Arkaisk kultstatue av antikkens Hellas 5 bokstaver. Gammel gresk skulptur. Hvor mye koster det å skrive oppgaven?

Når de ble konfrontert med gresk kunst, uttrykte mange fremragende hjerner ekte beundring. En av de mest kjente forskerne av kunsten i antikkens Hellas, Johann Winckelmann (1717-1768) snakker om gresk skulptur: «Kjennere og imitatorer av greske verk finner i sine mesterlige kreasjoner ikke bare den vakreste naturen, men også mer enn naturen, nemlig en viss ideell skjønnhet, som ... er skapt fra bilder skissert av sinnet." Alle som skriver om gresk kunst bemerker i den en fantastisk kombinasjon av naiv spontanitet og dybde, virkelighet og fiksjon. Det, spesielt innen skulptur, legemliggjør menneskeidealet. Hva er det særegne ved idealet? Hvorfor sjarmerte han folk så mye at den gamle Goethe gråt i Louvre foran skulpturen til Afrodite?

Heldigvis var den kunstneriske produksjonen til de gamle grekerne omfattende pga mest av den er nå tapt. Men det gjenstår nok i originalene, fragmentene og kopiene til at vi ikke bare kan sette pris på volumet av det som ble produsert, men også kvaliteten. Samtidig som egyptisk farao Psammetichos tillot to grupper grekere å bosette seg langs bredden av Nilen. Grekerne lærte kunsten å utskjære store steiner av egypterne, selv om de brukte kalkstein og marmor tilgjengelig i Hellas i stedet for den hardere porfyren og granodioritten som egypterne foretrekker.

Grekerne trodde alltid at bare i en vakker kropp kan en vakker sjel leve. Derfor er harmoni i kroppen og ytre perfeksjon en uunnværlig betingelse og grunnlaget for en ideell person. Det greske idealet er definert av begrepet kalokagathia(Gresk kalos- fantastisk + agathos Snill). Siden kalokagathia inkluderer perfeksjonen av både fysisk konstitusjon og åndelig og moralsk sminke, så bærer idealet på samme tid, sammen med skjønnhet og styrke, rettferdighet, kyskhet, mot og rasjonalitet. Det er dette som gjør de greske gudene, skulpturert av gamle skulptører, unikt vakre.

Det egyptiske "utseendet" ble opprinnelig adoptert av grekerne, men de var ikke lenge fornøyd med å produsere skulpturer i en stil som tjente Østen i mange generasjoner. I løpet av flere århundrer utviklet de sin særegne greske tilnærming og forlot den egyptiske formelen. Grekerne brukte en rekke materialer til sine store skulpturer: kalkstein, marmor, tre, bronse, terrakotta, kryselefantin og til og med jern. Det eneste materialet som overlever i noen mengde er stein; andre var for dyrebare eller for skjøre til å overleve de 25 århundrene mellom produksjon og nåtid.

De beste fornminnene gresk skulptur ble opprettet på 500-tallet. f.Kr. Men tidligere arbeider har også nådd oss. Statuer fra det 7. - 6. århundre. BC er symmetriske: den ene halvdelen av kroppen er et speilbilde av den andre. Fjekket holdning, utstrakte armer presset til den muskuløse kroppen. Ikke den minste vipping eller dreining av hodet, men leppene er åpne i et smil. Et smil ser ut til å belyse skulpturen innenfra med et uttrykk for livsglede.

Steinskulpturene til de gamle grekerne ville ikke dukke opp for oss i dag. Rett etter at bitene ble kuttet, ble de helt eller delvis malt. Dette var i tråd med egyptisk praksis, og det kan ha vært fornuftig i det sterke solskinnet i Hellas. Statuene var også utstyrt med en rekke tilbehør som skulle få dem til å se ut som figurer i et moderne voksmuseum. Håret og øyevippene ble skulpturert av metall. Øynene var innfelte og var laget av glass, elfenben eller fargede steiner.

