Historien om udviklingen af ​​statuer af det gamle Egypten

Faraonernes grave, tempellokaler, kongelige paladser var fyldt med forskellige skulpturer, der udgjorde den organiske del af bygningerne. De vigtigste billeder udviklet af billedhuggere var billeder af regerende faraoer. Selvom kultens behov krævede skabelsen af ​​billeder af talrige guder, blev billedet af guddommen, lavet efter stive mønstre, ofte med hoveder af dyr og fugle, ikke centralt i egyptisk skulptur: i de fleste tilfælde var det en masseproduceret og uudtrykkeligt produkt. Af meget større betydning var den kunstneriske udvikling af typen af ​​jordisk hersker, hans adelsmænd og, med tiden, almindelige mennesker. Fra begyndelsen af ​​det 3. årtusinde f.Kr. e. En vis kanon har udviklet sig i fortolkningen af ​​faraoen: han blev afbildet siddende på en trone i en positur af lidenskabsløs ro og storhed, mesteren understregede hans enorme fysiske styrke og størrelse (kraftfulde arme og ben, torso). I løbet af Mellemriget overvinder mestre ideen om kold storhed, og faraoernes ansigter får individuelle træk. For eksempel formidler statuen af ​​Senusret III med dybtliggende, let skrå øjne, en stor næse, tykke læber og fremspringende kindben ganske realistisk en vantro karakter, med et trist og endda tragisk udtryk i ansigtet.

Mestrene følte sig mere frie, når de portrætterede adelige og især almue. Her overvindes kanonens begrænsende indflydelse, billedet udvikles mere modigt og realistisk, og dets psykologiske karakteristika formidles mere fuldstændigt. Kunsten med individuelle portrætter, dyb realisme og en følelse af bevægelse nåede deres højdepunkt under Det Nye Rige, især under Akhenatens korte regeringstid (Amarna-perioden). De skulpturelle billeder af faraoen selv, hans kone Nefertiti og medlemmer af hans familie er kendetegnet ved deres dygtige formidling af den indre verden, dybe psykologisme og høje kunstneriske dygtighed.

Ud over rund skulptur vendte egypterne sig villigt til nødhjælp. Mange vægge af grave og templer, forskellige bygninger er dækket af storslåede reliefkompositioner, som oftest skildrer adelige med deres familier, foran guddommens alter, blandt deres marker osv.

En vis kanon blev også udviklet i reliefmalerier: den vigtigste "helt" blev afbildet større end andre, hans figur blev afbildet i en dobbelt plan: hovedet og benene i profil, skuldrene og brystet foran. Alle figurer var normalt malede.

Sammen med relieffer var gravenes vægge dækket af kontur- eller billedmalerier, hvis indhold var mere varieret end reliefferne. Ganske ofte afbildede disse malerier scener Hverdagen: håndværkere i arbejde i værkstedet, fiskere, der fisker, bønder, der pløjer, gadesælgere med deres varer, retssager osv. Egypterne opnåede stor dygtighed i at skildre dyreliv - landskaber, dyr, fugle, hvor den tilbageholdende indflydelse fra gamle traditioner mærkedes meget mindre. Et slående eksempel er maleriet af nomarkernes grave, der blev opdaget i Beni Hasan og dateret tilbage til Mellemriget.

Al gammel egyptisk kunst var underlagt kultkanoner. Relief og skulptur var ingen undtagelse her. Mestrene efterlod fremragende skulpturelle monumenter til deres efterkommere: statuer af guder og mennesker, figurer af dyr.

Manden blev skulptureret i en statisk, men majestætisk positur, stående eller siddende. I dette tilfælde blev venstre ben skubbet frem, og armene blev enten foldet på brystet eller presset mod kroppen.

Nogle billedhuggere var forpligtet til at skabe figurer af arbejdende mennesker. Samtidig var der en streng kanon for at skildre en bestemt beskæftigelse - valget af et øjeblik, der er karakteristisk for denne særlige type arbejde.

