Gamle greske statuer av kvinner. Skulptur fra den klassiske tiden: skjønnhet uten innfall og visdom uten utroskap. Fremragende skulpturer av tiden

Bildet av atleten er fortsatt det vanligste temaet i skulptur. Perfekt menneskelig skjønnhet - dette var hva grekerne prøvde å legemliggjøre i bildene av idrettsutøvere. En figur av en Delphic vognmann fra en komposisjon opprettet rundt 476 f.Kr. NS. ukjent mester. Figuren er støpt i bronse, som siden har blitt et favorittmateriale.

Kjente ikke bare anonyme verk fra 500-tallet. F.Kr. NS. På den tiden jobbet skulpturene Phidias, Myron og Polycletus i Athen. Mange av statuene deres har kommet til oss bare i kopier fra romersk marmor fra 1. til 2. århundre. n. NS. Den mest berømte blant verkene til Miron of Eleuthera er "Discobolus" (ca. 460-450 f.Kr.), som skildrer en atlet i øyeblikket med størst spenning før du kaster en plate. Myron var den første som i statisk kunst formidlet livets bevegelse, den indre spenningen i figuren. I et annet verk - "Athena and Marsyas", fremført for den athenske akropolis, velger skogvesenet Marsyas et musikkinstrument blant de som er spredt ved føttene, ved siden av Athena ser på ham med sinne. Begge figurene er samlet av en handling. Det er interessant å merke seg at selv om Marsyas her fremstår som en skapning, i moderne termer, negativ, bare i hans feil ansikt blir mangelen på perfeksjon understreket, kroppen hans er perfekt vakker.

I elleve år underkalte Alexander det persiske imperiet i Vest-Asia og Egypt, og fortsatte i Sentral Asia til dalen av Indus-elven. I løpet av hans regjeringstid dyrket Alexander kunst, siden det ikke var noen beskytter foran ham. Hans arbeider, særlig portretter av Alexander, avslørte mange funksjoner Hellenistisk skulptur slik som et portrett av en heroisk hersker. Colette Hemingway uavhengig forsker.

Boardman, John. Gresk skulptur: Den klassiske perioden: En håndbok. Gresk skulptur: Sen klassisk periode og skulptur i koloniene og oversjøiske land. Millecker, med samtaler av Richard De Puma. person Metropolitan Museum: Hellas, Kypros, Etruria, Roma.

Polycletus fra Argos arbeidet allerede i høyklassikertiden, i midten og andre halvdel av 500-tallet. F.Kr. NS. Han skapte det generaliserte kunstneriske bildet av atleten, som ble normen og modellen. Han skrev en teoretisk avhandling "Canon" (mål, regel), hvor billedhuggeren nøyaktig beregnet størrelsen på kroppsdeler basert på høyden til en person som en måleenhet (for eksempel hode - 1/7 til høyde, ansikt og hånd - 1/10, fot - 1/6 osv.). Han uttrykte sitt ideal i de behersket, kraftige, rolig majestetiske bilder av "Dorifor" (Spydbærer; 450-440 f.Kr.), "Diadumenus" (en idrettsutøver som kronet hodet med et seirende band, omkring 420 f.Kr. f.Kr.) og The Wounded Amazon ", beregnet på det berømte tempelet til Artemis i Efesos. Polycletus legemliggjorde i sine statuer, først og fremst bildet av den ideelle fri fødte borgeren av polis, bystaten Athen.

New York: Metropolitan Museum of Art; New Haven: Yale University pressekonferanse. Pollitt, Jerome J. Art and Experience in klassisk Hellas... Cambridge: Cambridge University Press. Som nevnt ovenfor var Parthenon et typisk eksempel på hvordan grekerne brukte skulptur for å dekorere og styrke sine religiøse bygninger. De opprinnelige skulpturene til Parthenon ble delt inn i tre grupper: på de tre-sidige frontene på begge sider var det store frittstående grupper med mange figurer av guder og mytologiske scener.