Kvinnefigurer var ofte utstyrt med øredobber og halskjeder. Idrettsutøvere ville bli vist iført seierskronen, mens krigere ville bli utstyrt med spyd, skjold og sverd. Hestene hadde hodelag og tøyler. Hvis du ser nøye etter, kan du ofte se hull for å feste dette tilbehøret.

Senere, i løpet av klassisismen, fikk statuer et større utvalg av former.

Det har vært forsøk på å konseptualisere harmoni algebraisk. Den første vitenskapelige studien av hva harmoni er ble utført av Pythagoras. Skolen som han grunnla undersøkte spørsmål av filosofisk og matematisk karakter, og brukte matematiske beregninger på alle aspekter av virkeligheten. Verken musikalsk harmoni eller harmoni Menneskekroppen eller arkitektonisk struktur. Den pytagoreiske skolen anså nummer som grunnlaget og begynnelsen av verden.

Hodet og lemmene til greske steinstatuer ble ofte laget separat og festet til enden av statuen ved hjelp av dybler og tapper av metall og stein. Noen ganger ble sement brukt for å sikre mindre biter. Spesielt bemerkelsesverdig er de enorme statuene av guddommer som Athena og Zevs, som var laget av gull og kryselefantisk elfenben. De var enorme kunstverk uansett standard og minner oss om at hovedformålet med gresk skulptur, i det minste i utgangspunktet, var religiøst.

De var sentrale templer, og produksjonskostnadene deres konkurrerte med eller oversteg det for templet de ble innlosjert i. En stor trekjerne utgjorde kroppen av statuen, som ark med slått gull og elfenben ble lagt til. Statuen var da alltid et mål i tider med krig eller økonomisk usikkerhet.

Hva har tallteori med gresk kunst å gjøre? Det viser seg at det er det mest direkte, siden harmonien i universets sfærer og harmonien i hele verden uttrykkes av de samme forholdene mellom tall, hvorav de viktigste er forholdene 2/1, 3/2 og 4/3 (i musikk er dette henholdsvis oktaven, femte og fjerde). I tillegg forutsetter harmoni muligheten for å beregne enhver korrelasjon av deler av hvert objekt, inkludert skulptur, i henhold til følgende forhold: a / b = b / c, der a er en hvilken som helst mindre del av objektet, b er en hvilken som helst større del, c er helheten. På dette grunnlaget den store gresk billedhugger Polykleitos (V århundre f.Kr.) skapte en skulptur av en ung spydbærer (V århundre f.Kr.), som kalles "Doriphoros" ("Spydbærer") eller "Kanon" - etter tittelen på billedhuggerens verk, hvor han, når han diskuterer kunstteorien, vurderer han lovene for å skildre en perfekt person. Det antas at kunstnerens resonnement også kan brukes på skulpturen hans.

Vinneren på forskjellige sportsfestivaler eller hans støttespillere betalte ofte for en statue av utøveren, installert enten på festivalplassen eller i hans hjemby. I tillegg ble statuer ofte introdusert for å minnes en historisk begivenhet. Behovet for private gravmerker og minnesmerker bidro også til den stadige etterspørselen etter statuer. Utviklingen av gresk skulptur er en reise fra det stive og stilisertes rike til naturalismens ideal. De tidlige tallene ligner en matematisk formel utført i et solid og ubøyelig medium.

Statuene av Polykleitos er fulle av intenst liv. Polykleitos likte å skildre idrettsutøvere i hviletilstand. Ta den samme "Spearman". Denne kraftig bygde mannen er full av selvtillit. Han står urørlig foran betrakteren. Men dette er ikke den statiske freden til gamle egyptiske statuer. Som en mann som dyktig og lett kontrollerer kroppen sin, bøyde spydmannen lett det ene benet og flyttet vekten av kroppen til det andre. Det ser ut til at et øyeblikk vil gå og han vil ta et skritt fremover, snu hodet, stolt av sin skjønnhet og styrke. Foran oss er en mann sterk, kjekk, fri fra frykt, stolt, reservert - legemliggjørelsen av greske idealer.