Blandt de gamle egyptere kunne statuer ikke eksistere adskilt fra religiøse bygninger. De blev først brugt til at dekorere følget af den afdøde farao og blev placeret i graven placeret i pyramiden. Det var relativt små tal. Da konger begyndte at blive begravet i nærheden af ​​templer, var vejene til disse steder foret med mange enorme statuer. De var så store, at ingen lagde mærke til detaljerne i billedet. Statuerne var placeret i nærheden af ​​pyloner, i gårde og havde allerede kunstnerisk betydning.

Under det gamle rige blev den runde form etableret i egyptisk skulptur, og hovedtyperne af komposition opstod. For eksempel forestiller statuen af ​​Mikerinus en stående mand med venstre ben strakt ud og armene presset til kroppen. Eller statuen af ​​Rahotep og hans kone Nofret repræsenterer en siddende figur med hænderne placeret på knæene.

Egypterne tænkte på statuen som "legemet" af ånder og mennesker. Ifølge oplysninger fra egyptiske tekster nedstammede guden fra templet, der var dedikeret til ham, og blev genforenet med sit skulpturelle billede. Og egypterne ærede ikke selve statuen, men legemliggørelsen af ​​den usynlige gud i den.

Nogle statuer blev placeret i templer til minde om "deltagelse" i et bestemt ritual. Andre blev doneret til templer for at sikre guddommens permanente protektion for den afbildede person. Forbundet med bønner og appeller til de døde om afkomsgave er skik at bringe kvindefigurer til forfædres grave, ofte med et barn i armene eller i nærheden (ill. 49). Små figurer af guddomme, der normalt gengiver hovedets udseende kultstatue tempel, blev givet af troende med bønner om velvære og sundhed. Billeder af kvinder og forfædre var en amulet, der fremmede fødslen af ​​børn, fordi man troede, at forfædrenes ånder kunne bebo kvinder i klanen og blive genfødt igen.

Statuerne blev også skabt til ka afdød. Fordi ka det var nødvendigt at "genkende" præcis sin egen krop og gå ind i den, og selve statuen "erstattede" kroppen, hvert ansigt af statuen var udstyret med en vis unik individualitet (med fællesheden af ​​indiskutable regler for sammensætning). Således optrådte allerede i det gamle kongeriges æra en af ​​præstationerne fra gammel egyptisk kunst - et skulpturelt portræt. Dette blev lettet af praksis med at dække de dødes ansigter med et lag gips - skabelsen af ​​dødsmasker.

Allerede i Det Gamle Riges æra blev der bygget et smalt, lukket rum i mastabaserne ved siden af ​​bedehuset ( serdab), hvori en statue af den afdøde var placeret. I øjenhøjde af statuen var der et lille vindue, så den der bor i statuen ka den afdøde kunne deltage i begravelsesritualer. Det menes, at disse statuer tjente til at bevare den afdødes jordiske form, såvel som i tilfælde af tab eller død af mumien.

Den afdødes ånd gav statuerne vitalitet, hvorefter de "blev til live" for evigt liv. Af denne grund ser vi aldrig billeder af mennesker, for eksempel i en præ-mortem eller post-mortem form, tværtimod er der en exceptionel vitalitet. Statuerne blev lavet i naturlig størrelse, og den afdøde blev udelukkende afbildet som en ung mand.

I statuer og relieffer blev en person altid afbildet som seende, da symbolikken for den afdødes "syn" og hans erhvervelse af vitalitet var forbundet med øjet. Desuden gjorde billedhuggeren figurernes øjne særligt store. De var altid indlagt med farvede sten, blå perler, fajance og bjergkrystal (ill. 50). For øjet for egypterne er åndens sæde og har en stærk indflydelse på de levende og på ånder

Da lotusens livgivende kraft, der symboliserer magisk vækkelse, blev "inhaleret" gennem næseborene, blev den menneskelige næse normalt afbildet med et fremhævet snit af næseborene.

Da mumiens læber var udstyret med evnen til at udtale ordene fra efterlivets bekendelse, blev læberne i sig selv aldrig abstraheret til et skematisk tegn.