Den tredje største billedhuggeren i det 5. århundre. F.Kr. NS. var den allerede nevnte athenske phidias. I 480-479. perserne erobret og plyndret Athen og de viktigste helligdommene på Akropolis. Blant ruinene av det hellige tempelet opprettet Phidias en syv meter bronsestatue av krigeren Athena, Athena Promachos, med et spyd og skjold i hånden, som et symbol på byens gjenfødelse, dens kraft og uforsvarlighet mot fiender. Som alle etterfølgende verk av Phidias, gikk statuen til grunne (den ble ødelagt av korsfarerne i Konstantinopel på 1200-tallet).

På begge sider var det nesten 100 relieffer av brytningsfigurer, inkludert guder, mennesker, kentaurer osv. Rundt hele bygningen var det en annen relieffstruktur, omtrent 150 meter lang, som avbildet Great Panatenia, en religiøs 4-årig festival som feiret Athena. Til tross for at de er sterkt skadet, avslører skulpturene til Parthenon den høyeste kunstneriske evnen til skaperne. Fremfor alt avslører de, som mange andre klassiske greske skulpturer, en fantastisk følelse av bevegelse, så vel som den markerte realismen til menneskekroppen.

Rundt 448 f.Kr. Phidias henrettet 13-meters statuen av Zeus for Zeus-tempelet i Olympia. Guds ansikt, hender og kropp var foret med elfenbenplater på en trebunn, øyne laget av edelstener, en kappe, sandaler, olivengrener på hodet, hår og et skjegg laget av gull (den såkalte chrysoelephantine teknikk). Zeus satt på tronen og holdt et septer og figuren av seiersgudinnen. Skulpturen hadde stor berømmelse, men den gikk også til grunne på 500-tallet. n. NS.

Maleri i stein, terrakotta og treskulptur var en annen spesiell teknikk mestret av greske kunstnere. Steinskulpturer ble vanligvis malt med en fet farge; selv om vanligvis bare de delene av statuen som avbildet klær eller hår ble farget mens huden forble i naturstein, noen ganger ble hele skulpturen malt. Skulpturmaleri ble sett på som en særegen kunst - en tidlig type blandede medier, ikke bare skulpturell perfeksjon. Foruten maling, kan statuen også dekoreres med dyrebare materialer.

Fra 449 f.Kr. NS. gjenoppbyggingen av den athenske akropolis begynte og Phidias ble legemliggjørelsen av Perikles 'plan, støttet av alle athenere.

I skulptur erstattes maskuliniteten og alvorlighetsgraden av bilder av strenge klassikere med interesse for den menneskelige åndelige verdenen, og dens mer komplekse og mindre greie karakterisering gjenspeiles i plast. Så, i den eneste marmorstatuen av Hermes (ca 330 f.Kr.) som har kommet ned til oss i originalen til billedhuggeren Praxiteles, avbildet mesteren en vakker ungdom, uformelt lenende på en stubbe, i en tilstand av hvile og ro. Tankefullt og ømt ser han på babyen Dionysus, som han holder i armene. For å erstatte den modige skjønnheten til atleten fra det 5. århundre. F.Kr. NS. skjønnhet kommer noe feminin, grasiøs, men også mer åndeliggjort. På statuen av Hermes er det bevart spor etter gammel farging: rødbrunt hår, et sølvfarget pannebånd. En annen skulptur av Praxiteles, statuen av Afrodite of Cnidus, likte særlig berømmelse. Det var den første naken kvinneskikkelsen i gresk kunst. Statuen sto på bredden av Knidus-halvøya, og samtidige skrev om ekte pilegrimsreiser her for å beundre skjønnheten til gudinnen som forberedte seg på å komme i vannet og kaste klærne på en nærliggende vase. Dessverre har den opprinnelige statuen av Afrodite of Cnidus ikke overlevd. Heltene til Praxitel er ikke fremmede for den lyriske følelsen, tydelig uttrykt for eksempel i hans "Resting Satire". Lignende trekk som ble utviklet enda tidligere, i plastkunsten til elevene på Phidian-skolen, er det nok å indikere "Afrodite i hagene" av Alkamen, relieffene av balustraden til Nika Apteros-tempelet eller gravsteinen til Gegeso av ukjente mestere. .