Det er som om skulpturene kom ut av en frossen materialeblokk. De senere figurene er mye mer avslappede og naturlige, så mye at man lett kan forestille seg at statuen sukker. I de gamle grekernes verden var det en veldig nær forbindelse mellom skulptur og arkitektur. Både templer og skulpturer ble skapt for å hedre gudene, og skulpturene var ikke bare dekorasjon for tempelet; sammen kom de sammen for å danne en integrert og harmonisk helhet. Parthenon er et godt eksempel, og moderne grekere har lenge uttalt at de såkalte Elgin Marbles, nå midtpunktet i British Museum, var en integrert del av Parthenon og roper om gjenforening med bygningen.

I motsetning til sin samtidige Polykleitos, elsket Myron å skildre statuene hans i bevegelse. Her er for eksempel statuen "Discobolus" (5. århundre f.Kr.; Termisk museum, Roma). Forfatteren, den store billedhuggeren Miron, avbildet en vakker ung mann i det øyeblikket han svingte en tung skive. Kroppen hans, fanget i bevegelse, er buet og anspent, som en fjær klar til å utfolde seg. Under den elastiske huden på armen trukket tilbake, svulmet trente muskler. Tærne, som danner en pålitelig støtte, presset dypt inn i sanden. Statuene av Myron og Polykleitos ble støpt i bronse, men bare marmorkopier av gamle greske originaler laget av romerne har nådd oss.

I sin History of the Art of Antiquity foreslo J. Winckelmann en kronologi av gresk kunst basert på stil. Etter hans eksempel har forskere brukt eldgamle litterære kilder til å tildele kunstnere til overlevende skulpturer, samt å navngi spesifikke verk nevnt av Plinius den eldste i hans naturhistorie og andre eldgamle forfattere. Plinius' separasjon av kunstnere som arbeider i bronse fra de som arbeider i marmor, viste at grekerne foretrakk bronse for sin offentlige skulptur, mens det nå ser ut til at romerne oftere brukte marmor til skulptur i offentligheten og i sine hjem.

Grekerne betraktet Phidias som den største billedhuggeren i sin tid, som dekorerte Parthenon med marmorskulptur. Hans skulpturer reflekterer spesielt at gudene i Hellas ikke er noe mer enn bilder av en ideell person. Den best bevarte marmorstripen av relieffet av frisen er 160 m lang. Den viser en prosesjon på vei til tempelet til gudinnen Athena - Parthenon.

Plinius' inndeling av media og hans fordommer i sin egen tids kunst har fått forskere til å skille mellom greske bronseoriginaler, som sjelden overlever, og romerske marmorkopier, som mange overlever. Selv om konseptet nå forstås å være forenklet, dekker lærebøker klassisk skulptur, har fortsatt en tendens til å bringe bronse over kulene. Samtidig brukes fortsatt romerske marmorversjoner av klassiske typer statuer som erstatning for tapte greske statuer.

De utmerkede fotografiene er et verdifullt verktøy for forskning på dette området, og arbeidet de har er anerkjent, selv om de medfølgende tekstene er mindre nyttige. For mange av verkene angår ikke bare selvstendig skulptur og relieff, men også arkitektonisk skulptur, som de inkluderte her, selv om emnet er bedre egnet til å vurderes med bygninger dekorert med skulpturer. Generelle lærebøker om gresk kunst er ikke en del av denne bibliografien.

Parthenon-skulpturen ble hardt skadet. Og "Athena Parthenos" gikk til grunne i antikken. Hun sto inne i templet og var utrolig vakker. Gudinnens hode med lav, glatt panne og avrundet hake, hals og armer var laget av elfenben, og håret hennes, klærne, skjoldet og hjelmen var preget av ark av gull. Gudinnen i form av en vakker kvinne er personifiseringen av Athen.

Det er en nyttig metodeøvelse å lese noe av arbeidet hans: hans stilistiske kronologi fortsetter å påvirke feltet. Som nevnt ovenfor var Parthenon et typisk eksempel på hvordan grekerne brukte skulptur for å dekorere og styrke sine religiøse bygninger. Parthenon-skulpturene ble opprinnelig delt inn i tre grupper: de tredelte pedimentene på begge sider inneholdt store frittstående grupper som inneholdt mange gudefigurer og mytologiske scener. På begge sider var det nesten 100 relieffer av kampfigurer, inkludert guder, mennesker, kentaurer og andre.