I skabelsen af ​​den type siddende statuer (med hænderne placeret på deres knæ) spillede statuer af faraoer lavet til ferien en stor rolle heb-sed. Hans mål var "genoplivning" af en ældre eller syg hersker, for der var fra de tidligste tider en tro på, at jordens frugtbarhed var bestemt af kongens fysiske tilstand. Under ritualet blev der rejst en statue af den rituelt "dræbte" farao, og herskeren selv, "forynget" igen, udførte et ritual beᴦ foran teltet. Derefter blev statuen begravet, og kroningsceremonien blev gentaget. Hvorefter man troede, at herskeren, fuld af styrke, igen sad på tronen.

Statuer af den samme person placeret i grave kunne være af forskellige typer, fordi de reflekterede forskellige aspekter af begravelseskulten˸ den ene type formidlede de individuelle træk af en person, uden paryk, i moderigtigt tøj, den anden havde en mere generaliseret fortolkning af ansigtet, var i et officielt forklæde og en fluffy paryk.

Ønsket om at sikre den "evige" udførelse af begravelseskulten førte til, at statuer af præster begyndte at dukke op i gravene. Tilstedeværelsen af ​​figurer af børn er også naturlig, da deres uundværlige pligt var at tage sig af deres forældres begravelseskult.

Først gøre ondt(de blev diskuteret i spørgsmål nr. 2) går tilbage til det 21. århundrede. f.Kr. Hvis det ikke var muligt at opnå en portrætlighed mellem ushabti og afdøde, blev navnet og titlen på ejeren, som det erstattede, skrevet på hver figur. Værktøj og poser blev lagt i hænderne på ushabti, og de blev malet på ryggen. Statuer af skriftlærde, opsynsmænd og bådsmænd dukker op (ill. 51-a). Til ushabti blev kurve, hakker, hammere, kander osv. lavet af fajance eller bronze. Antallet af ushabti i en grav kunne nå op på flere hundrede. Der var dem, der købte 360 ​​styk - en person for hver dag i året. De fattige købte en eller to ushabtis, men sammen med dem lagde de en liste med tre hundrede og tres sådanne "hjælpere" i kisten.

Under nogle ritualer blev der brugt skulpturer af bundne fanger. Οʜᴎ erstattede sandsynligvis levende fanger under de tilsvarende ritualer (f.eks. at dræbe besejrede fjender).

Ægypterne mente, at den konstante tilstedeværelse af skulpturelle billeder af deltagere i et religiøst ritual i templet syntes at sikre den evige udførelse af dette ritual. For eksempel er en del af den skulpturelle gruppe bevaret, hvor guderne Horus og Thoth satte en krone på hovedet af Ramesses III - sådan blev kroningsritualet gengivet, hvor gudernes roller blev spillet af præster i passende masker. Dets installation i templet skulle bidrage til kongens lange regeringstid.

Fundet i grave træ- statuerne er forbundet med begravelsesritualet (den gentagne hævning og sænkning af statuen af ​​den afdøde som et symbol på Osiris sejr over Set).

Statuer af faraoer blev placeret i helligdomme og templer for at placere faraoen under guddommens beskyttelse og samtidig forherlige herskeren.

De gigantiske kolossale statuer af faraoerne legemliggjorde det mest hellige aspekt af kongernes essens - deres ka.

I Det Gamle Riges æra optræder kanoniske skikkelser af faraoen stående med venstre ben strakt fremad, i et kort bælte og krone, siddende med et kongetørklæde på hovedet (ill. 53, 53-a), knælende, med to kar i hans hænder (ill. 54) , i form af en sfinx, med guderne, med dronningen (ill. 55).

I de gamle østlige menneskers øjne blev kongens fysiske og mentale sundhed forstået som en betingelse for en vellykket opfyldelse af hans funktion som mægler mellem menneskers verden og gudernes verden. Da faraoen for egypterne fungerede som garanti og legemliggørelse af landets "kollektive" velfærd og velstand, kunne han ikke kun have fejl (som også kunne forårsage katastrofer), men også overgå dødelige i fysisk styrke. Med undtagelse af den korte Amarna-periode er faraoer altid blevet afbildet som udstyret med enorm fysisk styrke.