Andre kjente malere fra det 4. århundre inkluderte Apelles 'rivaler til Antiphilus og Protogenes', 'Euphranor of Corinth', 'Eupomus' og den historiske maleren Androkides of Cyzicus. Ballavlastningen er et veldig tidlig eksempel på den nye stilen. Det er marmorert marmor, omtrent en fot høy og den ene siden av en firkantet base for en statue, sannsynligvis en vanlig kouros. Utskjæringen er i veldig lav lettelse og bakgrunnen viser fortsatt rød maling, selv om håret og andre detaljer på figurene har mistet mest sin opprinnelige farge.

Basen er dekorert på tre av ansiktene. Idrettsutøvere trener foran, den ene siden av unge menn stiller hunden til katten, og på den andre siden spiller noe lag med spilleren til venstre som kaster innover - et objekt som er veldig sjeldent i gresk kunst, men godt egnet til å vise skrå og vridde stillinger; faktisk holder bare en figur fast på den gamle formelen, kanskje for å minne betrakteren om billedhuggerens modernitet.

Skopas, en innfødt av øya Paros, var en samtid av Praxiteles. Han deltok i opprettelsen av en lettelsesfrise for Halausarnassus-mausoleet, sammen med Timoteus, Leochares og Briaxis. I motsetning til Praxiteles fortsatte Skopas tradisjonene med høye klassikere og skapte monumentale og heroiske bilder. Men fra bildene fra V-tallet. de preges av den dramatiske spenningen til alle åndelige krefter.

Høy lettelse var iboende mindre nær maleriet, og det trenger derfor ikke være tilfeldig at de første eksemplene våre i den tidlige klassiske stilen dukker opp litt senere. Med sin avgjørende modellering og hodedreining er dette arbeidet mye mindre avhengig av maling enn ballens lettelse. For gravsteinsrelieffer var det smale feltet fortsatt populært, der det var plass til bare en eller to stående figurer, men selv i bredere felt ble rolige scener vanligere enn før.

Dette er typisk for klassisk kunst generelt, der - når dyktighet i ytelse økte - stemning ble like viktig som handling. Selv tegn på landskap er få, og de minst uvanlige er nesten naturlige i steinskulptur. Forsiden av Ludovisi Throne, 4 fot 8 tommer bred, tilbyr et eksepsjonelt eksempel på tidlig klassisk skulptur etterligne klassisk gresk maleri. I moderne maleri var det lett å vise benets kontur gjennom draperiet, men dette forsøket på gjennomsiktighet i lettelse var teknisk inhabil med sin skarpe kontur på ryggen og ulogisk avvisning av skjørtets folder.

I en tilstand av ekstase, i et stormfullt lidenskapsutbrudd, er hun avbildet av Scopas Menada. Ledsageren til guden Dionysus vises i en rask dans, hodet kastes tilbake, håret har falt på skuldrene, kroppen er bøyd, presentert i en kompleks forkorting, brettene til en kort tunika understreker den raske bevegelsen. Spillet av chiaroscuro forbedrer bildets dynamikk.

I motsetning til skulpturen på 500-tallet. Scopas Menad er designet for visning fra alle kanter.

Det er også et steinområde som sidefigurene står på. Imidlertid, selv om denne "tronen" - kanskje en vinge for et alter eller en hellig brønn - var laget av marmor importert fra Thassos, er stilen dens provinsiell, innpakket i noe gresk verksted i Sør-Italia, og provinsiell kunst er gjenstand for urolige eksperimentering.

Dette forklarer også den merkelige arkaiske aromaen i håret på den sentrale figuren og den medfølgende bodice til høyre; men stillingen til tjenerne, resten av draperiet og uttrykket for det overlevende ansiktet er tidlig klassisk, og en uventet subtilitet oppstår i stofffoldene, umerkelig holdt av tjenerne. Temaet er uklart, kanskje en gudinne eller prestinne dukker opp fra et rituelt bad eller til og med Afrodite stiger opp fra havet.