Mange historier er knyttet til denne skulpturen. Det opprettede mesterverket var så stort og berømt at forfatteren umiddelbart fikk mange misunnelige mennesker. De prøvde på alle mulige måter å fornærme billedhuggeren og så etter ulike grunner til hvorfor de kunne anklage ham for noe. De sier at Phidias ble anklaget for å ha skjult en del av gullet som ble gitt som materiale for utsmykningen av gudinnen. For å bevise sin uskyld fjernet Phidias alle gullgjenstandene fra skulpturen og veide dem. Vekten falt nøyaktig sammen med vekten av gullet gitt for skulpturen. Da ble Phidias anklaget for ateisme. Årsaken til dette var Athenas skjold. Den skildret handlingen i kampen mellom grekerne og amasonene. Blant grekerne avbildet Phidias seg selv og sin elskede Perikles. Bildet av Phidias på skjoldet ble årsaken til konflikten. Til tross for alle prestasjonene til Phidias, var den greske offentligheten i stand til å vende seg mot ham. Livet til den store billedhuggeren endte i en grusom henrettelse.

Rundt hele bygningen var det en annen relieffstruktur på rundt 150 meter lang, som avbildet den store Panathenia - en religiøs 4-årig festival som berømmet Athena. Selv om de er hardt skadet, avslører Parthenon-skulpturene den suverene kunstneriske evnen til skaperne deres. Fremfor alt avslører de, som mange andre klassiske greske skulpturer, en fantastisk følelse av bevegelse, samt en markant realisme av menneskekroppen.

Å male i stein, terrakotta og treskulptur var en annen spesiell teknikk mestret av greske kunstnere. Steinskulpturer ble vanligvis malt i en dristig farge; Selv om vanligvis bare de delene av statuen som avbildet klær eller hår ble malt mens huden forble i naturstein, men noen ganger ble hele skulpturen malt. Skulpturmaleri ble sett på som en særegen kunst - en tidlig type blandede medier - snarere enn bare skulpturell perfeksjon. I tillegg til maling kan statuen også dekoreres med edle materialer.

Prestasjonene til Phidias i Parthenon var ikke uttømmende for arbeidet hans. Skulptøren skapte mange andre verk, hvorav de beste var den kolossale bronsefiguren til Athena Promachos, reist på Akropolis rundt 460 f.Kr., og den like enorme elfenbens- og gullfiguren til Zevs til tempelet i Olympia. Dessverre eksisterer ikke originalverkene lenger og vi kan ikke se med egne øyne storslåtte verk kunst fra antikkens Hellas. Bare deres beskrivelser og kopier gjenstår. Dette skyldtes i stor grad den fanatiske ødeleggelsen av statuer av kristne troende.

Andre bemerkelsesverdige kunstnere fra 400-tallet inkluderte Apelles' rivaler Antiphilus og Protogenes, Euphranor of Corinth, Eupomus og den historiske kunstneren Androcydes of Cyzicus. Deretter vises bilder av monstre: sirener og spesielt sfinkser, sistnevnte funnet hovedsakelig i den arkaiske perioden. Et fragment av en marmorfallus av enorm størrelse står fortsatt på en høy sokkel ved Delos, og ifølge dens votivinskripsjon ble Dionysos tilbudt rundt år 300 av vinneren av koret. Lignende falluser, skåret ut for lignende anledninger, er funnet i Athen.

Slik kan man beskrive Zevs-statuen til templet i Olympia: En stor fjorten meter lang gud satt på en gyllen trone, og det virket som om han reiste seg og rettet på de brede skuldrene, ville han føle seg trang i den enorme salen og taket ville være lavt. Hodet til Zevs var dekorert med en krans av olivengrener - et tegn på freden til den formidable guden.Ansiktet, skuldrene, armene, brystet var laget av elfenben, og kappen ble kastet over venstre skulder. Kronen og skjegget til Zevs var laget av glitrende gull.

