, den såkalte "Ludovisis trone", en skulpturell triptyk, hvis øvre del er brutt av, også blitt bevart. I den sentrale delen stiger skjønnhets- og kjærlighetsgudinnen, "skumfødt", opp fra bølgene, støttet av to nymfer som kysk beskytter henne med et lett slør. Det er synlig fra midjen og opp. Kroppen hennes og nymfenes kropper er synlige gjennom gjennomsiktige tunikaer, klesfoldene flyter i en kaskade, en bekk, som vannstrømmer, som musikk. På sidedelene av triptyken er det to kvinneskikkelser: en naken som spiller fløyte; den andre, pakket inn i et slør, tenner et offerlys. Den første er en hetaera, den andre er en kone, ildstedets vokter, som to ansikter av femininitet, begge under beskyttelse av Afrodite.
Jakten på gjenlevende greske originaler fortsetter i dag; Fra tid til annen oppdages heldige funn enten i bakken eller på bunnen av havet: for eksempel i 1928 ble en utmerket bevart bronsestatue av Poseidon funnet i havet, nær øya Euboea.
Men det generelle bildet av gresk kunst under dens storhetstid må mentalt rekonstrueres og fullføres; vi kjenner bare tilfeldig bevarte, spredte skulpturer. Og de fantes i ensemblet.
Blant kjente mestere formørker navnet Phidias all skulptur fra påfølgende generasjoner. En strålende representant for Perikles tidsalder, sa han det siste ordet plastisk teknikk, og til nå har ingen våget å sammenligne med ham, selv om vi kjenner ham bare fra hint. Han er hjemmehørende i Athen, og ble født noen år før slaget ved Marathon, og ble derfor bare en samtid av feiringen av seire over Østen. Snakk først l han som maler og gikk deretter over til skulptur. Ifølge tegningene til Phidias og tegningene hans, under hans personlige tilsyn, ble Periclean-bygningene reist. Han oppfylte rekkefølge etter ordre og skapte fantastiske statuer av guder, som personifiserte de abstrakte idealene til guddommer i marmor, gull og bein. Bildet av guddommen ble utviklet av ham ikke bare i samsvar med hans egenskaper, men også i forhold til formålet med ære. Han var dypt gjennomsyret av ideen om hva dette idolet representerte, og skulpturerte det med all styrke og kraft av et geni.
Athena, som han laget etter ordre fra Plataea og som kostet denne byen svært dyrt, styrket berømmelsen til den unge billedhuggeren. Han fikk i oppdrag å lage en kolossal statue av Athena, skytshelgen for Akropolis. Den nådde 60 fot i høyden og var høyere enn alle de omkringliggende bygningene; Langt fra, fra havet, lyste det som en gullstjerne og regjerte over hele byen. Den var ikke akrolitt (kompositt), som den plataiske, men var fullstendig støpt i bronse. En annen Akropolis-statue, Jomfruen Athena, laget for Parthenon, var laget av gull og elfenben. Athena ble avbildet i en kampdrakt, iført en gylden hjelm med høy relieffsfinx og gribber på sidene. I den ene hånden holdt hun et spyd, i den andre et stykke seier. En slange krøllet ved føttene hennes - vokteren av Akropolis. Denne statuen regnes som den beste forsikringen om Phidias etter hans Zeus. Den fungerte som original for utallige kopier.
Men høyden av perfeksjon av alle verkene til Phidias anses å være hans Zeus Olympian. Dette var hans livs største verk: Grekerne selv ga ham håndflaten. Han gjorde et uimotståelig inntrykk på sin samtid.
Zevs ble avbildet på tronen. I den ene hånden holdt han et septer, i den andre - et bilde av seier. Kroppen var laget av elfenben, håret var gull, kappen var gull og emaljert. Tronen inkludert ibenholt, og bein og edelstener. Veggene mellom bena ble malt av Phidias' fetter, Panen; foten av tronen var et vidunder av skulptur. Generelt inntrykk den var, som en tysk vitenskapsmann med rette sa det, virkelig demonisk: i en rekke generasjoner syntes avguden å være en sann gud; ett blikk på ham var nok til å tilfredsstille alle sorger og lidelser. De som døde uten å se ham anså seg som ulykkelige* * Gnedich P.P. Verdens kunsthistorie. - M., 2000. S. 97...
Statuen døde ukjent hvordan og når: den brant sannsynligvis ned sammen med det olympiske tempelet. Men sjarmen hennes må ha vært stor hvis Caligula insisterte på å frakte henne til Roma for enhver pris, noe som imidlertid viste seg å være umulig.
Grekernes beundring for skjønnheten og den kloke strukturen til den levende kroppen var så stor at de estetisk bare tenkte på den i statuære fullstendighet og fullstendighet, slik at de kunne sette pris på kroppsholdningens majestet og harmonien i kroppsbevegelser. Å oppløse en person i en formløs folkemengde, vise ham i et tilfeldig aspekt, fjerne ham dypere, fordype ham i skyggene ville være i strid med den estetiske trosbekjennelsen til de hellenske mestrene, og de gjorde aldri dette, selv om det grunnleggende om perspektivet var klart for dem. Både skulptører og malere viste mennesket med ekstrem plastisk klarhet, nærbilde(en figur eller en gruppe med flere figurer), prøver å plassere handlingen i forgrunnen, som på en smal scene parallelt med bakgrunnsplanet. Kroppsspråk var også sjelens språk. Det sies noen ganger at gresk kunst var fremmed for psykologi eller ikke hadde modnet til det. Dette er ikke helt sant; Kanskje var det arkaiske kunsten fortsatt ikke-psykologisk, men ikke klassikernes kunst. Den visste faktisk ikke den omhyggelige analysen av karakterer, den kulten av individet som oppstår i moderne tider. Det er ingen tilfeldighet at portrettet i Antikkens Hellas var relativt dårlig utviklet. Men grekerne mestret kunsten å formidle så å si typisk psykologi – de uttrykte et rikt spekter av mentale bevegelser basert på generaliserte mennesketyper. Ved å distrahere fra nyansene til personlige karakterer, forsømte ikke hellenske kunstnere nyansene av erfaring og var i stand til å legemliggjøre et komplekst system av følelser. Tross alt var de samtidige og medborgere av Sofokles, Euripides, Platon.
Men likevel lå uttrykksevnen ikke så mye i ansiktsuttrykk som i kroppsbevegelser. Når vi ser på den mystiske rolige Moira fra Parthenon, på den raske, lekne Nike som løsner sandalen hennes, glemmer vi nesten at hodene deres er kuttet av - plastisiteten til figurene deres er så veltalende.
Ethvert rent plastisk motiv - det være seg den grasiøse balansen mellom alle kroppsdeler, støtte på begge ben eller ett, overføring av tyngdepunktet til en ekstern støtte, hodet bøyd til skulderen eller kastet tilbake - ble tenkt av grekerne mestere som en analog av åndelig liv. Kroppen og psyken ble oppfattet som uatskillelige. Hegel karakteriserte det klassiske idealet i sine forelesninger om estetikk, og sa at i «den klassiske kunstformen blir menneskekroppen i dens former ikke lenger bare anerkjent som en sanselig eksistens, men bare anerkjent som åndens eksistens og naturlige utseende. ."
Faktisk er kroppene til greske statuer uvanlig åndelige. Den franske billedhuggeren Rodin sa om en av dem: «Denne hodeløse ungdommelige overkroppen smiler mer gledelig til lyset og våren enn øyne og lepper kunne gjøre.»* * Dmitrieva, Akimova. Gammel kunst. Essays. - M., 1988. S. 76.
Bevegelser og stillinger er i de fleste tilfeller enkle, naturlige og ikke nødvendigvis forbundet med noe sublimt. Nika løsner sandalen, en gutt fjerner en splint fra hælen, en ung løper på startlinjen forbereder seg på å løpe, og diskos Myrona kaster en diskos. Myrons yngre samtidige, den berømte Polykleitos, skildret, i motsetning til Myron, aldri raske bevegelser og øyeblikkelige tilstander; bronsestatuene hans av unge idrettsutøvere er i rolige positurer av lette, målte bevegelser, løpende i bølger over figuren. Venstre skulder er litt forlenget, høyre er bortført, venstre hofte er skjøvet bakover, høyre er hevet, høyre ben er godt på bakken, venstre er litt bak og lett bøyd i kneet. Denne bevegelsen har enten ikke noe "plott" påskudd, eller påskuddet er ubetydelig - det er verdifullt i seg selv. Dette er en plastisk hymne til klarhet, fornuft, klok balanse. Dette er Doryphoros (spydmann) Polykleitos, kjent for oss fra romerske marmorkopier. Han ser ut til å gå og samtidig opprettholde en hviletilstand; posisjonene til armer, ben og overkropp er perfekt balansert. Polykleitos var forfatteren av avhandlingen "Canon" (som ikke har kommet ned til oss, det er kjent fra omtaler av gamle forfattere), der han teoretisk etablerte lovene for proporsjoner til menneskekroppen.
Hodene til greske statuer er som regel upersonlige, det vil si lite individualiserte, redusert til noen få varianter av en generell type, men denne generelle typen har en høy åndelig kapasitet. I den greske typen ansikt triumferer ideen om "mennesket" i sin ideelle versjon. Ansiktet er delt inn i tre like lange deler: panne, nese og nedre del. Korrekt, mild oval. Den rette neselinjen fortsetter linjen i pannen og danner en vinkelrett på linjen trukket fra begynnelsen av nesen til åpningen av øret (rett ansiktsvinkel). Avlang del av ganske dyptliggende øyne. En liten munn, fyldige konvekse lepper, overleppen er tynnere enn den nedre og har et vakkert glatt snitt som en amorsbue. Haken er stor og rund. Bølget hår passer mykt og tett til hodet, uten å forstyrre synligheten til den avrundede formen på skallen.
Denne klassiske skjønnheten kan virke monoton, men representerer det uttrykksfulle "naturlige utseendet til ånden", den gir seg til variasjon og er i stand til å legemliggjøre Forskjellige typer eldgammelt ideal. Litt mer energi i formen på leppene, i den utstående haken - foran oss er den strenge jomfruen Athena. Det er mer mykhet i kinnets konturer, leppene er litt halvåpne, øyehulene er skyggelagt - foran oss er det sensuelle ansiktet til Afrodite. Ansiktets ovale er nærmere en firkant, nakken er tykkere, leppene er større - dette er allerede bildet av en ung idrettsutøver. Men grunnlaget forblir det samme strengt proporsjonale klassiske utseendet.
Det er imidlertid ikke plass i den for noe som fra vårt ståsted er veldig viktig: sjarmen til det unike individet, skjønnheten ved det gale, det åndelige prinsippets triumf over kroppslig ufullkommenhet. De gamle grekerne kunne ikke gi dette; for dette måtte den opprinnelige monismen av ånd og kropp brytes, og den estetiske bevisstheten måtte inn på stadiet av deres separasjon - dualisme - som skjedde mye senere. Men den greske kunsten utviklet seg også gradvis mot individualisering og åpen emosjonalitet, konkretisering av opplevelser og karakterisering, noe som blir tydelig allerede i de sene klassikernes tid, på 400-tallet f.Kr. e.
På slutten av det 5. århundre f.Kr. e. Athens politiske makt ble rystet, undergravd av den lange peloponnesiske krigen. I spissen for Athens motstandere sto Sparta; den ble støttet av andre stater på Peloponnes og ga økonomisk bistand fra Persia. Athen tapte krigen og ble tvunget til å inngå en ugunstig fred; de beholdt sin uavhengighet, men den athenske maritime union kollapset, monetære reserver tørket ut, og de interne motsetningene i politikken ble intensivert. Det athenske demokratiet klarte å overleve, men demokratiske idealer bleknet, fri viljeutfoldelse begynte å bli undertrykt av grusomme tiltak, et eksempel på dette er rettssaken mot Sokrates (i 399 f.Kr.), som påla filosofen en dødsdom. Ånden av sammenhengende medborgerskap svekkes, personlige interesser og erfaringer er isolert fra offentlige, og tilværelsens ustabilitet merkes mer alarmerende. Den kritiske følelsen vokser. En person, i henhold til Sokrates’ oppfordring, begynner å strebe etter å "kjenne seg selv" - seg selv som et individ, og ikke bare som en del av den sosiale helheten. Arbeidet til den store dramatikeren Euripides, hvor det personlige prinsippet er mye mer vektlagt enn i hans eldre samtidige Sofokles, er rettet mot å forstå menneskets natur og karakterer. I følge Aristoteles' definisjon representerer Sofokles "mennesker slik de burde være, og Euripides som de virkelig er."
I plastisk kunst er det fortsatt generaliserte bilder som dominerer. Men den åndelige motstandskraften og den muntre energien som puster til kunsten til tidlige og modne klassikere, viker gradvis for den dramatiske patosen til Skopas eller den lyriske, preget av melankoli, kontemplasjonen av Praxiteles. Scopas, Praxiteles og Lysippos - disse navnene er i våre sinn ikke så mye assosiert med visse kunstneriske individer (biografiene deres er uklare, og nesten ingen originale verk av dem har overlevd), men med hovedtrendene til de sene klassikerne. Akkurat som Myron personifiserer Polykleitos og Phidias trekkene til en moden klassiker.
Og igjen, indikatorer på endringer i verdensbildet er plastiske motiver. Den karakteristiske stillingen til den stående figuren endres. I den arkaiske tiden sto statuer helt rett, frontalt. Modne klassikere liver opp og animerer dem med balanserte, jevne bevegelser, opprettholder balanse og stabilitet. Og statuene av Praxiteles - den hvilende Satyren, Apollo Saurocton - hviler med lat ynde på søyler, uten dem måtte de falle.