Lysippos er den tredje store billedhoggeren i det 4. århundre. F.Kr. NS. (370-300 f.Kr.). Han arbeidet i bronse og etterlot i følge gamle forfattere 1500 bronsestatuer som ikke har overlevd i originalen. Lysippos brukte allerede kjente plott og bilder, men prøvde å gjøre dem mer vitale, ikke ideelt perfekte, men karakteristisk uttrykksfulle. Så han viste idrettsutøvere ikke i øyeblikket med den høyeste spenningen av krefter, men som regel i øyeblikket av deres tilbakegang, etter konkurransen. Slik presenteres Apoxyomenus, som renser av sanden etter en sportskamp. Han har et slitent ansikt, håret svettet. Den fengslende Hermes, alltid rask og livlig, er også representert av Lysippos, som det var, i en tilstand av ekstrem utmattelse, og hukte seg en kort stund på en stein og var klar neste sekund til å løpe videre i sine bevingede sandaler. Lei av bedrifter skildrer Lysippos og Hercules ("Hercules Resting"). Lysippos skapte sin egen kanon av proporsjoner av menneskekroppen, ifølge hvilken hans figurer er høyere og slanke enn Polycletus (størrelsen på hodet er 1/9 av figuren).

For en liste over de fineste statuene, figurene og relieffene som ble opprettet under den klassiske antikken, se: De største skulpturene. For en oversikt over viktige senere arbeider, se: Venus Milo og Laocon and His Sons Hasander, Athenodorus og Polydorus. Arven etter tidlig klassisk skulptur.

I etruskisk kunst ble den tidlige klassiske stilen adoptert, men ofte med en blanding av arkaisme ble en ganske ren arkaisk stil bevart. I Lycia, en ikke-gresk region i det sørvestlige Anatolia, en smak for Gresk skulptur begynte i det sjette århundre og vokste i det femte, selv om det er noen provinsielle etterslep. Mer bemerkelsesverdig er effekten av den tidlige klassiske stilen i Fønikia, der marmorsarkofager av egyptisk type var moteriktig fra tidlig på femte til slutten av fjerde århundre, hvorav mange er laget av parisisk marmor og dekorert med ansikter i en mer eller mindre gresk stil.

Lysippos var en allsidig kunstner. Rettens billedhugger av Alexander den Store, laget store gigantiske komposisjoner med mange figurer, for eksempel en kamp med 25 figurer av ryttere, gudestatuer, portretter (mer enn en gang portretterte han Alexander den store, den beste av portrettene til den berømte sjefen bærer trekk ved nesten tragisk forvirring).

Perserne ser ut til å ha funnet den nye utviklingen av gresk skulptur for revolusjonerende til å bli akseptert i den offisielle persiske kunsten ved Achaemenid-hoffet. Da begynte kopieringen i begrenset skala, og på den tidlige klassiske måten var det en tilpasning og til og med en original kreasjon. Noen av disse stilene har uavhengig fortjeneste, med sine velberegnede blandinger av følelse eller selvbevissthet. Den påfølgende anerkjennelsen av denne fasen av gresk skulptur av både praktiserende kunstnere og kritikere kan ikke skilles fra arkaisk.

Skulptur Antikkens Hellas Daedalisk stil Skulptur Gresk maleri Arkaisk periode Gresk skulptur Sen klassisk periode Gresk skulptur fra den hellenistiske perioden Hellenistiske stiler Statuer og relieffer Gresk maleri av den hellenistiske perioden Gresk kunstverk.

For kunst sene klassikere var preget av innføringen av nye sjangre, som fant videre utvikling på neste trinn - i hellenismen.