Hovedkravet til billedhuggeren er at skabe billedet af faraoen som Guds søn. Dette afgjorde valget af kunstneriske virkemidler. På trods af de konstante portrætter var der en klar idealisering af udseendet, udviklede muskler og et blik rettet ud i det fjerne var uvægerligt til stede. Faraos guddommelighed blev suppleret med detaljer, for eksempel er Khafre bevogtet af en falk, guden Horus' hellige fugl

Amarna-perioden var præget af en helt ny tilgang til at formidle billedet af en person i skulptur og relief. Faraos ønske om at være anderledes end billederne af sine forgængere - guder eller konger - resulterede i, at han i skulpturen optrådte, menes det, uden nogen udsmykning på en tynd, foldet hals - et aflangt ansigt, med hængende, halvt. - åbne læber, lang næse, halvt lukkede øjne, hævet mave, tynde ankler med fyldige hofter

Statuer af privatpersoner.

Ægypterne har altid efterlignet officiel skulptur - billeder af faraoer og guder, stærke, strenge, rolige og majestætiske. Skulpturerne udtrykker aldrig vrede, overraskelse eller smil. Udbredelsen af ​​statuer af privatpersoner blev lettet af det faktum, at adelsmænd begyndte at bygge deres egne grave.

Statuerne var af forskellig størrelse – fra flere meter til meget små figurer på flere centimeter.

Billedhuggere, skulpterende privatpersoner, var også forpligtet til at holde sig til kanonen, primært frontalitet og symmetri i konstruktionen af ​​figuren (ill. 60, 61). Alle statuer har det samme lige hoved og næsten de samme egenskaber i hænderne.

I Det Gamle Riges æra dukkede der skulpturelle statuer af ægtepar med børn op (ill. 62, 63), skriftlærde siddende overskrævs, med en udrullet papyrusrulle på knæene - først var kun kongelige sønner afbildet på denne måde

Horus tempel i Edfu

Materiale og forarbejdning.

Allerede i det gamle rige fandtes skulpturer af rød og sort granit, diorit, kvartsit (ill. 68), alabast, skifer, kalksten og sandsten. Egypterne elskede hårde klipper.

Billeder af guder, faraoer og adelige blev hovedsageligt lavet af sten (granit, kalksten, kvartsit). Det er værd at sige, at til små figurer af mennesker og dyr blev knogler og fajance oftest brugt. Tjenerstatuer var lavet af træ. Ushabti var lavet af træ, sten, glaseret fajance, bronze, ler og voks. Kun to gamle egyptiske kobberskulpturer kendes.

Indlagte øjne med konturerede reliefrande på øjenlågene er karakteristiske for statuer lavet af kalksten, metal eller træ.

Kalkstens- og træskulpturerne blev oprindeligt malet.

Billedhuggere sene Egypten Granit og basalt begyndte at blive foretrukket frem for kalksten og sandsten. Men bronze blev yndlingsmaterialet. Billeder af guder og figurer af dyr dedikeret til dem blev lavet af det. Nogle var lavet af separat fremstillede dele, de billige blev støbt i ler- eller gipsforme. De fleste af disse figurer blev lavet ved hjælp af "tabt voks"-teknikken, udbredt i Egypten; billedhuggeren lavede et blankt af det fremtidige billede af ler, dækkede det med et lag voks, udarbejdede den tilsigtede form, beklædte det med ler og lagde det det i ovnen. Voksen strømmede ud gennem et specielt venstre hul, og flydende metal blev hældt i det resulterende hulrum. Når bronzen afkølede, blev lerformen brudt, og produktet blev fjernet, og dets overflade blev omhyggeligt behandlet og derefter poleret. For hvert produkt blev der lavet sin egen form, og produktet viste sig at være unikt.

Bronzegenstande var normalt dekoreret med gravering og indlæg. Til sidstnævnte blev der brugt tynde guld- og sølvtråde. Guldstriber blev brugt til at omridse øjnene på ibis, og halskæder lavet af guldtråde blev placeret på halsen på bronzekatte.