Låret på den ene siden er buet veldig kraftig, og skulderen senkes lavt mot låret - Rodin sammenligner denne posisjonen av kroppen med et munnspill, når belgen er komprimert på den ene siden og spredt fra hverandre på den andre. Ekstern støtte er nødvendig for balanse. Dette er en drømmende hvilestilling. Praxiteles følger tradisjonene til Polykleitos, bruker motivene til bevegelser han fant, men utvikler dem på en slik måte at et annet indre innhold skinner gjennom i dem. «The Wounded Amazon» Polykletai lener seg også på en halvsøyle, men hun kunne ha stått uten den, hennes sterke, energiske kropp, selv lider av et sår, står stødig på bakken. Praxiteles' Apollo blir ikke truffet av en pil, han sikter selv mot en øgle som løper langs en trestamme - en handling som ser ut til å kreve viljesterk ro, men kroppen hans er ustabil, som en svaiende stilk. Og dette er ikke en tilfeldig detalj, ikke et innfall fra billedhuggeren, men en slags ny kanon der et endret syn på verden kommer til uttrykk.
Imidlertid endret ikke bare arten av bevegelser og positurer seg i skulpturen på 400-tallet f.Kr. e. For Praxiteles blir rekkevidden av favorittemnene hans annerledes; han beveger seg bort fra heroiske emner inn i "lysverdenen til Afrodite og Eros." Han skulpturerte den berømte statuen av Afrodite av Knidos.
Praxiteles og kunstnerne i kretsen hans likte ikke å skildre de muskuløse overkroppene til idrettsutøvere; de ble tiltrukket av den delikate skjønnheten til kvinnekroppen med den myke strømmen av volumer. De foretrakk typen ungdom, preget av "første ungdom og feminin skjønnhet." Praxiteles var kjent for sin spesielle mykhet i modellering og dyktighet i å behandle materialet, hans evne til å formidle varmen til en levende kropp i kald marmor2.
Den eneste gjenlevende originalen av Praxiteles regnes for å være marmorstatuen "Hermes med Dionysos", funnet i Olympia. Naken Hermes, lent på en trestamme der kappen hans er skjødesløst kastet, holder lille Dionysos på den ene bøyde armen, og i den andre en drueklase, som barnet strekker seg til (hånden som holder druene er tapt). All sjarmen med billedmarmorbehandling er i denne statuen, spesielt i hodet til Hermes: overganger av lys og skygge, den fineste "sfumato" (dis), som mange århundrer senere ble oppnådd i maleri av Leonardo da Vinci.
Alle andre verk av mesteren er bare kjent fra omtaler av eldgamle forfattere og senere kopier. Men ånden til Praxiteles’ kunst lever utover det 4. århundre f.Kr. e., og best av alt kan det ikke merkes i romerske kopier, men i liten gresk plast, i Tanagra leirefigurer. De ble produsert på slutten av århundret i store mengder, det var en slags masseproduksjon med hovedsenteret i Tanagra. (En veldig god samling av dem er oppbevart i Leningrad Hermitage.) Noen figurer gjengir berømte store statuer, andre gir ganske enkelt ulike gratis varianter av den draperte kvinnefiguren. Den levende nåden til disse figurene, drømmende, gjennomtenkte, lekne, er et ekko av Praxiteles kunst.
Nesten like lite gjenstår av originalverkene til meiselen Skopas, en eldre samtid og antagonist av Praxiteles. Det ble igjen rusk. Men vraket sier også sitt. Bak dem reiser bildet av en lidenskapelig, brennende, patetisk kunstner.
Han var ikke bare billedhugger, men også arkitekt. Som arkitekt skapte Skopas Athena-tempelet i Tegea, og han overvåket også dets skulpturelle utsmykning. Selve tempelet ble ødelagt for lenge siden, av goterne; Noen fragmenter av skulpturer ble funnet under utgravninger, blant dem et bemerkelsesverdig hode til en såret kriger. Det var ingen andre som henne i kunsten på 500-tallet f.Kr. e. det var ikke noe så dramatisk uttrykk i hodevendingen, slik lidelse i ansiktet, i blikket, en slik mental spenning. I hans navn ble den harmoniske kanonen vedtatt i gresk skulptur: øynene er satt for dypt og bøyningen av øyenbrynene er dissonant med konturene av øyelokkene.
Hva Skopas stil var i flerfigurskomposisjoner vises av delvis bevarte relieffer på frisen til Halikarnassus-mausoleet - en unik struktur, rangert i antikken som et av verdens syv underverk: peripterus ble reist på en høy base. og toppet med et pyramideformet tak. Frisen skildret grekernes kamp med amasonene - mannlige krigere med kvinnelige krigere. Skopas jobbet ikke med det alene, sammen med tre skulptører, men veiledet av Plinius, som beskrev mausoleet, og stilistiske analyser, bestemte forskerne hvilke deler av frisen som ble laget i Skopas verksted. Mer enn andre formidler de kampens fulle inderlighet, "ekstasen i kamp", når både menn og kvinner overgir seg til det med like lidenskap. Figurenes bevegelser er heftige og mister nesten balansen, rettet ikke bare parallelt med planet, men også innover, i dybden: Skopas introduserer en ny romfølelse.
«Maenad» nøt stor berømmelse blant sine samtidige. Skopas skildret en storm av dionysisk dans, som anstrengte hele kroppen til Maenad, krampaktig buet overkroppen hennes og kastet hodet bakover. Statuen av Maenad er ikke designet for frontal visning, den må sees fra forskjellige sider, hvert synspunkt avslører noe nytt: noen ganger sammenlignes kroppen i sin bue med en trukket bue, noen ganger virker den bøyd i en spiral, som en flammetunge. Man kan ikke la være å tenke: de dionysiske orgiene må ha vært seriøse, ikke bare fornøyelser, men virkelig «gale spill». Dionysos mysterier fikk bare holdes en gang hvert annet år og bare på Parnassus, men på den tiden forkastet de hektiske bacchantene alle konvensjoner og forbud. Til takten av tamburiner, til lyden av tympaner, stormet og virvlet de i ekstase, drev seg selv til vanvidd, slapp håret og rev klærne. Skopas maenad holdt en kniv i hånden hennes, og på skulderen hennes lå en gutt som hun hadde revet i stykker 3.
Dionysiske høytider var en veldig gammel skikk, som selve Dionysos-kulten, men i kunsten hadde ikke det dionysiske elementet tidligere brutt gjennom med en slik kraft, med en slik åpenhet som i statuen av Skopas, og dette er åpenbart et symptom på tiden. Nå samlet skyene seg over Hellas, og rimelig klarhet i ånden ble forstyrret av ønsket om å glemme, å kaste av seg lenkene til restriksjoner. Kunst, som en følsom membran, reagerte på endringer i den sosiale atmosfæren og forvandlet sine signaler til sine egne lyder, sine egne rytmer. Den melankolske sløvheten til Praxiteles' kreasjoner og de dramatiske impulsene til Scopas er bare forskjellige reaksjoner på den generelle tidsånden.
Den unge mannens gravstein i marmor tilhører Skopas sin krets, og kanskje ham selv. Til høyre for den unge mannen står hans gamle far med et uttrykk for dype tanker, man kan føle at han stiller spørsmålet: hvorfor forlot sønnen hans i sin ungdom, og han, den gamle, ble igjen å leve ? Sønnen ser fremover og ser ikke lenger ut til å legge merke til faren; han er langt herfra, i den bekymringsløse Champs Elysees – de velsignedes bolig.
Hunden ved føttene hans er et av symbolene på livet etter døden.
Her er det på sin plass å snakke om greske gravminner generelt. Det er relativt mange av dem bevart, fra det 5., og hovedsakelig fra det 4. århundre f.Kr. e.; deres skapere er som regel ukjente. Noen ganger viser relieffet av en gravsteinsstele bare en figur - den avdøde, men oftere er hans kjære avbildet ved siden av ham, en eller to, som sier farvel til ham. I disse scenene med avskjed og avskjed kommer aldri sterk sorg og sorg til uttrykk, men bare stille; trist omtanke. Døden er fred; grekerne personifiserte henne ikke i et forferdelig skjelett, men i figuren til en gutt - Thanatos, tvillingen til Hypnos - en drøm. Den sovende babyen er også avbildet på Skopasovsky-gravsteinen til den unge mannen, i hjørnet ved føttene hans. De overlevende slektningene ser på den avdøde, og ønsker å fange trekkene hans i minnet, noen ganger tar de ham i hånden; han (eller hun) selv ser ikke på dem, og man kan føle avslapping og løsrivelse i figuren hans. I den berømte gravsteinen til Gegeso (slutten av det 5. århundre f.Kr.), gir en stående hushjelp sin elskerinne, som sitter i en stol, en eske med smykker, Hegeso tar et kjede fra den med en kjent, mekanisk bevegelse, men hun ser fraværende ut og hengende.
Autentisk gravstein fra det 4. århundre f.Kr. e. Verkene til den attiske mesteren kan sees i Statens kunstmuseum. SOM. Pushkin. Dette er gravsteinen til en kriger - han holder et spyd i hånden, ved siden av ham er hesten hans. Men posituren er ikke i det hele tatt militant, kroppsdelene er avslappet, hodet senkes. På den andre siden av hesten står et farvel; han er trist, men man kan ikke ta feil av hvilken av de to figurene som skildrer den døde og hvilken som skildrer de levende, selv om de ser ut til å være like og av samme type; Greske mestere visste hvordan de skulle få en til å føle overgangen til den avdøde inn i skyggenes dal.
Lyriske scener fra det siste farvel ble også avbildet på begravelsesurner, der de er mer lakoniske, noen ganger bare to skikkelser - en mann og en kvinne - som håndhilser på hverandre.
Men også her er det alltid klart hvem av dem som tilhører dødsriket.
Det er en spesiell følelseskyskhet i greske gravsteiner med deres edle tilbakeholdenhet i uttrykket av tristhet, noe helt motsatt av bakkisk ekstase. Gravsteinen til ungdommen som tilskrives Skopas bryter ikke med denne tradisjonen; den skiller seg ut fra andre, i tillegg til sine høye plastiske egenskaper, bare ved den filosofiske dybden i bildet av en omtenksom gammel mann.
Til tross for all kontrasten i den kunstneriske naturen til Scopas og Praxiteles, er begge preget av det som kan kalles en økning i pittoreskhet i plast - effekten av chiaroscuro, takket være hvilken marmor virker levende, som er det de greske epigrammatikerne understreker hver gang. Begge mesterne foretrakk marmor fremfor bronse (mens bronse dominerte i tidlig klassisk skulptur) og oppnådde perfeksjon i behandlingen av overflaten. Styrken til inntrykket som ble gjort ble forenklet av de spesielle egenskapene til marmortypene som skulptørene brukte: gjennomskinnelighet og lysstyrke. Parian-marmor sendte lys med 3,5 centimeter. Statuer laget av dette edle materialet så både menneskelig levende og guddommelig uforgjengelig ut. Sammenlignet med verkene til tidlige og modne klassikere, mister sene klassiske skulpturer noe, de har ikke den enkle storheten til den delfiske "Auriga", eller monumentaliteten til Phidias' statuer, men de får vitalitet.
Historien har bevart mange flere navn på fremragende skulptører fra det 4. århundre f.Kr. e. Noen av dem, som dyrket livslikhet, brakte det til et punkt utover hvilket sjanger og spesifisitet begynner, og forutså dermed hellenismens tendenser. Demetrius av Alopeka ble preget av dette. Han la liten vekt på skjønnhet og forsøkte bevisst å fremstille mennesker som de var, uten å skjule store mager og skallete flekker. Hans spesialitet var portretter. Demetrius laget et portrett av filosofen Antisthenes, polemisk rettet mot de idealiserende portrettene på 500-tallet f.Kr. e., - Antisthenes hans er gammel, slapp og tannløs. Billedhuggeren kunne ikke åndeliggjøre stygghet, gjøre den sjarmerende; en slik oppgave var umulig innenfor grensene til gammel estetikk. Styghet ble forstått og fremstilt ganske enkelt som en fysisk defekt.
Andre, tvert imot, prøvde å støtte og dyrke tradisjonene til modne klassikere, og berike dem med større ynde og kompleksitet av plastiske motiver. Dette var veien fulgt av Leochares, som skapte statuen av Apollo Belvedere, som ble skjønnhetsstandarden for mange generasjoner av nyklassisister frem til slutten av det tjuende århundre. Johann Winckelmann, forfatter av den første vitenskapelige History of Art of Antiquity, skrev: «Fantasien kan ikke skape noe som vil overgå Vatikanet Apollo med hans mer enn menneskelige proporsjonalitet av en vakker guddom.» I lang tid ble denne statuen sett på som toppen av gammel kunst; "Belvedere-idolet" var synonymt med estetisk perfeksjon. Som ofte er tilfellet, forårsaket overdreven ros over tid den motsatte reaksjonen. Da studiet av gammel kunst gikk langt og mange av monumentene ble oppdaget, ga den overdrevne vurderingen av statuen av Leochares plass til en undervurdert en: den begynte å bli funnet pompøs og oppførsel. I mellomtiden er Apollo Belvedere et virkelig enestående verk i sine plastiske fordeler; figuren og gangarten til musenes hersker kombinerer styrke og ynde, energi og letthet, går på bakken, han svever samtidig over bakken. Dessuten er dens bevegelse, med ordene til den sovjetiske kunstkritikeren B. R. Vipper, "ikke konsentrert i én retning, men, som om stråler, divergerer i forskjellige retninger." For å oppnå en slik effekt krevdes den sofistikerte dyktigheten til en skulptør; det eneste problemet er at beregningen for effekten er for åpenbar. Apollo Leochara ser ut til å invitere en til å beundre skjønnheten hans, mens skjønnheten til de beste klassiske statuene ikke erklærer seg offentlig: de er vakre, men de viser seg ikke. Selv Praxitelas Aphrodite of Cnidus ønsker å skjule i stedet for å demonstrere den sensuelle sjarmen til hennes nakenhet, og tidligere klassiske statuer fylt med rolig selvforsyning, unntatt enhver demonstrativitet. Det bør derfor erkjennes at i statuen av Apollo Belvedere begynner det eldgamle idealet å bli noe eksternt, mindre organisk, selv om denne skulpturen på sin egen måte er bemerkelsesverdig og markerer et høyt nivå av virtuos ferdighet.