Greske statuer: hva er de for? Hvilken fordel forventet beskytteren? Hvorfor gikk han med på dette? Her står vi overfor en grunnleggende misforståelse som likevel hindrer lekmannen i å vurdere gresk statue. Faktisk ble disse restriksjonene bare lempet veldig sent og i svært delvis grad, slik at årsakene til at de gamle grekerne skulle gå med å introdusere statuen i runden på ingen måte var det vi anser for å være formenn for Kreativiteten. skulptør.

Greske statuer var neppe kronede verk laget utelukkende av estetiske grunner, som vi nå kaller kunst. Det er ikke det at verkene som diskuteres her ikke hadde et estetisk formål, og selv Hellas ignorerte ikke aspekter av form eller verdi i fortidens verk som vi ser på som komponenter av kunst, men de mest kjente verkene ble laget for formål som var pragmatiske og spesifikke - selvfølgelig, ikke i utgangspunktet for beundring av opplyste kunstelskere. Religiøst formål med gresk skulptur.

Phidias utstyrte Zevs med menneskelig adel. Hans kjekke ansikt, innrammet av krøllete skjegg og krøllete hår, var ikke bare streng, men også snill, holdningen hans var høytidelig, staselig og rolig. Kombinasjonen av fysisk skjønnhet og godhet i sjelen understreket hans guddommelige idealitet. Statuen gjorde et slikt inntrykk at, ifølge den eldgamle forfatteren, folk, deprimert av sorg, søkte trøst ved å tenke på skapelsen av Phidias. Ryktene erklærte statuen av Zevs som et av "verdens syv underverker".

For det første, og dermed langt unna vårt moderne kunstbegrep, var disse målene religiøse. Kjent som Chryselephantian Zeus av Phidias, var han gjennom antikken, så berømt at han ble ansett som et av verdens syv underverker, han var et idol som bodde i hovedtempelet i Olympia; den samme skulpturerte Athena Parthenos ble laget for Parthenon. Det greske tempelet var ikke som en kirke hvor troende samlet seg, det var et gudshus, det vil si en statue som man trodde Gud bodde i, og hvis hovedrolle var å sikre Guds nærvær.

Verkene til alle tre skulptørene var like ved at de alle skildret harmonien til en vakker kropp og den snille sjelen i den. Dette var hovedtrenden på den tiden.

Selvfølgelig endret normer og retningslinjer i gresk kunst seg gjennom historien. Arkaisk kunst var mer enkel, den manglet den dype meningsfylte understatementet som gleder menneskeheten i perioden med de greske klassikerne. I den hellenistiske tiden, da mennesket mistet følelsen av verdens stabilitet, mistet kunsten sine gamle idealer. Det begynte å reflektere følelsen av usikkerhet om fremtiden som hersket i datidens sosiale trender.

Mye tyder på at denne troen var veldig reell, i hvert fall i tidlige tider. Ordet "hedos" betegner tydelig statuen som sete for teologien, forfattere som Pausanias i sin "Description of Greece" forteller oss at noen svært gamle statuer av guder ikke hadde noen ben, eller at bena deres var lenket for å forhindre at guddommelighet rømme og og dermed fjernet beskyttelsen fra byen, og omvendt, var det en overføring eller til og med tyveri av kultstatuer, en gjenstand som utgjorde tomten til Euripides Iphigenia i Tauris, hvor Orestes og søsteren hans ville stjele statuen av Tauride Artemis for å ta den med hjem til Attika.

En ting forente alle perioder av utviklingen av det greske samfunnet og kunsten: dette var, som M. Alpatov skriver, en spesiell lidenskap for plastisk kunst, for romlig kunst. En slik forkjærlighet er forståelig: enorme reserver av en rekke farger, edelt og ideelt materiale - marmor - ga gode muligheter for implementering. Selv om de fleste greske skulpturer ble laget i bronse, siden marmor var skjør, var det teksturen til marmor med sin farge og dekorativitet som gjorde det mulig å gjengi skjønnheten i menneskekroppen med størst uttrykksevne. Derfor vakte oftest "menneskekroppen, dens struktur og smidighet, dens harmoni og fleksibilitet oppmerksomheten til grekerne; de ​​avbildet villig menneskekroppen både naken og i lette gjennomsiktige klær."