Seier over det mektige persiske imperiet på 500-tallet F.Kr. NS. samlet den greske politikken og ga en sterk drivkraft for utviklingen av alle næringer, fra økonomi til kreativitet. Man får inntrykk av at de greske mestrene på den tiden oppfattet noen hellige livshemmeligheter, de laget slike imponerende kreasjoner. Kunstverkene fra den tiden kan karakteriseres som sensuelle, naturlige, umiddelbare, rasjonelle. Dette ble spesielt uttalt i skulptur.

Den klassiske perioden i det antikke Hellas skapte noen av de mest utsøkte skulpturene verden noensinne har sett. Kunsten i den klassiske greske stilen er preget av gledelig bevegelsesfrihet, ytringsfrihet, og den feirer menneskeheten som et selvstendig vesen. I løpet av denne perioden begynte kunstnere å presse formelle estetiske grenser da de jobbet for å uttrykke menneskeskikkelsen på en mer naturalistisk måte. De var i stand til å erstatte den strenge asymmetrien til figuren med en fri flyt, mer sann i livet, mens de nærmet seg den ideelle estetiske visjonen gjennom stein og bronse.

I dag er skulpturen assosiert med museumsutstillinger, men på den tiden prydet heltene til myter og legender laget av marmor og bronse gatene Gresk politikk, templer, parker og torg. Det var en naturlig legemliggjørelse av skjønnhet, tilgjengelig for alle for kontemplasjon. Dette er sannsynligvis grunnen til at originalen eldgamle greske skulpturer kom hovedsakelig i form av rusk og fragmenter - grekerne kunne ikke engang forestille seg at kreasjonene av deres sublime bevissthet skulle være skjult og beskyttet mot den barbariske bevisstheten.

Formen for klassisk skulptur ble flytende og naturlig, og stiliseringen av arkaisk kunst ga vei for realistiske figurer som gikk fra illusjonen om bevegelse i rommet. For første gang i menneskehetens historie ble menneskelig anatomi ansett som verdig til å være udødeliggjort i stein eller bronse, og det ydmyke og omtenksomme trinnet fremover for kouros-statuene ble erstattet av stillinger som befalte deres rom med lett bevegelse. I løpet av den klassiske perioden erstattet greske kunstnere de stive vertikale figurene fra den arkaiske perioden med tredimensjonale skudd av figurer i aksjon.


Mange klassiske statuer er kjent for oss takket være romerske eksemplarer. Roma var generelt etterfølgeren til den greske kulturen, men kopier klarte ofte ikke å formidle originalenes skjønnhet, og formidlet bare plottet. Forskjellen ble ikke følt så mye i mangel på dyktighet blant etterlignere, men i ånden i selve tiden. Så, greske statuer var laget av en annen marmor - gulaktig, fylt med lyse og varme toner. Dette ble oppnådd ved å gni marmoren med voks.

Mens arkaiske skulpturer virket statiske, hadde klassiske statuer dynamiske positurer og sprengte av potensiell energi. Vanlige mønstre av immobile muskler har blitt forvandlet til et komplekst univers av spenning og avslapning. Gammel greske billedhuggere endelig oppnådd balanse gjennom motvirkning av menneskelige muskelgrupper.

For første gang i menneskehetens historie Menneskekroppen studert for sine estetiske verdier og sett på som et autonomt univers. Kunstens gjenstand ble personen selv, da kunstnerens fokus dreide seg om vanlige gjenstander, for eksempel å skifte vekten under det fremover skrittet i øyeblikket før torden løsnet, binde et bånd rundt hodet, eller bare skifte bekkenet når ett ben støtter vekten til mannen.


Favorittmotiver eldgamle greske skulptører- prestasjoner av mytiske helter, kamper av de olympiske gudene med titanene, sport. Takket være spesifikken til de skulpturelle lærte greske billedhuggere å mesterlig gjenskape menneskekroppen i bevegelse, som skildrer komplekse positurer.