Den siste store billedhuggeren tok et stort skritt mot "naturlighet" greske klassikere- Lysippos. Forskere tillegger ham den argiviske skolen og hevder at han hadde en helt annen retning enn den athenske skolen. I hovedsak var han hennes direkte etterfølger, men etter å ha adoptert tradisjonene hennes, gikk han videre. I sin ungdom svarte kunstneren Eupomp på spørsmålet sitt: "Hvilken lærer skal jeg velge?" - svarte og pekte på folkemengden på fjellet: "Dette er den eneste læreren: naturen."
Disse ordene sank dypt inn i sjelen til den strålende unge mannen, og han, som ikke stolte på autoriteten til Polykleitan-kanonen, tok opp det nøyaktige studiet av naturen. Før ham ble folk skulpturert i samsvar med kanonens prinsipper, det vil si i full tillit til at sann skjønnhet ligger i proporsjonaliteten til alle former og i andelen mennesker med gjennomsnittlig høyde. Lysippos foretrakk en høy, slank figur. Lemmene hans ble lettere, veksten høyere.
I motsetning til Scopas og Praxiteles, jobbet han utelukkende i bronse: skjør marmor krever stabil balanse, og Lysippos skapte statuer og statuergrupper i dynamiske tilstander, i komplekse handlinger. Han var uuttømmelig variert i oppfinnelsen av plastmotiver og svært produktiv; de sa at han etter å ha fullført hver skulptur la en gullmynt i sparegrisen, og på denne måten samlet han halvannet tusen mynter, det vil si at han skal ha laget halvannet tusen statuer, noen av veldig store størrelser, bl.a. en 20 meter lang statue av Zevs. Ikke et eneste verk av ham har overlevd, men et ganske stort antall kopier og repetisjoner, som dateres tilbake enten til originalene til Lysippos eller til skolen hans, gir en omtrentlig idé om mesterens stil. Når det gjelder plot, foretrakk han tydelig mannlige figurer, da han elsket å skildre ektemenns vanskelige bedrifter; Hans favoritthelt var Hercules. I forståelsen av plastisk form var Lysippos' innovative prestasjon reverseringen av figuren i rommet rundt den på alle kanter; med andre ord, han tenkte ikke på statuen mot bakgrunnen av noe fly og antok ikke ett hovedsynspunkt som den skulle sees fra, men regnet med å gå rundt statuen. Vi har sett at Skopas' Maenad allerede var bygget etter samme prinsipp. Men det som var unntaket hos tidligere billedhuggere ble regelen med Lysippos. Følgelig ga han figurene sine effektive positurer, komplekse svinger og behandlet dem med lik forsiktighet, ikke bare fra forsiden, men også fra baksiden.
I tillegg skapte Lysippos en ny følelse av tid innen skulptur. De tidligere klassiske statuene, selv om stillingene deres var dynamiske, så upåvirket av tidens flyt, de var utenfor den, de var, de var i ro. Heltene til Lysippos lever i samme sanntid som levende mennesker, deres handlinger er inkludert i tid og er forbigående, det presenterte øyeblikket er klart til å bli erstattet av et annet. Lysippos hadde selvfølgelig forgjengere her også: vi kan si at han fortsatte Myrons tradisjoner. Men selv Discobolus til sistnevnte er så balansert og klar i silhuetten at han virker "vedvarende" og statisk sammenlignet med Lysippos' Hercules som kjemper mot en løve, eller Hermes, som i et minutt (nøyaktig et minutt!) satte seg ned for å hvile på en veikant for å fortsette å fly senere på dine bevingede sandaler.
Hvorvidt originalene til disse skulpturene tilhørte Lysippos selv eller hans studenter og assistenter er ikke fastslått nøyaktig, men utvilsomt har han selv laget statuen av Apoxyomenes, en marmorkopi av denne er i Vatikanmuseet. En ung, naken idrettsutøver, med armene utstrakt, bruker en skrape for å fjerne det oppsamlede støvet. Han var sliten etter kampen, slappet litt av, så til og med ut til å vakle og spredte bena for stabilitet. Hårstrå, behandlet veldig naturlig, festet seg til den svette pannen. Billedhuggeren gjorde alt for å gi maksimal naturlighet innenfor rammen av den tradisjonelle kanonen. Selve kanonen er imidlertid revidert. Hvis du sammenligner Apoxyomenes med Doryphorus av Polykleitos, kan du se at proporsjonene til kroppen har endret seg: hodet er mindre, bena er lengre. Doryphoros er tyngre og kraftigere sammenlignet med de fleksible og slanke Apoxyomenes.
Lysippos var hoffkunstneren til Alexander den store og malte en rekke av portrettene hans. Det er ingen smiger eller kunstig glorifisering i dem; Hodet til Alexander, bevart i en hellenistisk kopi, er henrettet i tradisjonene til Skopas, noe som minner om hodet til en såret kriger. Dette er ansiktet til en mann som lever et anspent og vanskelig liv, hvis seire ikke er lett å oppnå. Leppene er halvåpne, som om de puster tungt; til tross for ungdommen er det rynker i pannen. Imidlertid er den klassiske ansiktstypen med proporsjoner og trekk legitimert av tradisjonen bevart.
Kunsten til Lysippos okkuperer grensesonen ved overgangen til den klassiske og hellenistiske epoken. Det er fortsatt tro mot klassiske konsepter, men det undergraver dem allerede fra innsiden, og skaper grunnlaget for en overgang til noe annet, mer avslappet og mer prosaisk. I denne forstand er hodet til en knyttnevejager veiledende, og tilhører ikke Lysippos, men muligens til broren Lysistratus, som også var en skulptør og, som de sa, var den første som brukte masker fjernet fra modellens ansikt for portretter (som var utbredt i Det gamle Egypt, men helt fremmed for gresk kunst). Det er mulig at hodet til en knyttnevejager også ble laget ved hjelp av masken; det er langt fra kanonen, og langt fra de ideelle ideene om fysisk perfeksjon som hellenerne legemliggjorde i bildet av en idrettsutøver. Denne vinneren i en knyttnevekamp er ikke i det hele tatt som en halvgud, bare en underholder for et ledig publikum. Ansiktet hans er grovt, nesen er flat, ørene er hovne. Denne typen "naturalistiske" bilder ble senere vanlig i hellenismen; en enda mer skjemmende knyttnevejager ble skulpturert av den attiske billedhuggeren Apollonius allerede i det 1. århundre f.Kr. e.
Det som tidligere hadde kastet skygger på den lyse strukturen i det hellenske verdensbildet kom på slutten av det 4. århundre f.Kr. e.: dekomponering og død av den demokratiske polisen. Dette begynte med fremveksten av Makedonia, den nordlige regionen av Hellas, og den virtuelle fangsten av alle greske stater Makedonsk kong Filip II. Den 18 år gamle sønnen til Filip, Alexander, den fremtidige store erobreren, deltok i slaget ved Chaeronea (i 338 f.Kr.), hvor troppene til den greske anti-makedonske koalisjonen ble beseiret. Startet med et seirende felttog mot perserne, fremmet Alexander sin hær lenger øst, erobret byer og grunnla nye; som et resultat av en ti år lang kampanje ble det opprettet et enormt monarki, som strakte seg fra Donau til Indus.
Alexander den store smakte fruktene av den høyeste greske kulturen i sin ungdom. Læreren hans var den store filosofen Aristoteles, og hoffkunstnerne hans var Lysippos og Apelles. Dette hindret ham ikke, etter å ha tatt den persiske staten til fange og tatt tronen til de egyptiske faraoene, fra å erklære seg selv som en gud og kreve at han også i Hellas ble gitt guddommelig ære. Uvant med østlige skikker, humret grekerne og sa: "Vel, hvis Alexander vil være en gud, la ham være det" - og anerkjente ham offisielt som sønn av Zevs. Orientaliseringen som Alexander begynte å innpode var imidlertid en mer alvorlig sak enn innfall av en erobrer beruset av seire. Det var et symptom på det gamle samfunnets historiske vending fra slaveeiende demokrati til den formen som hadde eksistert siden antikken i øst – til slaveeiende monarki. Etter Alexanders død (og han døde ung), gikk hans kolossale, men skjøre makt i oppløsning, innflytelsessfærene ble delt mellom seg av hans militære ledere, de såkalte diadochi - etterfølgere. Statene som dukket opp igjen under deres styre var ikke lenger greske, men gresk-østlige. Hellenismens æra har kommet - foreningen i regi av monarkiet av hellenske og østlige kulturer.
Fulltekstsøk:
Hjem > Abstrakt >Kultur og kunst
ABSTRAKT
I disiplinen "russisk og utenlandsk kunst"
om emnet "Skulptur av antikkens Hellas under den klassiske tidsalder. Ledende mestere og hovedmonumenter"
Saint Petersburg
1. Introduksjon 3
2.1. Pythagoras av Rhegium 4
2.2. Miron 5
3. Skulptur av antikkens Hellas fra høyklassisk tid 7
3.1. Phidias 7
3.2. Polykleitos 10
4. Skulptur av antikkens Hellas fra den sene klassiske epoken 11
4.1. Praxiteles 11
4.2. Skopas 13
4.3. Lysippos 14
5. Konklusjon 16
6. Referanser 17
4. Universelt leksikon "Around the World" [elektronisk ressurs] – Kultur og utdanning: Fin kunst, skulptur, arkitektur. – 2001-2009. – Tilgangsmodus: http://www.krugosvet.ru, gratis. - Cap. fra skjermen. 17
1. Introduksjon
På slutten av 600-tallet. f.Kr e. Mange endringer skjedde i greske byer. Fortidens tyrannier ble erstattet av slaveeiende demokrati. Turbulente interne politiske hendelser ble ledsaget av utbruddet som brøt ut på begynnelsen av 400-tallet. f.Kr e. en voldsom og langvarig krig med perserne (først i 449 f.Kr. ble fred sluttet).
Betydningen av den gresk-persiske konflikten går langt utover grensene for striden mellom to eldgamle folk. Det var et sammenstøt av motstridende verdenssyn: De hellenske byene med sine nye demokratiske ambisjoner motsatte seg det persiske monarkiets despotiske styre. Det er vanskelig å si hvordan den europeiske sivilisasjonen ville ha utviklet seg hvis perserne hadde kvalt den hellenske kulturen.
Det var i denne perioden med prøvelser som rammet grekerne at et klart uttrykt vendepunkt i kunsten skjedde. Den arkaiske, stort sett konvensjonelle reproduksjonen av virkeligheten ble erstattet av en klassisk – nærmere legemliggjørelsen av synlig virkelighet slik den virket for mennesket. Konvensjonen som ligger i alle tiders kunstmonumenter forsvant ikke helt, men tok bare nye former i plastiske og billedlige bilder som ytre var nærmere virkeligheten.
Den klassiske perioden i hellensk kunst, i henhold til allment akseptert periodisering, varte omtrent to århundrer og falt på V-IV århundrer. f.Kr e., men innenfor sine grenser er det nødvendig å skille mellom flere stadier.
I de tidlige klassikernes tid (første halvdel av 500-tallet f.Kr.) er kunstneriske bilder preget av økt formdynamikk, mange elementer av senarkaisk konvensjon er fortsatt bevart, og følelsesmessig spenning forårsaket av den generelle situasjonen i årene med harde kamper med perserne merkes. Senere, i andre halvdel av 500-tallet. f.Kr e. da den greske verden høstet fruktene av sin seier i krigen, fikk kunstens bilder en overveiende selvsikker rolig, stolt og høytidelig karakter. Denne tiden av den hellenske kulturens storhetstid, da fremragende skulptører Polykleitos, Phidias og andre store mestere jobbet, kalles høyklassikere. På slutten av 500-tallet. f.Kr e. det skjedde en overgang til de sene klassikerne (IV århundre f.Kr.). Monumenter med en ny følelsesmessig lyd - noen ganger ekstremt urovekkende, noen ganger elegisk og drømmende - oppsto i verkstedene til slike skulptører som Scopas, Praxiteles, Lysippos.
2. Skulptur av antikkens Hellas fra den tidlige klassiske epoken
De største skulptørene av de tidlige klassikerne er Pythagoras av Rhegium og Myron. Vi bedømmer arbeidet til kjente greske skulptører hovedsakelig fra litterære bevis og senere kopier av verkene deres.