De berømte gamle egyptiske kolossale statuer er af interesse ud fra et synspunkt om kompleksiteten ved forarbejdning af faste materialer.

På vest Bank Nilen, overfor Luxor, er der to statuer fra Det Nye Kongerige, kaldet "kolosserne af Memnon". Ifølge en version af egyptologer kommer det græske navn Memnom fra et af navnene på Amenhotep III. Ifølge en anden version, efter jordskælvet den 27. ᴦ. f.Kr. en af ​​statuerne blev betydeligt beskadiget, og sandsynligvis på grund af forskelle i nat- og dagtemperaturer, begyndte den revnede sten at lave kontinuerlige lyde. Dette begyndte at tiltrække pilgrimme, der troede, at den etiopiske konge Memnon, en karakter i Homers Iliaden, på denne måde hilste på gudinden for daggry Eos, hans mor.

Samtidig er der ingen forståelige forklaringer på, hvordan kolosser lavet af kvartsit, 20-21 meter høje, hver vejede 750 tons, blev placeret på en piedestal også lavet af kvartsit med en vægt på 500 tons manuelt, kan ikke findes. Desuden var det stadig nødvendigt at levere stenmonoliter (eller dele deraf?) 960 kilometer væk op langs Nilen.

Skulptur fra den tidlige dynastiske periode kommer hovedsageligt fra tre større centre, hvor templerne i Ona, Abydos og Koptos lå. Statuerne tjente som genstande for tilbedelse, ritualer og havde et dedikationsformål. Stor gruppe monumenter var forbundet med "heb-sed" ritualet - et ritual for at forny faraos fysiske magt. Denne type omfatter typerne af siddende og gående kongens figurer, udført i rund skulptur og relief, såvel som billedet af hans rituelle løb. Listen over Kheb-sed-monumenter inkluderer en statue af farao Khasekhem, repræsenteret siddende på en trone i rituel påklædning. Denne skulptur indikerer en forbedring af tekniske teknikker: figuren har korrekte proportioner og er volumetrisk modelleret. Hovedtrækkene i stilen er allerede blevet identificeret her - monumental form, frontal komposition. Statuens stilling er ubevægelig og passer ind i tronens rektangulære blok; lige linjer dominerer i figurens omrids. Khasekhems ansigt er portrætagtigt, selvom hans træk stort set er idealiseret. Placeringen af ​​øjnene i kredsløbet med et konveks øjeæble er bemærkelsesværdigt. En lignende henrettelsesteknik strakte sig til hele gruppen af ​​monumenter på den tid, idet den var et karakteristisk stiltræk ved portrætter af det tidlige kongerige. I samme periode blev kanoniteten af ​​den præ-dynastiske periode, der stod i fuld højde, etableret, hvilket gav plads i det tidlige kongeriges plastiske kunst til den korrekte gengivelse af proportionerne af den menneskelige krop.

Old Kingdom Skulptur

Væsentlige ændringer i skulpturen sker netop i Mellemriget, hvilket i høj grad forklares af tilstedeværelsen og den kreative konkurrence fra mange lokale skoler, der opnåede uafhængighed i kollapsperioden. Siden XII-dynastiet er de blevet brugt i stigende grad (og følgelig lavet ind store mængder) rituelle statuer: de er nu installeret ikke kun i grave, men også i templer. Blandt dem dominerer billeder forbundet med ritualen heb-sed (rituel genoplivning af faraos livskraft) stadig. Den første fase af ritualet var forbundet med det symbolske mord på den ældre hersker og blev udført over hans statue, som i sammensætning lignede kanoniske billeder og skulpturer af sarkofager. Denne type inkluderer den gråhårede statue af Mentuhotep-Nebkhepetra, der forestiller faraoen i en spidsfrossen stilling med armene krydset på brystet. Stilen er kendetegnet ved en stor andel af konventionalitet og almindelighed, generelt typisk for skulpturelle monumenter fra den tidlige æra. Efterfølgende kommer skulpturen til en mere subtil modellering af ansigter og større plastisk adskillelse: Først og fremmest kommer dette til udtryk i kvindeportrætter og billeder af privatpersoner.