Litteratur:
1. Children's Encyclopedia, bind 12, andre utgave, M., "Enlightenment", 1968.
2. Bystrova A. N. "Kulturens verden, grunnlaget for kulturstudier"
3. Polikarpov V.S. Forelesninger om kulturstudier - M.: "Gardarika", "Expert Bureau", 1997
4. http://www.uic.ssu.samara.ru/~ancient/rus/g42s.htm - Høyklassikere. Skulptur.

Antikkens Hellas var en av de største statene i verden. Under dens eksistens og på dens territorium ble grunnlaget for europeisk kunst lagt. De overlevende kulturminnene fra den perioden vitner om grekernes høyeste prestasjoner innen arkitektur, filosofisk tenkning, poesi og, selvfølgelig, skulptur. Få originaler har overlevd: tiden sparer ikke på selv de mest unike kreasjonene. Vi vet i stor grad om ferdigheten som de antikke skulptørene i antikkens Hellas var kjent for takket være skriftlige kilder og senere romerske kopier. Imidlertid er denne informasjonen nok til å forstå betydningen av bidraget fra Peloponnes-innbyggerne til

Perioder

Skulptørene i det antikke Hellas var ikke alltid store skapere. Tiden for storhetstiden til deres ferdigheter ble innledet av den arkaiske perioden (VII-VI århundrer f.Kr.). Skulpturene som har kommet ned til oss fra den tiden utmerker seg ved sin symmetri og statiske natur. De har ikke den vitaliteten og den skjulte indre bevegelsen som får statuene til å se ut som frosne mennesker. All skjønnheten i disse tidlige verkene kommer til uttrykk gjennom ansiktet. Den er ikke lenger like statisk som kroppen: et smil utstråler en følelse av glede og ro, og gir en spesiell lyd til hele skulpturen.

Etter fullføringen av den arkaiske perioden følger den mest fruktbare tiden, der de gamle skulptørene i det antikke Hellas skapte sine mest kjente verk. Det er delt inn i flere perioder:

  • tidlig klassisk - begynnelsen av det 5. århundre. f.Kr e.;
  • høyklassiker - 500-tallet f.Kr e.;
  • sen klassisk - 4. århundre. f.Kr e.;
  • Hellenisme - slutten av det 4. århundre. f.Kr e. - Jeg århundre n. e.

Overgangstid

Tidlige klassikere er perioden da skulptørene i det antikke Hellas begynte å bevege seg bort fra statisk kroppsposisjon og lete etter nye måter å uttrykke ideene sine på. Proporsjoner er fylt med naturlig skjønnhet, positurer blir mer dynamiske, og ansikter blir uttrykksfulle.

Skulptøren av antikkens Hellas Myron skapte nettopp i denne perioden. I skriftlige kilder karakteriseres han som en mester i å formidle kroppens anatomisk korrekte struktur, i stand til å fange virkeligheten med høy nøyaktighet. Myrons samtidige påpekte også hans mangler: etter deres mening visste ikke billedhuggeren hvordan han skulle formidle skjønnhet og livlighet til ansiktene til kreasjonene hans.

Mesterens statuer legemliggjør helter, guder og dyr. Imidlertid ga billedhuggeren av det antikke Hellas Myron størst preferanse til skildringen av idrettsutøvere under deres prestasjoner i konkurranser. Den berømte "Discobolus" er hans skapelse. Skulpturen har ikke overlevd til i dag i originalen, men det finnes flere kopier av den. "Discokaster" skildrer en idrettsutøver som forbereder seg på å skyte ut prosjektilet sitt. Atletens kropp er ypperlig utført: anspente muskler indikerer tyngden av skiven, den vridde kroppen ligner en fjær klar til å utfolde seg. Det virker som bare et sekund og atleten vil kaste prosjektilet.