2.1. Pythagoras av Rhegium
Pythagoras av Rhegium ble født på øya Samos og flyttet deretter til Rhegium i Sør-Italia. Pythagoras av Rhegium var en samtidig og rival av Myron. De snakket om ham som den første billedhuggeren i hvis arbeid det ble forsøkt å opprettholde rytme og proporsjonalitet. Gamle kilder skildrer Pythagoras som en av de mest strålende mesterne i en streng stil. Pythagoras jobbet på ordre fra mange greske byer på Balkan, østlige og vestlige Hellas. Hans kreative liv varte visstnok i 40 år, fra 480 til 440 f.Kr. Å dømme etter de korte kommentarene fra gamle forfattere om stilen hans, var Pythagoras en innovatør. Han var den første som avbildet "muskler og årer" og tolket håret mer realistisk. I følge legenden er Pythagoras av Rhegium også forfatteren av begrepet "symmetri", som han brukte for å betegne et romlig mønster i arrangementet av identiske deler av en figur eller selve figurene. Skulptørens spesielle interesse var fokusert på skikkelsene til idrettsutøvere, som etter krigens slutt fikk en helt spesiell, nesten heroisk status i Hellas-kunsten.
Basert på disse dataene i små bronser (Pythagoras var en bronser) og blant romerske kopier som gjenspeiler arbeider av en streng stil, valgte forskere de som best tilfredsstilte alle disse egenskapene. Mest sannsynlig går bildet av en idrettsutøver, avbildet i bronsefiguren til idrettsutøveren fra Aderno (ca. 460 f.Kr.), tilbake til Pythagoras. Den unge mannen er avbildet stående, med hendene litt spredt til sidene: han helte en drikoffer fra en bolle. Han ser ut til å stå rolig, men faktisk er det ingen stivhet i figuren: han snur hodet mot støttebenet. Det er et "tektonisk" konsept i konstruksjonen av figuren, presentert på en veldig moden og original måte. Atleten fra Aderno, stående, fortsetter imidlertid å bevege seg rykkete; det ser ut til at han frøs bare i et minutt og immobilitet er en uvanlig tilstand for ham. Til tross for at figuren er designet for frontal persepsjon, er plastisiteten til kroppen utviklet subtilt og involverer en sirkulær tur.
Refleksjonen av den pytagoreiske statuen av den citariske Kleon, laget for Theben, er sett i en bronsefigur fra Eremitasjen (ca. 460 - 450 f.Kr.). Hermitage-lyren er nesten en gutt, han sitter på en stein og spiller et instrument; den øvre delen av kroppen er naken, den nedre delen er dekket med en kappe. Den unge mannen er munter og energisk, veldig avslappet, og det ser ut til, som i tilfellet med atleten fra Aderno, at handlingen ikke frøs i det øyeblikket mesteren fikset det - det fortsetter. Figuren er godt laget, den er også rund, med en original kontrast av belastede og frie deler.
Blant verkene til Pythagoras er den originale statuen av den lamme Filoktetes. Plinius rapporterer at betrakteren, som så på Filoktetes, følte den samme akutte smerten som helten opplevde da han ble bitt i hælen av en slange på øya Lemnos. Historien om Filoktetes, en fremragende bueskytter som brukte buen til Hercules, er sammenvevd med historien om den trojanske krigen: helten vil bli ført til Troja av achaeerne fra øya Lemnos, og han vil være bestemt til å treffe trojaneren. Paris med en pil. Det er viktig at Pythagoras ikke velger en strålende handling i Filoktetes skjebne, men tvert imot en vanskelig, lidende. Valget av en fysisk funksjonshemmet – halt – helt er et tegn på en streng stil med sin kjærlighet til ekstraordinære hendelser, men likevel unik.
Tilsynelatende var Pythagoras ikke bare en "sanger av fysisk kraft", som en rekke forskere tror. Selv i rolig stående figurer forble den dynamisk og pulserende. Kunsten hans glorifiserer de modige heltene fra etterkrigstidens Hellas på 500-tallet. f.Kr. i en stil som representerer en unik syntese av joniske, doriske og søritalienske tradisjoner.
2.2. Miron
Myron, gresk billedhugger på 500-tallet. f.Kr., representant for overgangsperioden innen skulptur fra de tidlige klassikerne til kunsten fra Periclean-tiden. Født i byen Eleuthera på grensen til Attika og Boeotia. De gamle karakteriserer ham som den største realisten og eksperten på anatomi, som imidlertid ikke visste hvordan han skulle gi liv og uttrykk til ansikter. Han avbildet guder, helter og dyr; ifølge anmeldelser fra eldgamle kjennere forsøkte han å formidle maksimal spenning i bildet. Hans aktivitet går tilbake til omtrent midten av det 5. århundre. - tiden for seire til tre idrettsutøvere, hvis statuer han skulpturerte i 456, 448 og 444 f.Kr. Myron var en eldre samtid av Phidias og Polykleitos og ble ansett som en av de største skulptørene i sin tid. Han arbeidet i bronse, men ingen av verkene hans har overlevd; de er hovedsakelig kjent fra kopier.
Hans mest kjente verk er "The Discus Thrower" (ca. 450 f.Kr.), en idrettsutøver som har til hensikt å kaste en diskos, en statue som har overlevd til i dag i flere eksemplarer, hvorav det beste er laget av marmor og ligger i Massimi-palasset (i Roma).
Statuen var av bronse. Den unge mannen er avbildet i forberedelsesøyeblikket for å kaste diskos, i en dynamisk positur, som om han er frosset et øyeblikk. Et sekund senere rettet han seg ut som en fjær og kastet disken. Figuren er konstruert på en slik måte at hele kroppen til den unge mannen ikke bare er bøyd, men også roterer: det frie venstre benet hviler på tærne, overkroppen er ekstremt spent, brystet og ansiktet er snudd i hele ansiktet, men blikket er ikke rettet mot betrakteren, ikke direkte, men mot disken. Diskoskasteren har utmerkede proporsjoner og er anatomisk perfekt bygget. Figuren er svært naturalistisk i sine enkeltdeler og samtidig helt ideell som helhet. Hodet til Discobolus, vurdert separat, har en sterk asymmetri av de to halvdelene: venstre kinn er rundere, øyet er smalere og mer langstrakt, øyenbrynet er buet mer bratt, munnen er skråstilt til siden. Men siden hodet er senket ned og ses av betrakteren i en vanskelig posisjon, er disse justeringene designet for å harmonisere det generelle. Denne dristige og originale figuren, med en lys, ideell plass, trenger inn i verden rundt med en vinkel og antyder en umiddelbar endring av disposisjon (på et minutt, i stedet for et hode, vil en disk skjære gjennom frontrommet) - statuen av Discobolus er bygget med en orientering mot frontalt synspunkt. Den er ikke rund, ikke voluminøs. Når den ses i profil, krymper den og smalner, mister volumet, og bakoversikten er ufullstendig. Myrons praktfulle og dynamiske design er realisert i et flatt – planimetrisk – skjema. Dette er imidlertid på ingen måte en mangel ved Myron, men et særtrekk ved hans talent. Mange athenske skulptører, inkludert Phidias, var mer tilbøyelige til slike fasadeaspekter enn den runde doriske formen.
Et annet kjent monument av Myron er gruppen Athena med Marsyas, (ca. 450 f.Kr.), dedikert til Akropolis i Athen. Den ble rekonstruert på grunnlag av en rekke kilder: omtaler av eldgamle forfattere, et bilde på en vase med røde lofter rundt 440 f.Kr. (Berlin, Statlige museer) og romerske kopier.
Myron presenterte en situasjon typisk for den strenge stilen: sammenstøtet mellom den olympiske gudinnen og en lavere guddom, den sterke mannen Marsyas. Legenden forteller hvordan Athena fant opp fløyten, men da hun så refleksjonen hennes på vannoverflaten med hovne kinn, kastet hun instrumentet i indignasjon. Den sterke Marsyas snek seg opp for å gripe fløyten, men Athena truet ham med en forbannelse og forbød ham å ta på fløyten.
Myron kombinerte organisk statuene sine. Han forbinder dem både psykologisk - med et enkelt fløytemotiv, en enkelt handling og optisk - med kontrast og konsonans av rytmiske bevegelser. En marmorkopi av "Marsyas" (originalen ble støpt i bronse) sto i mange år i Lateranmuseet som en uavhengig statue, inntil det, basert på bilder på mynter og historien om Pausanias, var mulig å fastslå at "Marsyas" representert en del av en gruppe.
3. Skulptur av antikkens Hellas fra høyklassisk tid
I kunsten til høyklassikere ble ideer og følelser som var universelle i sin essens legemliggjort med spesiell kraft. I deres forsøk på å uttrykke den dype, skjulte betydningen av et kunstnerisk bilde så klart og generelt som mulig, frigjorde mesterne seg så mye som mulig fra alt som virket for detaljert og spesifikt.
Kunstformer gjennom det 5. århundre. f.Kr e. endret seg veldig merkbart. Dynamikken og mobiliteten til de overveiende heroiske bildene av de tidlige klassikerne, hvis karakter ble bestemt av spenningen til alle grekernes styrker under de persiske krigene, ga plass til en sublim fred som tilsvarte grekernes stemning, som innså betydningen av deres seier.
Athen, hvor hovedøkonomien til forbundet var konsentrert, hadde fremgang. Dette er årene av regjeringen til Perikles, som sto i spissen for det athenske demokratiet, en tid med intens aktivitet av de store billedhuggerne Phidias og Polycletus. Athen, ødelagt av perserne, ble gjenoppbygd, og de mest talentfulle arkitektene, skulptørene og malerne kom dit for å lage et praktfullt ensemble av bygninger på Akropolis. Athen ble en av datidens mest kjente og vakreste byer. Toppen av gammel gresk skulptur var tilsynelatende krysoelefantstatuene av Athena Parthenos og Olympian Zeus av Phidias (begge har ikke overlevd).
3.1. Phidias
Phidias, en gammel gresk skulptør som av mange anses å være antikkens største kunstner. Phidias var opprinnelig fra Athen, farens navn var Charmides. Phidias studerte ferdighetene til en billedhugger i Athen ved skolen til Hegeias og i Argos ved skolen til Agelas (i sistnevnte, kanskje samtidig med Polykleitos). Blant de eksisterende statuene er det ikke en eneste som utvilsomt tilhørte Phidias. Vår kunnskap om hans verk er basert på beskrivelser av eldgamle forfattere, på studier av senere kopier, samt gjenlevende verk som tilskrives Phidias med mer eller mindre sikkerhet.
Blant Phidias tidlige verk, opprettet ca. 470–450 f.Kr., bør vi nevne kultstatuen av Athena Areia i Plataea, laget av forgylt tre (klær) og pentelisk marmor (ansikt, armer og ben). I samme periode har ca. 460 f.Kr., refererer til minnekomplekset i Delphi, bygget til ære for den athenske seieren over perserne i slaget ved Marathon. På samme tid (ca. 456 f.Kr.), og også ved å bruke midler fra byttet som ble tatt til fange i slaget ved Marathon, installerte Phidias en kolossal bronsestatue av Athena Promachos (beskytter) på Akropolis. En annen bronsestatue av Athena på Akropolis, den såkalte. Athena Lemnia, som holder en hjelm i hånden, ble skapt av Phidias c. 450 f.Kr etter ordre fra attiske kolonister som seilte til øya Lemnos. Kanskje de to statuene som ligger i Dresden, samt hodet til Athena fra Bologna, er kopier av den.
Den krysoelefantine (gull og elfenben) statuen av Zevs ved Olympia ble i antikken ansett for å være mesterverket til Phidias. Dion Chrysostomos og Quintilian (1. århundre e.Kr.) sier at takket være den uovertrufne skjønnheten og gudfryktige skapelsen til Phidias, ble religionen selv beriket, og Dion legger til at alle som tilfeldigvis så denne statuen glemmer alle hans sorger og motgang. En detaljert beskrivelse av statuen, regnet som et av verdens syv underverker, er tilgjengelig fra Pausanias. Zevs ble avbildet sittende. I håndflaten på høyre hånd sto gudinnen Nike, og i venstre hånd holdt han et septer, på toppen av det satt en ørn. Zevs var skjeggete og langhåret, med en laurbærkrans på hodet. Den sittende skikkelsen berørte nesten taket med hodet, slik at det virket som om Zevs reiste seg, ville han blåse taket av tinningen. Tronen var rikt dekorert med gull, elfenben og dyrebare steiner. I den øvre delen av tronen over hodet på statuen ble figurene til de tre karittene plassert på den ene siden, og de tre årstidene på den andre; dansende Niki ble avbildet på tronens ben. På tverrstengene mellom tronens ben sto statuer som representerte de olympiske konkurransene og grekernes kamp (ledet av Hercules og Theseus) med amasonene. Sokkelen til tronen, laget av svart stein, var dekorert med gyldne relieffer som skildrer gudene, spesielt Eros, som møter Afrodite som dukker opp fra havets bølger, og Peyto (gudinnen for overtalelse) som kronet henne med en krans. En statue av den olympiske Zevs eller et av hodene hans ble avbildet på mynter som ble preget i Elis. Det var ingen klarhet angående tidspunktet for opprettelsen av statuen i antikken, men siden byggingen av tempelet ble fullført ca. 456 f.Kr. ble statuen mest sannsynlig reist senest ca. 450 f.Kr (det har nå vært fornyet forsøk på å plassere Zevs fra Olympia til en tid etter Athena Parthenos).
Da Perikles startet omfattende bygging i Athen, ledet Phidias alt arbeidet på Akropolis, blant annet byggingen av Parthenon, som ble utført av arkitektene Ictinus og Callicrates i 447–438. f.Kr.. Parthenon, tempelet til skytsgudinnen til byen Athen, en av de mest kjente kreasjonene innen gammel arkitektur, var en dorisk peripterus. Den rikelige plastdekorasjonen av tempelet ble utført av en stor gruppe skulptører, som arbeidet under tilsyn av Phidias og sannsynligvis ifølge skissene hans (de mest kjente er reliefffrisene fra Parthenon, nå i British Museum, og de fragmentarisk bevarte statuene fra pedimentene).