Den klassiske greske skulptøren var mer en tryllekunstner enn en maler. Han overgikk vanlige gjenstander i uvanlig universelle tegn. Og i prosessen avlyste han tusenvis av år med kunstnerisk tradisjon da han vendte oppmerksomheten bort fra det overnaturlige og det ukjente til mer verdslige forhold. Gjennom historien har menneskeskikkelsen blitt brukt av mange sivilisasjoner som et enkelt objekt som betydde metafysisk bekymring. På den annen side, i klassisk gresk skulptur, skildrer figurer ofte guddommer, men det er klart at menneskekroppen blir gjenstand for forskning.

Loftskulptøren Miron og hans "Discobolus" regnes som innovatører her. Atleten svinger, forbereder seg på å starte skiven, han er vippet og anspent, et øyeblikk - kastet blir fullført og atleten vil slappe av i lemmer. Men Myron fanget akkurat det andre, da atleten frøs i en posisjon som syntes å være ustabil, men samtidig i likevekt.

Gudene har blitt fremstilt som en enkel unnskyldning for å studere mennesker. I det gamle Hellas nådde en lang intellektuell evolusjon sin logiske konklusjon i den klassiske tiden, da mennesket som en levende organisme på denne planeten fikk den betydningen han fortjente, og gudene ble mennesker gjennom marmor og bronse. Gullalderen i det klassiske Hellas dikterte at dette jordisk verden kan forklares med hensyn til årsak og virkning, og at ethvert sivilisert samfunn ble bygget på grunnlag av logikk. I det klassiske Hellas ble det synlige universet forklarbart og derfor gjenstand for intense studier.


En gresk original av en ukjent forfatter, antagelig Sotades, relativt godt bevart - en bronsestatue av vognmannen oppdaget i Delfi. Eksperter tilskriver det perioden med streng stil (ca. 470 f.Kr.). Se på denne unge mannen. Han kontrollerer fire hester, men samtidig er han helt rolig. Han står uten sko, fløytene til doriske søyler dukker opp i brettet på tunikaen, og håret trekkes tilbake på pannen med et sølvfarget bånd. Se inn i øynene hans - de er som å leve, fulle av energi. Som det er typisk for alle fremragende skulpturer, "åpner" Charioteer, sett fra forskjellige vinkler, til betrakterens forskjellige fasetter. Denne bronsefiguren alene, den sterke, støpte plasten, lar deg føle hva de gamle grekerne forstod av menneskeverdet.


Grekerne beundret skjønnheten og visdommen i enheten til en levende kropp. De forsto kroppsspråk som sjelens språk. Som et resultat mestret de greske mestrene kunsten å formidle "typisk" psykologi, og uttrykte det rikeste spekteret av emosjonelle opplevelser gjennom generaliserte menneskelige typer. Av samme grunn var portrettkunsten i det antikke Hellas relativt dårlig utviklet - hele kroppen uttrykte stemningen og essensen til helten som ble portrettert.


I perioden fra slutten av VI til IIV århundrene. F.Kr. e., skaperne prøvde å uttrykke åndelig kraft og godt humør, men over tid flyttet vekten til overdreven patos, drama og lyrisk kontemplasjon. Skulptørene ble tiltrukket av barndommens gleder, modenhetens styrke, alderdom med sin visdom og femininitet - sin sjarm, fristelse og kyskhet. Scopas, Praxiteles og Lysippos er de største greske billedhuggere i den senklassiske tiden. De hadde en slik innvirkning på utviklingen av gammel kunst, som er sammenlignbar i betydning med skulpturene til Parthenon.


Toppen av klassisk skulptur i det antikke Hellas er angivelig Apollo of Belvedere, av Leochares. Denne statuen er synonymt med estetisk fortreffelighet. "Apollo Belvedere" forbløffer virkelig med sine plastiske fordeler: i figuren og gangen til musens hersker kombineres styrke og nåde, energi og letthet; går på bakken, svever han også over bakken. For å oppnå en slik effekt var det nødvendig med en eksepsjonell dyktighet fra billedhuggeren - det eneste problemet er at beregningen for effekten er for åpenbar.


De gamle grekerne etterlot seg en stor kulturarv, som kan betraktes som et verdig referansepunkt for skaperne av i dag, som igjen kommer fra en barbarisk stat.