Statuene "Athena" og "Marsyas" anses også for å være utmerket utført av Myron, som også har kommet ned til oss bare i form av senere kopier.

Høytid

Fremragende skulptører fra antikkens Hellas jobbet gjennom hele perioden med høyklassikere. På dette tidspunktet forstår mesterne i å lage relieffer og statuer både metodene for å formidle bevegelse og det grunnleggende om harmoni og proporsjoner. Høyklassikere er perioden for dannelsen av grunnlaget for gresk skulptur, som senere ble standarden for mange generasjoner av mestere, inkludert skaperne av renessansen.

På dette tidspunktet jobbet billedhuggeren av antikkens Hellas Polykleitos og den strålende Phidias. Begge fikk folk til å beundre seg selv i løpet av livet og ble ikke glemt i århundrer.

Fred og harmoni

Polykleitos arbeidet i andre halvdel av 500-tallet. f.Kr e. Han er kjent som en mester i å lage skulpturer som skildrer idrettsutøvere i ro. I motsetning til Mirons "Disco Thrower", er ikke idrettsutøverne anspente, men avslappede, men samtidig er seeren ikke i tvil om deres kraft og evner.

Polykleitos var den første som brukte en spesiell kroppsstilling: heltene hans hvilte ofte på en pidestall med bare ett ben. Denne stillingen skapte en følelse av naturlig avslapning som er karakteristisk for en hvilende person.

Canon

Mest kjent skulptur Polykleitos regnes som "Doriphoros", eller "spydbærer". Verket kalles også mesterens kanon, siden det legemliggjør noen av prinsippene i pytagoreanismen og er et eksempel på en spesiell måte å posere en figur på, contrapposto. Komposisjonen er basert på prinsippet om ujevn bevegelse av kroppen: venstre side (hånden som holder spydet og benet satt tilbake) er avslappet, men samtidig i bevegelse, i motsetning til den spente og statiske høyre (støttebenet og armen rettet ut langs kroppen).

Polykleitos brukte senere en lignende teknikk i mange av verkene hans. Dens grunnleggende prinsipper er nedfelt i en avhandling om estetikk som ikke har nådd oss, skrevet av billedhuggeren og kalt "Canon". Nok flott sted i den viet Polykleitos et prinsipp som han også med suksess brukte i verkene sine, når dette prinsippet ikke var i strid med kroppens naturlige parametere.

Anerkjent genialitet

Alle de antikke skulptørene i antikkens Hellas i den høye klassiske perioden etterlot seg beundringsverdige kreasjoner. Imidlertid var den mest fremragende blant dem Phidias, med rette ansett som grunnleggeren av europeisk kunst. Dessverre har flertallet av mesterens verk overlevd til i dag bare som kopier eller beskrivelser på sidene til avhandlinger av eldgamle forfattere.

Phidias jobbet med å dekorere det athenske Parthenon. I dag kan en idé om skulptørens dyktighet hentes fra det bevarte marmorrelieffet, 1,6 m. Det viser mange pilegrimer på vei til resten av dekorasjonene til Parthenon gikk tapt. Den samme skjebnen rammet statuen av Athena, installert her og skapt av Phidias. Gudinnen, laget av elfenben og gull, symboliserte selve byen, dens makt og storhet.

Verdens underverk



Andre fremragende skulptører Antikkens Hellas kan ha vært litt dårligere enn Phidias, men ingen av dem kunne skryte av å skape et verdensunder. Olympic ble laget av en mester for byen der de berømte lekene fant sted. Høyden på Thunderer, sittende på en gylden trone, var fantastisk (14 meter). Til tross for slik kraft så guden ikke formidabel ut: Phidias skapte en rolig, majestetisk og høytidelig Zevs, noe streng, men samtidig snill. Før dens død tiltrakk statuen mange pilegrimer som søkte trøst i ni århundrer.