Kultkrysoelefantstatuen av Athena Parthenos som sto i tempelet, som sto ferdig i 438 f.Kr., ble skulpturert av Phidias selv. Beskrivelsen av Pausanias og mange kopier gir en ganske klar idé om det. Athena ble avbildet stående i full høyde, iført en lang chiton hengende i tunge folder. På håndflaten til Athenas høyre hånd sto den bevingede gudinnen Nike; på Athenas bryst var en aegis med hodet til Medusa; i venstre hånd holdt gudinnen et spyd, og et skjold lente seg mot føttene hennes. Den hellige slangen til Athena (Pausanias kaller den Erichthonius) krøllet seg sammen rundt spydet. Statuens sokkel skildret fødselen til Pandora (den første kvinnen). Som Plinius den eldste skriver, på utsiden av skjoldet var det en kamp med amasonene, på innsiden var det en kamp mellom guder og kjemper, og på Athenas sandaler var det et bilde av en centauromaki. På hodet til gudinnen var det en hjelm kronet med tre topper, hvor den midterste representerte en sfinks, og sidene var griffiner. Athena hadde smykker: halskjeder, øredobber, armbånd.
Likheten til stilen med skulpturene og relieffene til Parthenon merkes i statuene av Demeter (kopier av den er i Berlin og Cherchel, Algerie) og Kore (kopi i Villa Albani). Motivene til begge statuene er brukt i det berømte store motivrelieffet fra Eleusis (Athen, Archaeological Museum), en romersk kopi av dette er i Metropolitan Museum of Art i New York.
Foldene på Coras kappe ligner i stil på draperiet til den stående Zeus-statuen, en kopi av denne er oppbevart i Dresden, og overkroppen, muligens et fragment av originalen, er i Olympia. I stil med Parthenon-frisen er Anadumen (en ung mann som binder en bandasje rundt hodet); det kan ha blitt opprettet som et svar på Diadumen av Polykleitos. Statuen av Phidias er mye mer naturlig når det gjelder holdning og gest, men noe røffere. Sammen med Polykleitos og Cresilaus deltok Phidias i konkurransen om en statue av en såret Amazonas for Artemis-tempelet i Efesos og tok andreplassen etter Polykleitos; en kopi av hans statue anses å være den såkalte. Amazon Mattei (Vatikanet). Såret i låret stakk Amazonas chiton inn i beltet hennes; for å redusere smerten lener hun seg på spydet, tar tak i det med begge hender, med den høyre hevet over hodet. Som med Athena Parthenos og Parthenon-relieffene, er det rike innholdet her inneholdt i en enkel form.
Kreasjonene til Phidias er grandiose, majestetiske og harmoniske; form og innhold er i perfekt balanse i dem. Masterstudentene, Alkamen og Agorakrit, fortsatte å jobbe i hans stil i siste fjerdedel av 400-tallet. f.Kr., og mange andre skulptører, blant dem Kephisodotus, - og i første kvartal av det 4. århundre. f.Kr.
3.2. Polykleitos
Polykleitos (5. århundre f.Kr.), gammel gresk billedhugger og kunstteoretiker, arbeidet ca. 460–420 f.Kr. Født i Sikyon c. 480 u/ f.Kr., studerte i Argos med Ageladus, muligens samtidig med Phidias, og ledet senere den argiviske billedhuggerskolen. Det ble antatt at ingen kunne måle seg med Polykleitos i skildringen av idrettsutøvere, mens Phidias ble anerkjent som den første i skildringen av gudene. Rundt 460–450 f.Kr. Polykleitos skapte flere statuer av seierherrene olympiske leker, inkl. Kiniska (sokkelen ble funnet under utgravninger ved Olympia). Kanskje kopien er en statue av en idrettsutøver som setter på seg en krans (den såkalte Westmacott Youth fra British Museum). Andre verk fra den tidlige perioden av Polykleitos sitt arbeid er Discophore (The Disc Bearer, de beste eksemplarene i Wellesley College nær Boston, USA, og i Vatikanet) og Hermes (en idé om det kan hentes fra en bronsefigur fra British Museum).
Imidlertid er Polykleitos mest kjente verk skapt ca. 450–440 f.Kr. Doryphoros (Spydmann). De beste kopiene av denne statuen er i Napoli, Vatikanet og Firenze; den beste gjenlevende kopien av hodet til Doryphorus ble laget i bronse av billedhuggeren Apollonius, sønn av Archias (funnet i Herculaneum, det er nå i Napoli). Det er i dette arbeidet at Polykleitos ideer om de ideelle proporsjonene til menneskekroppen, som er i numerisk proporsjon til hverandre, er nedfelt. Det ble antatt at figuren ble skapt på grunnlag av prinsippene for Pythagoreanism, derfor ble statuen av Doryphorus i antikken ofte kalt "kanonen til Polykleitos", spesielt siden Canon var navnet på hans ubevarte avhandling om estetikk. Her er den rytmiske komposisjonen basert på asymmetriprinsippet (høyre side, dvs. støttebenet og armen som henger langs kroppen, er statiske, men ladet med kraft, den venstre, dvs. benet som blir igjen og armen med spydet. , forstyrrer freden, men er litt avslappet ), som gjenoppliver henne og gjør henne mobil. Formene til denne statuen er ekstremt klare; de gjentas i de fleste verkene til billedhuggeren og skolen hans.
På oppdrag fra prestene i Artemis-tempelet i Efesos ca. 440 f.Kr Polykleitos skapte en statue av en såret Amazonas, og tok førsteplassen i en konkurranse der Phidias og Cresilaus deltok i tillegg til ham. En ide om det er gitt av kopier - et relieff oppdaget i Efesos, samt statuer i Berlin, København og Metropolitan Museum of Art i New York. Amazonas ben er satt på samme måte som Doryphoros, men den frie armen henger ikke langs kroppen, men kastes bak hodet; den andre hånden støtter kroppen, lener seg på søylen. Stillingen er harmonisk og balansert, men Polykleitos tok ikke hensyn til det faktum at hvis det er et sår under en persons høyre bryst, kan ikke høyre arm heves høyt opp. Tilsynelatende interesserte den vakre, harmoniske formen ham mer enn handlingen eller overføringen av følelser. Den samme omsorgen er gjennomsyret av den forsiktige utviklingen av foldene til den korte Amazonas chiton.
Polykleitos arbeidet da i Athen, hvor ca. 420 f.Kr han skapte Diadumen, en ung mann med bandasje rundt hodet. I dette verket, som ble kalt en mild ungdom, kan man i motsetning til den modige Doryphoros føle påvirkningen fra den attiske skole. Her brukes igjen motivet til et trinn, selv om begge armene er hevet og holder bandasjen, en bevegelse som ville være bedre egnet til en rolig og stødig stilling av bena. Motsetningen mellom høyre og venstre side er ikke så uttalt. Ansiktstrekk og voluminøse hårkrøller er mye mykere enn i tidligere arbeider. De beste repetisjonene av Diadumen er en kopi funnet på Delos og nå i Athen, en statue fra Vaison i Frankrike, som oppbevares i British Museum, og kopier i Madrid og i Metropolitan Museum. Flere terrakotta- og bronsefigurer har også overlevd. De beste kopiene av Diadumens hode finnes i Dresden og Kassel.
Rundt 420 f.Kr. Polykleitos skapte en kolossal chrysoelephantine (gull og elfenben) statue av Hera sittende på en trone for templet i Argos. Argive-mynter kan gi en ide om hvordan denne gamle statuen så ut. Ved siden av Hera sto Hebe, skulpturert av Naucis, en elev av Polykleitos. I den plastiske utformingen av templet kan man føle både innflytelsen fra mesterne på den attiske skolen og Polycletus; kanskje dette er arbeidet til elevene hans. Polykleitos' kreasjoner manglet majesteten til Phidias' statuer, men mange kritikere anser dem som overlegne Phidias i sin akademiske perfeksjon og ideelle holdning. Polykleitos hadde mange studenter og tilhengere frem til Lysippos-epoken (slutten av det 4. århundre f.Kr.), som sa at læreren hans i kunst var Doryphoros, selv om han senere forlot Polykleitos sin kanon og erstattet den med sin egen.
4. Skulptur av antikkens Hellas fra sen klassisk tid
De største skulptørene av de sene klassikerne er Praxiteles, Scopas og Lysippos, som på mange måter forutså den påfølgende æraen av hellenismen.
4.1. Praxiteles
Praxiteles (IV århundre f.Kr.), gammel gresk billedhugger, født i Athen ca. 390 f.Kr Hans verk, for det meste i marmor, er hovedsakelig kjent fra romerske kopier og vitnesbyrd fra eldgamle forfattere.
Den beste ideen om stilen til Praxiteles er gitt av statuen av Hermes med babyen Dionysus (Olympia, arkeologisk museum), som ble funnet under utgravninger i Hera-tempelet ved Olympia. Til tross for tvil som har blitt uttrykt, er dette nesten helt sikkert en original, skapt ca. 340 f.Kr Den fleksible Hermes-figuren lente seg elegant mot trestammen. Mesteren klarte å forbedre tolkningen av motivet til en mann med et barn i armene: bevegelsene til begge hendene til Hermes er komposisjonelt forbundet med babyen. Sannsynligvis, i den høyre, ubevarte hånden hans var det en klase med druer, som han ertet Dionysos med, og det var grunnen til at babyen strakk seg etter den. Poseringene til heltene beveget seg enda lenger bort fra den begrensede rettheten som ble observert i tidligere mestere. Hermes-figuren er proporsjonalt bygget og velutviklet, det smilende ansiktet er fullt av livlighet, profilen er grasiøs, og den glatte overflaten av huden står i skarp kontrast til det skjematisk skisserte håret og overflaten av kappen som er kastet over stammen. Håret, draperiet, øynene og leppene og sandalstroppene ble malt. Praxiteles anså maleriet av statuer som en ekstremt viktig sak og betrodde det til kjente kunstnere, for eksempel Nicias fra Athen og andre.
Den mesterlige og nyskapende utførelsen av Hermes har gjort det til det mest kjente verket til Praxiteles i moderne tid. Imidlertid ble hans mesterverk i gamle tider ansett for å være statuene av Afrodite, Eros og satyrer som ikke har nådd oss. Etter de overlevende kopiene å dømme, fantes de i flere versjoner.
Statuen av Afrodite av Knidos ble i antikken ikke bare ansett som den beste skapelsen av Praxiteles, men generelt den beste statuen gjennom tidene. Som Plinius den eldste skriver, kom mange til Cnidus bare for å se henne. Det var den første monumentale skildringen av en helt naken kvinneskikkelse i gresk kunst, og ble derfor avvist av innbyggerne på Kos, som den var ment for, hvoretter den ble kjøpt av byfolket i nabolandet Knidos. I romertiden ble bildet av denne statuen av Afrodite preget på Cnidian-mynter, og det ble laget mange kopier av den (den beste av dem er nå i Vatikanet, og den beste kopien av hodet til Afrodite er i Kaufmann-samlingen i Berlin). I antikken ble det hevdet at Praxiteles modell var hans elsker, hetaeraen Phryne.
Fra kopier er to versjoner av statuen av en ung satyr kjent, hvorav den ene kan tilhøre den tidlige perioden av Praxiteles arbeid, og den andre til den modne perioden. Den første typen statue viser en satyr som skjenker vin med høyre hånd fra en høyt holdt kanne i en kopp i den andre hånden; han har en bandasje og en krans av eføy på hodet, ansiktstrekkene er edle, profilen er tynn. De beste eksemplarene av denne typen finnes i Castel Gandolfo, i Anzio og i Torre del Greco. I den andre versjonen (den ble kopiert oftere, de beste statuene er i Torlonia-museet og i Capitoline-museet i Roma) avbildet en satyr som lener seg på en trestamme, holder en fløyte i høyre hånd og kaster tilbake et panterskinn kastet over skulderen med venstre.
Motivet til en figur som lener seg på en støtte er også brukt i statuen av Dionysos, den beste kopien av denne er i Madrid. Dionysos hviler på en herm som minner om hermen til billedhuggeren Alcamenes, den samme som i Hermes av Cephisodotus.
I to versjoner av statuen av Artemis skapt av Praxiteles, ser vi eksempler på løsningen på motivet til en drapert menneskeskikkelse. En av dem skildrer en ung jegerinne kledd i en enkel peplos, som tar en pil fra et kogger bak ryggen hennes. Den beste kopien av denne typen er Artemis, holdt i Dresden. Det andre alternativet er den såkalte. Artemis Bravronia fra den athenske Akropolis, som dateres tilbake til 345 f.Kr., tilhører sen periode kreativiteten til mesteren. Det antas at en kopi av den er en statue funnet i Gabii og oppbevart i Louvre. Artemis er her avbildet som kvinners beskytter: hun kaster på høyre skulder et deksel brakt av en kvinne som en gave for vellykket levering av en byrde.
Praxiteles var en uovertruffen mester i å formidle kroppens nåde og åndens subtile harmoni. Oftest avbildet han guder, og til og med satyrer, som unge; i hans arbeid erstattet majesteten og opphøyetheten til bildene fra det 5. århundre. f.Kr. nåde og drømmende ømhet kommer. Praxiteles-kunsten ble videreført i verkene til hans sønner og studenter, Cephisodotus den yngre og Timarchus, som arbeidet på ordre fra Ptolemies på øya Kos og overførte skulptørens stil til øst. I de aleksandrinske imitasjonene av Praxiteles blir hans karakteristiske ømhet til svakhet og treg livløshet.
4.2. Skopas
Skopas (blomstret 375–335 f.Kr.), gresk billedhugger og arkitekt, født på øya Paros ca. 420 f.Kr Skopas var en skulptør og en arkitekt rullet sammen; tempelet i Athena Alley i Tegea, som han bygde, var på sin måte et plastverk.
Mesterens verk, som har overlevd i fragmenter, indikerer at han var den første som skildret "patos" - lidenskap. I stedet for et vanlig eggformet hode med et ovalt ansikt og ubevegelige trekk, skapte Skopas en ny type - kubisk, sittende på en kraftig nakke, forvrengt av lidelse, med små, sterkt innsunkne øyne. Dette er hodet til en kriger, bevart i Athen, fra den vestlige frontonen av tempelet til Athena Avenue i Tega, og skapt og dekorert med skulptur under ledelse av Skopas. Hodet "puster" med åpen patos, som først triumferende gikk inn i kunsten. Tidligere ble ikke krigere avbildet på denne måten: Ansiktene deres forble uforstyrlige, noen ganger var det bare øyenbrynene som buet sorgfullt eller leppehjørnene deres var litt hengende. Nå er hele strukturen i ansiktet i endring og deformert.
Skopas var en av en gruppe på fire skulptører (og kan ha vært den eldste blant dem) som fikk i oppdrag av Mausolus' enke Artemisia å lage den skulpturelle delen av mausoleet (et av verdens syv underverker) ved Halicarnassus, graven. av mannen hennes. Den ble ferdigstilt ca. 351 f.Kr Skopas eier skulpturene på østsiden, hellene i østfrisen er preget av samme stil som statuene fra Tegea. Lidenskapen som ligger i Skopas verk oppnås først og fremst gjennom en ny tolkning av øynene: de er dyptliggende og omgitt av tunge folder på øyelokkene. Livligheten i bevegelser og dristige posisjoner til kroppene uttrykker intens energi og demonstrerer mesterens oppfinnsomhet.
Scopas mest kjente verk var gruppen av sjøguder i helligdommen Neptun i Roma, som kanskje fulgte Akilles på hans reise til de saliges øyer. Kanskje representerte frisen med Poseidon, Amphitrite, Tritons og Nereider som rir på sjømonstre (nå i München), og offerscenen (nå i Louvre) grunnlaget for denne gruppen i Roma i det 1. århundre. AD Andre verk som tilskrives Scopas er Afrodite Pandemos som rir på en geit (i Elis er det bilder på mynter), Afrodite og Potos (fra øya Samothrace), Potos med Eros og Himera (fra Megara), samt tre statuer i Roma - en kolossal sittende figuren av Ares, den sittende Hestia og den nakne Afrodite, som noen kjennere plasserte over den berømte Afrodite av Cnidus, eid av Praxiteles.
4.3. Lysippos
Lysippos, den tredje store mesteren i de sene klassikerne, var en av de allsidige og produktive skulptørene i Hellas. Opprinnelig fra Sicyon (Peloponnes) og fra de lavere klassene, tilhørte han Arg-Sicyon-skolen med sin autoritative tradisjon innen sirkulær skulptur. Mesteren, som mange Peloponnesere, jobbet nesten utelukkende i bronse. Hans kreative liv varte omtrent et halvt århundre (350-300 f.Kr.). I følge legenden skapte han et stort antall statuer - omtrent halvannet tusen, og dette ble oppdaget da han på slutten av livet åpnet boksen sin, som han kastet en gullmynt i på slutten av hvert verk. . Lysippos var ekstremt mangfoldig og mangesidig. Han skulpturerte frittstående statuer og grupper, og laget til og med spesielle sykluser, for eksempel en serie arbeid av Hercules. Han var også portrettmaler - han eier en portrettstatue av Alexander den store, hvis hoffskulptør han ble.
Lysippos er kreditert med den originale statuen av atleten Agias fra Delphi, ca. 340 f.Kr. (Marmor Agios, funnet i Delphi, er i Delphi Museum). Det var et av bildene av forfedrene til en viss Daoch fra Thessaly, som han beordret til Delfi. Lysippos begynte med ganske stive former som er karakteristiske for Argive-Sicyon-skolen. Alle deler av kroppen er strengt skissert, tolket av brede plan og ser ut som autonome seksjoner som er satt sammen til en enkelt organisme ganske spent. Innovasjonen som er slående i sammenligning med statuene av Argive Polykleitos er et nytt proporsjonalsystem, med langstrakte proporsjoner og et lite hode, og en ny plassering av kroppen i rommet. Atletens ben står ikke etter hverandre, men nesten side om side. Det ser ut til at atleten er frosset i en ubesluttsom positur, og skifter fra fot til fot. I likhet med Polykleitos beveger han seg internt i sin ideelle verden. Guddommelighet og heltemot forlater den atletiske kroppen. Lysippos sa selv at han ikke fremstiller mennesker som de burde være, men som de er.
En statue av Lysippos overlevde som en utvilsom kopi. Dette er hans Apoxyomenos - en idrettsutøver som renser kroppen med strigil etter en konkurranse. Figuren, tatt til Roma, sto lenge foran badene til Agrippa. Kanskje kopien er en marmorstatue i Vatikanet. Med en skrape holdt i venstre hånd, renser utøveren høyre hånd strukket fremover. Dermed krysser venstre arm kroppen, som var den første forekomsten av bevegelse i den tredje dimensjonen som vi møter i gammel gresk skulptur. Hodet på statuen er mindre enn det som var vanlig i den tidligere skulpturen, ansiktstrekkene er nervøse og delikate; Hår som er utslettet fra trening blir gjengitt med stor livlighet.
Kopier i Louvre, Capitoline-museene og British Museum som viser Eros som løsner snoren til en bue, går sannsynligvis tilbake til Eros of Lysippos ved Thespiae. Denne figuren roterer heller ikke, som andre statuer av Lysippos, selv om den er helt rund. Hun har også en kompleks S-formet kurve av kroppen, bare enda mer flytende og glatt, og armene hennes er også lukket foran brystet hennes - de er sterkt forskjøvet til siden, diagonalt krysser frontplanet, og er lukket sammen med en bue.
Lysippos er samtidig den siste av de store klassiske mesterne og den første hellenistiske billedhuggeren. Mange av studentene hans, blant dem var hans egne tre sønner, hadde en dyp innvirkning på det 2. århundres kunst. f.Kr.
5. Konklusjon
Kreasjonene til skulptørene i det antikke Hellas ble med rette betraktet som en modell, et ideal, en kanon i mange århundrer, og nå slutter de aldri å bli anerkjent som mesterverk av verdensklassikere. Ingenting lignende har blitt oppnådd før eller siden. All moderne skulptur kan i en eller annen grad betraktes som en fortsettelse av tradisjonene i antikkens Hellas. Skulpturen fra det antikke Hellas gikk gjennom en vanskelig vei i utviklingen, og forberedte grunnen for utviklingen av skulptur i påfølgende epoker i forskjellige land.
Det er kjent at de fleste eldgamle mestere av plastisk kunst ikke skulpturerte i stein, de støpte i bronse. I århundrene etter den greske sivilisasjonens tid ble bevaring av bronsemesterverk foretrukket fremfor å smelte dem ned til kupler eller mynter, og senere til kanoner.
I senere tider ble tradisjonene lagt ned av antikke greske skulpturer beriket med nye utviklinger og prestasjoner, mens de gamle kanonene fungerte som det nødvendige grunnlaget, grunnlaget for utviklingen av plastisk kunst i alle påfølgende epoker.
6. Referanser
1. Akimova L.I. The Art of Antikkens Hellas: Klassikere. – St. Petersburg: ABC-klassikere, 2007. – 464 s.
2. Whipper B.R. En introduksjon til det historiske studiet av kunst. – 3. utg. – M.: “V. Shevchuk Publishing House”. 2008. – 368 s.
3. Bibliotek Gumer - humaniora [elektronisk ressurs] - Historie: Pedagogisk publikasjon. Sokolov G.I. "Kunsten til det gamle Hellas". - Tilgangsmodus: http://www.gumer.info/bibliotek_Buks/History/Sokol_2/index.php, gratis. - Cap. fra skjermen.
4. Universelt leksikon "Around the World" [elektronisk ressurs] – Kultur og utdanning: Fin kunst, skulptur, arkitektur. – 2001-2009. – Tilgangsmodus: gratis. - Cap. fra skjermen.
... . Vanligvis ble de skapt i henhold til en enkelt type: den avdøde omgitt av kjære. Hoved ...Kultur Gamle Hellas (12)
Abstrakt >> Kultur og kunstSkolegang. I Gamle Hellas to kan skilles grunnleggende treningssystemer – ... Tidlig klassikere. I æra tidlig klassikere politikken til Lilleasia taper ledende plass... skulpturer æra klassikere. I statuer støpt i bronse eller skåret i marmor, mestere ...
Verk som representerer skulptur fra den sene klassiske perioden
Kjennetegn ved skulpturen fra antikkens Hellas i den sene klassiske perioden (IV århundre f.Kr.)
Verk som representerer skulptur fra den høyklassiske perioden
Originaliteten til skulpturen fra antikkens Hellas i den høyklassiske perioden (450-410 f.Kr.)
Kjennetegn ved gammel gresk skulptur fra den tidlige klassiske perioden (490-450 f.Kr.)
Hensikten med å lage statuer i den tidlige klassiske perioden er fortsatt å skildre et typisk bilde; den kunstneriske smittsomheten til arkaiske bilder går gradvis tapt, og mister sensorisk kontakt med publikum. Bildet av verden endrer seg, noe som forårsaker dannelsen av ny figurativitet og uttrykksevne, som innebærer leting etter en kunstnerisk-statuar modell som ville imitere naturligheten til den menneskelige figuren. I de tidlige klassikernes tid forsvinner strukturen med fire fasade, og blir til flerfasadearkitektur, og skulpturen blir rund. Tidlige klassiske statuer krever mer plass enn arkaiske. Den dekorative skjønnheten til arkaiske statuer i tidlig klassisk tid endres mot den naturlige, vitale skjønnheten til figurer, og krever større integritet av bevegelser, alle individuelle bevegelser er underordnet den generelle bevegelsen. Karakterens likevekt, økt ro og behersket styrke fremheves. Dette er en typisk generalisert konstruksjon av en menneskelig helt i all perfeksjon av hans fysiske og moralske skjønnhet, utdanning av en ide om hva en person skal være. Skulpturelle bilder er preget av streng enkelhet, rolig storhet i ånden og en følelse av betydningen og skjønnheten til en person.
Stadig flere klær blir til et ekko av kroppen.
Ønsket om å løse problemet med å gjenopplive en rolig stående figur. Å oppnå en fri naturlig positur og gest av den menneskelige figuren.
Mye oppmerksomhet rettes mot bilder av menneskekroppen i bevegelse. Å mestre den komplekse og motstridende rikdommen av bevegelser i menneskekroppen, som direkte formidler ikke bare den fysiske, men også den mentale tilstanden til en person, er den viktigste oppgaven.
Mytologiske temaer og plott dominerer fortsatt kunsten, men den etiske siden av myten kommer i forgrunnen.
De skulpturelle gruppene av tidlige klassiske pedimenter viste rollen og betydningen til hver person i hans forhold til andre mennesker. En person presenteres ikke som en upersonlig partikkel oppløst i komposisjonens generelle struktur, men som en personlighet som inntar sin klare og bestemte plass i komposisjonen.
Det viktigste middelet for å karakterisere den generelle sinnstilstanden er kroppens proporsjoner og dens dynamiske posisjon (bevegelse). Gestens meningsfullhet og kunstneriske uttrykksevne avsløres.
Samtidig er typisk generalisering ingen steder kombinert med individualisering av bildet. Målet med tidlig klassisk skulptur var å skape et typisk bilde av en betydningsfull person som en norm og modell for enhver borger. De ulike mentale tilstandene som avsløres av skulptur er av generalisert karakter.
En persons ansikt har ikke, i forhold til resten av hans kjød, fortrinnsrett eller eksklusiv rett til å overføre mentalt liv, som uttrykkes likt i hele kroppen, i alle dens bevegelser, inkludert ansiktsuttrykk.
Bronse ble hovedmaterialet for tidlige klassiske skulpturmestere.
2. Verk som representerer skulptur fra den tidlige klassiske perioden
Tyrannicidene Harmodius og Aristogeiton (ca. 470 f.Kr., skulptørene Critias og Nesiot) - i denne statuekomposisjonen ble oppgaven for første gang satt til å skape en enkelt skulpturgruppe, forent av én handling og handling. Tyrannfienden selv, drept av heltene, er ikke avbildet, men kan presenteres som et spekulativt punkt der heltenes slag er ment.
Poseidon (ca. 460 f.Kr., bronse), ifølge en annen versjon er det en statue av Zevs Tordeneren. Statuen ble oppdaget på bunnen av havet, nær øya. Euboea i 1928, høyden er ca. 2m. Alle bevegelser er underordnet en enkelt impuls, men på hodet er alt håret i absolutt fred, dekorativt arrangert. Det antas at statuen tilhører Agellada-skolen, som trente en rekke strålende mestere, inkl. Myron, Polykleitos, Phidias. Hele Agelladas skole var opptatt av skildringen av bevegelse, med indre fred eller spenning.