Sen klassiker

Med slutten av 500-tallet. f.Kr e. Skulptørene i antikkens Hellas tørket ikke ut. Navnene Scopas, Praxiteles og Lysippos er kjent for alle som er interessert i gammel kunst. De opprettet i neste periode, kalt sen klassiker. Arbeidene til disse mestrene utvikler og utfyller prestasjonene fra forrige epoke. Hver på sin måte transformerer de skulpturen, beriker den med nye emner, måter å jobbe med materiale på og muligheter for å formidle følelser.

Kokende lidenskaper

Skopas kan kalles en innovatør av flere grunner. De store skulptørene fra antikkens Hellas som gikk foran ham foretrakk å bruke bronse som materiale. Skopas skapte sine kreasjoner hovedsakelig av marmor. I stedet for den tradisjonelle roen og harmonien som fylte verkene hans i antikkens Hellas, valgte mesteren uttrykk. Kreasjonene hans er fulle av lidenskaper og følelser, de er mer som ekte mennesker enn uforstyrlige guder.

Frisen til mausoleet ved Halikarnassus regnes som det mest kjente verket til Skopas. Den skildrer Amazonomachy - kampen til heltene i greske myter med de krigerske Amazonene. Hovedtrekkene i stilen som er iboende i mesteren, er tydelig synlige i de overlevende fragmentene av denne skapelsen.

Glatthet

En annen skulptør fra denne perioden, Praxiteles, regnes som den beste greske mesteren når det gjelder å formidle kroppens nåde og indre spiritualitet. Et av hans fremragende verk - Afrodite av Knidos - ble anerkjent av mesterens samtidige som den beste kreasjonen som noen gang er skapt. Marmorstatuen av gudinnen ble den første monumentale skildringen av den nakne kvinnekroppen. Originalen har ikke nådd oss.

Funksjonene i stilen som er karakteristisk for Praxiteles er fullt synlig i statuen av Hermes. Med den spesielle poseringen til den nakne kroppen, glattheten i linjene og mykheten i halvtonene til marmoren, klarte mesteren å skape en noe drømmende stemning som bokstavelig talt omslutter skulpturen.


Nøyaktig

På slutten av den sene klassiske epoken jobbet en annen kjent gresk billedhugger, Lysippos. Hans kreasjoner ble preget av spesiell naturalisme, nøye utdyping av detaljer og en viss forlengelse av proporsjoner. Lysippos forsøkte å lage statuer fulle av ynde og eleganse. Han finpusset ferdighetene sine ved å studere kanonen til Polykleitos. Samtidige bemerket at verkene til Lysippos, i motsetning til Doryphoros, ga inntrykk av å være mer kompakte og balanserte. Ifølge legenden var mesteren favorittskaperen til Alexander den store.

Østlig innflytelse

Et nytt stadium i utviklingen av skulptur begynner på slutten av det 4. århundre. f.Kr e. Grensen mellom de to periodene anses å være tiden for erobringene av Alexander den store. Med dem begynner faktisk hellenismens æra, som var en kombinasjon av kunsten fra antikkens Hellas og østlige land.

Skulpturene fra denne perioden er basert på prestasjonene til mestere fra tidligere århundrer. Hellenistisk kunst ga verden slike verk som Venus de Milo. Samtidig dukket de berømte relieffene av Pergamonalteret opp. I noen verk fra senhellenismen er det en merkbar appell til hverdagslige emner og detaljer. Denne tiden hadde en sterk innflytelse på utviklingen av kunsten i Romerriket.

Endelig

Antikkens betydning som kilde til åndelige og estetiske idealer kan ikke overvurderes. Gamle skulptører i antikkens Hellas la ikke bare grunnlaget for sitt eget håndverk, men også standardene for å forstå skjønnheten i menneskekroppen. De var i stand til å løse problemet med å skildre bevegelse ved å endre positur og flytte tyngdepunktet. De gamle skulptørene i det antikke Hellas lærte å formidle følelser og opplevelser ved hjelp av bearbeidet stein, for å lage ikke bare statuer, men praktisk talt levende figurer, klare til å bevege seg når som helst, sukk, smil. Alle disse prestasjonene vil danne grunnlaget for kulturens oppblomstring under renessansen.