Charioteer (ca. 470 f.Kr., bronse), en del av en skulpturgruppe skapt av peloponnesiske håndverkere ved skolen til Pythagoras fra Aegian. Bildet av vinneren av de olympiske leker i stridsvognkonkurransen presenteres. Alt, ser det ut til, skal være i bevegelse, men bildet presentert av mesterne er rolig, ubevegelig, minner om en søyle med riflede folder. Det er mange naturalistiske elementer i skulpturen. Statuen var bare synlig fra baksiden på lang avstand, men det er nøye detaljerte øyevipper, et ungdommelig skjegg, ujevnt trimmede negler og hovne blodårer på bena.
Statue av en Nereid fra Xanthus (midten av 500-tallet f.Kr., marmor), jonisk skulptur, monument i Lilleasia. Statuen viser det tradisjonelle mønsteret av knelende løping - Nereiden er avbildet flyvende over vannoverflaten, som hun er forbundet med av en and. Ved hjelp av skulptur skapes en følelse av ekte flukt over vannet, som var en del av monumentet. Statuens klær maler kjøttet, blir et ekko av kroppen.
Ludovisi-tronen (ca. 470 f.Kr., marmor) var faktisk en alterinnhegning. Tidligere var det en struktur med tre vegger dekket med relieffer; selve alteret var plassert inne. Veggene i den sentrale delen viser fødselen til Afrodite fra sjøskum. Nereidene dekker det mystiske fødselsøyeblikket. I den nedre delen vises småstein, over - saken er fortsatt tom, og bare i den øvre delen vises Afrodite. Afrodites klær er våte og klamrer seg til kjøttet hennes. Bevegelsen understrekes av brettene på klærne - fra bunn til topp stiger figuren sakte, og Afrodite blir født sammen med blikket vårt.
På sideveggene er det to figurer - en hetaera som spiller fløyter i formelle klær (naken), synger en sang om kjødelig kjærlighet, og en fullt drapert figur av en kvinne-mor, som personifiserer familiekjærlighet. Alteret var tilsynelatende kvinnelig, og representerte to typer kjærlighet, på den ene siden kjærlighet som kjødelig nytelse, på den andre siden opprettelsen av en familieildsted.
Athena lener seg på et spyd (ca. 460 f.Kr., marmor), relieff fra Akropolismuseet. Athena er representert som en streng, omtenksom gudinne, et symbol på visdom. Den nedre delen av gudinnens kropp er som en søyle med fløyter; figuren av Athena utfolder seg gradvis i den øvre delen, og understreker de feminine elementene. Du kan føle kjøttet under klærne.
I perioden med høyklassikere tilhørte den ledende rollen i krystalliseringen av kunstneriske normer Athen. Det var Attika fra Perikles tid som fødte skulptur som en syntese av alle de mest betydningsfulle tingene som tidligere hadde blitt utviklet av mesterne i de joniske, doriske og attiske skolene for plastisk kunst.
Den monumentale kunsten i den høyklassiske perioden er preget av prinsippet om en tilsynelatende ufrivillig, fritt fremvoksende harmoni mellom arkitektur og skulptur, som, selv om den fullt ut realiserte sine fantasifulle oppgaver, ikke ødela den arkitektoniske helheten.
I en tid med høyklassikere vurderes menneskets problem, hans plass i sentrum av universet. Statuene og relieffene fra denne tiden utmerker seg ved naturlighet, enkel ordning i kunstnerisk rom og enkelhet i gester. Nøyaktig de bevegelsene og posisjonene til kroppen velges gjennom og ved hjelp av hvilke den menneskelige essensen fremheves. Statuenes opphøyhet, fred og dype menneskelighet ble født ved hjelp av en harmonisk komposisjon, en fordeling av masser gjennomtenkt til minste detalj, ensartethet av lys og skygge og relieff.
Et enda mer komplekst problem, løst i høyklassikere, er problemet med å modellere mennesket som et kosmos. Å kjenne seg selv og lage seg selv etter en viss modell, ønsket om denne modellen ble notert tidligere i geometrisk og arkaisk tid, og i klassisk tid fortsetter dette å være til stede. Men nå blir mennesket sentrum av universet og ikke bare og ikke så mye mennesket er modellert, men universet er modellert gjennom mennesket, universets essens blir forstått gjennom mennesket.
Å anerkjenne en person som det viktigste verdimålet, det er rimelig organisert verden, på et teoretisk og filosofisk grunnlag ble referansestørrelsene til alle deler av menneskekroppen og deres eksemplariske forhold til hverandre beregnet matematisk. Dette ble uttrykt i det teoretiske arbeidet til Polycletus fra Ageladus-skolen "Canon", som foreslo standard proporsjoner av den menneskelige figuren: en persons høyde ble tatt som en måleenhet, hodet skulle være en syvendedel, ansiktet og hånden - en tidel, foten - en sjettedel osv. . Mesterne var sikre på at slike proporsjoner, nedfelt i skulptur, var i stand til å skape perfekte statuer. Verket "Doriphoros" skapt av Polycletus tjener som et eksempel på slike perfekte proporsjoner, og demonstrerer hva en person bør være for å legemliggjøre essensen av kosmos, integriteten til mennesket, helten, guden sammen i enhet, i enhet i en integrert form. Å røre ved en slik perfekt ting, som hellenerne trodde, perfeksjonerer uunngåelig en person.
"Discokaster" ("skulptør Myron; ca. 450 f.Kr.; romersk kopi; bronse^). Statuen forestiller en diskoskaster, vinner av OL, på oppdrag fra en av byene i Lilleasia. Diskoskasteren presenteres på kl. siste øyeblikk av forberedelse til kastet (sving) og det første øyeblikket av kastet (sving). Myron setter statuen sin i en posisjon der en person ikke kan forbli lenger enn et øyeblikk. Denne mellomliggende sving-svingposisjonen infiserer betrakteren, gjør det mulig å spekulativt bygge et hendelsesforløp frem til dette øyeblikket og projisere en serie hendelser etter det avbildede øyeblikket. Myron skildrer mesterlig slike mellomposisjoner, skiftende tilstander, flytende inn i hverandre. I motsetning til de fleste statuer av høyklassikere, som antar flere synspunkter, alle hovedelementene i bevegelsen til Discobolus er konsentrert på frontflaten av skulpturen, noe som i alle fall fører til at betrakteren (uansett hvor han startet anmeldelsen) ser Discobolus fra bare én punkt - fra forsiden.
"Athena og Marsyas" (skulptør Myron; andre kvartal av det 5. århundre f.Kr.; romersk kopi; marmor). Miron snakker i denne skulpturgruppen om bevegelsens overløp, statens overløp. I motsetning til skulpturene til de tidlige klassikerne, er det her på den ene siden ingen statisitet, ingen klarhet, selv om alt på den andre siden er ekstremt klart. Denne motsetningen er overraskende for høyklassikere. I hver person varer ikke en eller annen tilstand lenge; den endrer seg konstant, flyter inn i motsatt tilstand. Det er ingen tilfeldighet at Heraklit sa: "Du kan ikke gå inn i den samme elven to ganger." Handlingen er en myte om oppfinnelsen av fløyten. Athena fant opp fløyter, hun kom med dem til gudene, spilte og gudene lo. De fløytene som Athena fant opp hadde et morsomt utseende; de ble festet til hodet med stropper som gikk over ansiktet og ble festet på baksiden av hodet. Når Athena spilte slike fløyter, ble kinnene og nesen røde, øynene hennes begynte å renne, og gudene lo av henne. Hun kastet disse fløytene i sinne, Marsyas bestemte seg for å plukke dem opp, og da hun gikk, snudde Athena seg - hun syntes synd på fløytene. Dette øyeblikket med overløp av en stat til en annen ble fanget av Miron. En person går hele tiden gjennom slike tilstander - han går, ser seg rundt, vil plukke den opp, men stopper. Å fikse en positur som kroppen bare kan være i et øyeblikk. Han går og kaster fløytene, men Athena snur seg. Han vil løfte ham opp, men Marsyas trekker seg tilbake.
"Nike" (mester Paeonius fra Mende; midten av 500-tallet f.Kr.; marmor) Statuen ble funnet under utgravninger i Olympia; dedikasjonsinnskriften sier at statuen av Nike ble dedikert av Messinians og Naupactians til Zevs. Statuen sto på en høy (9 m) trekantet sokkel. Nike er avbildet ved siden av en ørn (symbol på Zevs) som flyr. Flight er representert gjennom nesten fullstendig fravær av støtte for Nike-statuen. Gudinnen er koblet til sokkelen gjennom en tung masse klær som faller bak henne og berører bare piedestalen lett med tuppen av venstre fot. Nikas klær blåst av vinden skapte en illusjon av flukt. Den høye pidestallen forsterket inntrykket. Nika ble lest mot bakgrunnen av himmelen og bevegelige skyer i flagrende klær, og skulpturerte kjøtt ved hjelp av ekte vind. Ekte vind og flygende skyer er inkludert i det kunstneriske rommet.
«Doriphoros» (skulptør Polykleitos fra Peloponnes; midten av 500-tallet f.Kr.; romersk kopi; marmor). Et monumentalt, typisk bilde av en idrettsborger presenteres. Doryphoros er en skulptur der alt måles og beregnes ned til minste detalj (hvilken størrelse skal stortåa være, hva skal håndflaten være i forhold til fingeren, hva skal hånden være i forhold til fingeren, skulderbeltet , etc.) Statuen ble skapt som legemliggjørelsen av Polykleitos' teoretiske avhandling "The Canon". Hele vekten av spydmannens kropp er på høyre ben; venstre ben bæres tilbake og berører sokkelen kun med tærne. Benet hans er ute, men det er umulig å si om han går eller står. Venstre hofte senkes, høyre heves. Venstre skulder heves, den høyre senkes. Resultatet er en krysskombinasjon av senkede og hevede deler av skuldrene og hoftene (en S-formet linje som går gjennom kroppen til Doryphorus leses spekulativt). Mye senere, på 1700-tallet. William Hoggart vil i sitt arbeid «Analysis of Beauty» utvikle S-kurven som den beste, perfekte kurven.
"Wounded Amazon" (mester Polykleitos; marmorkopi). Statuen vant førsteplassen i en konkurranse utlyst av efeserne rundt 440 f.Kr. Amazonas kropp er atletisk. Bildet hennes er dominert av rolig alvorlighetsgrad og maskulinitet.
"Diadumen" (mester Polykleitos; ca. 420 f.Kr.; romersk kopi) En ung mann som kroner seg med et seiersband. Den samme posisjonen til figuren som Doryphoros. Kroppsformene er mer langstrakte, slanke og lette, konturene er mykere og mer raffinerte. Dette skyldes påvirkningen fra den attiske skulpturskolen på Polykleitos.
«Perikles» (mester Cresilaus; ca. 420 f.Kr.; romersk kopi). Besitter som andre greske statuer, på samme tid, portrett og typiskhet. Vi kan si at vi har Perikles foran oss, men hvis vi tar av hjelmen og gjør skjegget mer massivt, kan vi si at vi har Zevs foran oss. Og ved å fjerne skjegget og barten kan du gjenkjenne ham som Apollo osv. Grekerne skildrer en type person, en slags universell struktur som om ønskelig kan forvandles til hva som helst. Derfor er det ganske vanskelig å snakke om portretter. Grekerne er mer opptatt av det menneskelige enn det private. I dette tilfellet vurderes en politiker og ikke så mye de individuelle portrettkvalitetene til Perikles er avbildet, men de individuelle egenskapene til en statsmann.
I løpet av den sene klassiske perioden ble bildenes monumentale alvorlighet og heroiske orientering myknet i skulpturen. Individualistiske tendenser utvikler seg, og psykologien til skulpturer vokser. vises forskjellige bilder, i ett tilfelle, full av patos, gjennom ekstase, på den annen side, kontemplasjon, lyrikk, hedonisme, verk mettet med fredens ånd, søt hvile, lat sløvhet. Kunstneriske former blir mer komplekse, kraftige chiaroscuro-effekter vises, noe som gir opphav til en følelse av ødeleggelse av former, manglende evne til å gripe med øyet.
Ofte designer mestere verkene sine på en slik måte at de vekker behovet hos betrakteren for å gå rundt i en sirkel for å få en helhetlig forståelse av de kunstneriske og ideologiske komponentene i bildet. Spekteret av syn på skulptur er bygget som en fan av relativt uavhengige aspekter av et komplekst plastbilde.
En ny proporsjonskanon er under utvikling. Plastformene er sterkt langstrakte, hodene på statuene blir lik en åttendedel av kroppens høyde.
Det er en stor interesse for emosjonalitet, i avsløringen av menneskelige følelser i et kunstmonument. Skjønnheten i den åpne nye verden i kunst er utviklingen av drama, sammenvevingen av komplekse følelser, utbrudd av menneskelige lidenskaper. I skulpturen kommer dette til uttrykk i komposisjonens komplikasjon, en økning i dynamikk og fremdrift, og i kontrasten mellom lys og skygge.
Når man lager bilder av kvinner, får problemet med forholdet mellom klær og kropp en ny tolkning. Den skarpe sammenstillingen av stoff og figur bryter med den vanlige klassiske harmonien; kjolen oppfattes som en hindring for kjøttet, og prøver å flykte fra klørne til klærne. For første gang viser mestere nakenheten til en harmonisk bygget kvinne, og glorifiserer ideell skjønnhet. Den første skildringen av en naken gudinne i gresk kunst dukker opp.
Tiden med sene klassikere var portrettkunstens storhetstid, på grunn av økt interesse for verden av menneskelige opplevelser, tanker og følelser. Statuer av statsmenn, generaler, kjente foredragsholdere, filosofer og poeter er reist på byens torg; mestere setter seg i oppgave å oppnå ytre likhet og samtidig understreke i det individuelle utseendet de karakteristiske trekkene som gjør et portrett til et typisk bilde.
"Maenad" (mester Skopas; midten av 4. århundre f.Kr.; romersk kopi; marmor). Forsøk på å lage patetisk kunst laget i andre halvdel av 500-tallet. f.Kr. i relieffet av Apollo-tempelet i Bassae, fant deres fullføring i arbeidet til Scopas, en mester i individualisme i kunst. Skopas sin maenade er full av patos, overføring av sterke følelser, voldsomme følelsesmessige opplevelser, full av lidenskap, kamp og dynamikk. Skopas brakte alt dette til ekstrem skarphet. Fanget av en bacchanalisk vanvidd, er Maenad avbildet i en skarp bevegelse, med hodet kastet bakover, med et ansikt hvor voldsomme følelser er registrert. En sirkulær tur rundt statuen lar deg fremheve begynnelsen, oppblomstringen og slutten av dansen. Dansen til Maenad er en bacchanalisk dans der det kjødelige er atskilt fra det åndelige, hvor sjelen streber etter ånden, forener seg med den i en impuls.
"Amazonomaki". Frise fra Halikarnassus-mausoleet (skulptører Scopas, Timothy, Briaxis, Jleoxap; ca. 350 f.Kr.; marmor). Frisen er utført i høy relieff. Hvis i løpet av perioden med høyklassikere (i frise-zooforen til Parthenon) ble det kunstneriske rommet i relieffet etablert bare innenfor grensene mellom to konvensjonelle plan (frontoverflaten og bakgrunnen), så i relieffene av frisen til Halikarnassus-mausoleet, beveger den fulle dynamikken til figurene til de kjempende hellenerne og amasonene seg ofte som om de går på skrå, som om de går dypt inn i relieffet eller dukker opp fra dets dybde, skjærer gjennom den konvensjonelle frontflaten til relieffet, og bekrefter kunstnerisk rommet som er innelukket mellom relieffet og betrakteren. Reliefffigurene er stort sett dreid diagonalt for fritt å komme inn i det kunstneriske rommet.
"Hermes med barnet Dionysos" (skulptør Praxiteles; midten av 4. århundre f.Kr.; parisk marmor). Praxiteles var en yngre samtid av Skopasai og kom fra en familie av skulptører. I sitt arbeid utviklet Praxiteles en hedonistisk retning innen kunst (arbeid for nytelse). Statuen ble i dette tilfellet oppfattet som et objekt for luksus, raffinert komfort.
Statuen skildrer myten om hvordan budbringerguden Hermes fikk i oppgave å ta spedbarnsguden Dionysos for å bli oppdratt av nymfene i Nyssa. En episode av Hermes som stopper på vei er avbildet, der en gud underholder en annen ved hjelp av en vinranke (ikke bevart). Praxiteles' arbeid er fylt med fredens ånd, søt hvile og lat sløvhet. De avrundede formene til Praxiteles’ statuer utmerker seg ved myke overganger og den fineste modelleringen av kroppsoverflaten. Chiaroscuro og gjennomsiktighet av marmor brukes godt. I skulpturen er det et snev av sjangeren, karakterenes kammerstemning, og ideen om kjødets maskulinitet forsvinner. Kroppen til Hermes er blottet for sin tidligere maskulinitet, som var så karakteristisk for kroppene til gudene fra første halvdel og midten av 500-tallet. f.Kr. Formene blir flytende og glatte. Ved å løse barnets kropp unngår Praxiteles bevisst problemet med å formidle proporsjonene til barnets kropp.
"Apollo Saurokton" (mester Praxiteles; tredje kvartal av det 4. århundre f.Kr.; romersk kopi; marmor). En statue av en hvilende Satyr som lener seg på en trestamme. Motivet for støtte (først introdusert av Polycletus i "The Wounded Amazon") er brukt svært vellykket. Konturene til statuen er glatte og flytende. Kroppsstillingen følger kurven til en øgle som kryper langs stammen. Skulpturen mangler balanse. Satyren er avbildet lenende på en trestamme.
"Apoxiomenos" (mester Lysippos; tredje kvartal av det 4. århundre f.Kr.; romersk marmorkopi; original - bronse). Lysippos kunst er preget av kunstneriske bilder fulle av livlighet, nervøs spenning, aktive og aktive prinsipper. Ung idrettsutøver avbildet etter en kamp, ved å bruke en skrape for å fjerne sand fra en oljet kropp. Situasjonen som er avbildet i skulpturen er veldig vanlig - å spille av øyeblikkene fra fortidens kamp i sinnet, oppleve det igjen. Atletens figur er lett og elegant. Kroppens proporsjoner er veldig langstrakte, hodet er lik en åttendedel av kroppshøyden. Det er ingen rolig og stabil balanse i statuen. Apoxyomenos står ikke rett - kroppen hans, full av nervøs spenning, er sterkt vippet fremover, som om han balanserer eller skifter fra fot til fot. Dynamikken i statuen understrekes av armene som er strukket forover, og skaper inntrykk av dybde og bekrefter rommet rundt figuren. Hånden til Apoxyomenos bryter gjennom det kunstneriske rommet, som et resultat av at rommet rundt skulpturen og rommet rundt betrakteren blir ett.
"Herkules kjemper mot en løve" (mester Lysippos; romersk kopi; marmor). Lysippos portretterte gjentatte ganger Hercules, hvis bilde ga de bredeste mulighetene for legemliggjøring av et aktivt, aktivt prinsipp og heltemot. En gruppe Hercules med en Nemean-løve blir presentert. Heltens kraftige kropp, full av vitalitet, presenteres i spektakulær kontrast til dyrets kropp. Statuen representerer en fullt utviklet gruppe, full av dynamikk: begge dens konstituerende figurer kan ikke skilles fra hverandre. Figurene til Hercules og løven er forbundet med nær interaksjon, registrert på et bestemt tidspunkt. Hjelpeløsheten til løven, hvis hode er klemt fast under Hercules’ arm, formidles til et punkt til å være grotesk, men likevel kjempes kampen mot en verdig motstander. Lysippos sier at det er et menneskelig rasjonelt prinsipp, den menneskelige vilje og det er et dyreprinsipp. De er iboende i hver person. Uansett hvordan sinnet gjør opprør, krever dyrenaturen sitt eget, men menneskesinnet er i stand til å dempe og undertrykke det.
"Apollo Belvedere" (skulptør Leochares fra Attika; ca. 340 f.Kr.; romersk marmorkopi; original - bronse). Statuen av Apollo er akademisk. Apollo Leochares har en lett, glidende gangart, kroppen hans er preget av elegante proporsjoner, og posituren til figuren hans er full av pomp og noe teatralsk. Gud, som slo ondskap fra sin berømte bue i form av en pytonslang, føles som om blikket til en tilskuer som ser på ham og er som en skuespiller som opptrer på scenen. Apollo Leochara handler ikke, men skildrer handling.
Hellenistisk skulptur (sent IV-I århundrer f.Kr.) inkluderer kunstskolene i Fastlands-Hellas med øyene i den egeiske øygruppen, Lilleasia (hovedsakelig kongeriket Pergamon), øya Rhodos, Syria ( Vest siden seleukide stater) og Egypt. Dette er de områdene og statene i kunsten som greske tradisjoner, etter å ha fått delvis en nasjonal fargelegging, hadde overveiende betydning.
Blant de enkelte sjangre av skulptur fikk monumentalskulptur, som var et nødvendig element, størst betydning under den hellenistiske perioden. arkitektoniske ensembler. I tillegg til kolossale statuer, ble flerfigursstatuegrupper og enorme relieffkomposisjoner, skapt både om ikke-mytologiske og historiske emner, dyrket her.
Har blitt utbredt skulpturelt portrett. Ved å bevare prinsippet om typifisering som er karakteristisk for greske kunstnere, var mesterne i hellenistisk portrett i stand til å formidle ikke bare egenskapene til det ytre utseendet, men også forskjellige nyanser av modellens sinnstilstand.
Skulptur av sjangerkarakter med hang til naturalisering var populær.
Dekorativ hageskulptur, mye brukt til å dekorere hager og parker, ble en ny type plastisk kunst.
Hellenistiske mestere, etter å ha utvidet arsenalet av kunstneriske virkemidler for skulptur, oppdaget muligheten for konkret å formidle naturen, fant teknikker for å vise ulike følelser, utviklet nye komposisjonsteknikker for å demonstrere bevegelse i dens komplekse og varierte former, og fortsatte søket etter de tre- dimensjonaliteten til skulpturen og konstruere en statue som tar hensyn til flere synspunkter.
Seier over det mektige persiske riket på 500-tallet. f.Kr e. forente den greske politikken og ga en sterk drivkraft til utviklingen av alle sektorer, fra økonomi til kreativitet. Man får inntrykk av at datidens greske mestere forsto noen hellige tilværelsens hemmeligheter, de produserte slike imponerende kreasjoner. Kunstverk fra den tiden kan karakteriseres som sensuelle, naturlige, spontane, rasjonelle. Dette kom spesielt tydelig til uttrykk i skulpturen.
I dag er skulptur assosiert med museumsutstillinger, men på den tiden dekorerte helter av myter og legender laget av marmor og bronse gatene greske bystater, templer, parker og torg. Det var en naturlig legemliggjøring av skjønnhet, tilgjengelig for alle å se. Det er sannsynligvis derfor originalen gamle greske skulpturer kom hovedsakelig i form av rusk og fragmenter - grekerne kunne ikke engang forestille seg at kreasjonene til deres sublime bevissthet måtte skjules og beskyttes mot den barbariske bevisstheten.
Mange klassiske statuer er kjent for oss takket være romerske kopier. Roma generelt var etterfølgeren til den greske kulturen, men kopier kunne ofte ganske enkelt ikke formidle skjønnheten til originalene, og bare formidle handlingen. Forskjellen ble følt ikke så mye i mangelen på dyktighet til imitatorene, men i selve epokens ånd. Så de greske statuene var laget av en annen marmor - gulaktig, fylt med lyse og varme toner. Dette ble oppnådd ved å gni marmoren med voks.
Favoritt motiver gamle greske skulptører- prestasjoner av mytiske helter, kamper mellom de olympiske gudene med titanene, sportskonkurranser. På grunn av spesifikasjonene til den skulpturerte greske skulptører lærte å dyktig gjenskape menneskekroppen i bevegelse, og skildrer komplekse positurer.
Innovatøren her anses å være den attiske billedhuggeren Myron og hans "Discobolus". Atleten svinger, forbereder seg på å starte diskosen, han er vippet og anspent, et annet øyeblikk - kastet vil bli fullført og atleten vil slappe av i lemmene. Men Miron fanget akkurat dette sekundet, da atleten frøs i en posisjon som virket ustabil, men samtidig i balanse.
En relativt godt bevart gresk original av en ukjent forfatter, antagelig Sotades, er en bronsestatue av Charioteer oppdaget i Delphi. Eksperter tilskriver det til perioden med streng stil (ca. 470 f.Kr.). Se på denne unge mannen. Han styrer fire hester, men er helt rolig. Han står uten sko, fløytene av doriske søyler dukker opp i foldene på tunikaen hans, og håret hans er bundet på pannen med en forsølvet bandasje. Se inn i øynene hans - de er i live, fulle av energi. Det som er felles for alle fremragende skulpturer, «The Charioteer», sett fra forskjellige vinkler, «avslører» dens ulike fasetter for betrakteren. Denne bronsefiguren alene, dens sterke, støpte plast, lar deg føle nøyaktig hva de gamle grekerne forsto av menneskeverd.
Hellenerne tilbad skjønnheten og visdommen i strukturen til den levende kroppen. De forsto kroppsspråk som sjelens språk. Som et resultat mestret greske mestere kunsten å formidle "typisk" psykologi, og uttrykker gjennom generaliserte mennesketyper det rikeste spekteret av følelsesmessige opplevelser. Av samme grunn var portrettkunsten i antikkens Hellas relativt dårlig utviklet - hele kroppen uttrykte stemningen og essensen til den avbildede helten.
I perioden fra slutten av 600- til 300-tallet. f.Kr e. skaperne søkte å uttrykke åndelig kraft og pep, men over tid skiftet vekten til overdreven patos, drama og lyrisk kontemplasjon. Skulptørene ble tiltrukket av barndommens gleder, modenhetens styrke, alderdommen med sin visdom og femininitet - dens sjarm, forførelse og kyskhet. Scopas, Praxiteles og Lysippos er de største greske skulptørene fra den sene klassiske epoken. De hadde en slik innflytelse på utviklingen av gammel kunst, som kan sammenlignes i betydning med skulpturene i Parthenon.
Topp klassisk skulptur Antikkens Hellas antas generelt å være "Apollo Belvedere", av Leochares. Denne statuen er synonymt med estetisk perfeksjon. "Apollo Belvedere" overrasker virkelig med sine plastiske fordeler: figuren og gangen til herskeren av musene kombinerer styrke og ynde, energi og letthet; går han på bakken, svever han samtidig over bakken. For å oppnå en slik effekt krevdes skulptørens eksepsjonelle dyktighet - det eneste problemet er at beregningen for effekten er for åpenbar.
De gamle grekerne etterlot seg en stor kulturarv, som kan betraktes som et verdig referansepunkt for skaperne av i dag, igjen på vei ut av en barbarisk stat.