Med tiden ændres også kongernes ikonografi. På tidspunktet for det 12. dynasti giver ideen om faraos guddommelige magt plads i billeder til vedvarende forsøg på at formidle menneskelig individualitet. Skulpturens storhedstid med officielle temaer fandt sted under Senwosret III's regeringstid, som blev skildret i alle aldre - fra barndom til voksen. Det bedste af disse billeder anses for at være obsidianhovedet af Senusret III og skulpturelle portrætter hans søn Amenemhet III. Et originalt fund af håndværkere lokale skoler kan betragtes som en type kubisk statue - et billede af en figur indesluttet i en monolitisk stenblok.

Kunsten i Mellemriget er æraen af ​​storhedstiderne for plastisk kunst af små former, for det meste stadig forbundet med begravelseskulten og dens ritualer (sejlads på en båd, medbringelse af offergaver osv.). Figurerne var udskåret i træ, dækket med grunder og malet. Hele flerfigurskompositioner blev ofte skabt i rund skulptur (svarende til hvordan det var sædvanligt i reliefferne i Det Gamle Kongerige

Ny Rige-skulptur

I Det Nye Riges kunst optræder et skulpturelt gruppeportræt, især billeder af et ægtepar.

Reliefkunsten får nye kvaliteter. Dette kunstneriske felt er mærkbart påvirket af visse genrer af litteratur, der blev udbredt under Det Nye Rige: salmer, krigskrøniker, kærlighedstekster. Ofte kombineres tekster i disse genrer med reliefkompositioner i templer og grave. I reliefferne af thebanske templer er der en stigning i dekorativitet, fri variation af basrelief og højreliefteknikker i kombination med farverige malerier. Dette er portrættet af Amenhotep III fra Khaemkhets grav, som kombinerer forskellige højder af relief og i denne henseende er et nyskabende værk. Relieffer er stadig arrangeret efter registre, hvilket tillader skabelsen af ​​fortællende cyklusser af enorm rumlig udstrækning

Træskulptur af en af ​​de egyptiske guder med hovedet af en vædder

Sen Kingdom skulptur

I Kushs tid, inden for skulptur, forsvinder færdighederne i det ældgamle høje håndværk delvist - for eksempel bliver portrætbilleder på begravelsesmasker og statuer ofte erstattet af betinget idealiserede. Samtidig forbedres billedhuggeres tekniske færdigheder og manifesterer sig hovedsageligt i det dekorative område. Et af de bedste portrætværker er hovedet af statuen af ​​Mentuemhet, lavet på en realistisk og autentisk måde.

I løbet af Sais' regeringstid var statisk natur, konventionelle ansigtskonturer, kanoniske positurer og endda antydningen af ​​et "arkaisk smil", karakteristisk for kunsten fra de tidlige og Det gamle rige. Men mestrene i Sais fortolker disse teknikker kun som et tema for stilisering. Samtidig producerer Sais kunst mange vidunderlige portrætter. I nogle af dem kombineres bevidst arkaiske former, der efterligner gamle regler, med ret dristige afvigelser fra kanonen. Således observeres i statuen af ​​Farao Psametikh I's nære medarbejdere kanonen af ​​et symmetrisk billede af en siddende figur, men i strid med den er venstre ben på den siddende person placeret lodret. På samme måde kombineres kanonisk statiske kropsformer og den moderne stil med at afbilde ansigter frit.

I de få monumenter fra det persiske styres æra dominerer rent egyptiske stiltræk også. Selv den persiske konge Darius er afbildet på relieff i klædedragt af en egyptisk kriger med offergaver, og hans navn er skrevet i hieroglyffer.

De fleste skulpturer fra den ptolemæiske periode er også lavet i traditionerne fra den egyptiske kanon. Hellenistisk kultur påvirkede imidlertid karakteren af ​​fortolkningen af ​​ansigtet, hvilket introducerede større plasticitet, blødhed og lyrik.

Det gamle Egypten. Mandshoved fra Salt-kollektionen. Første halvdel af 3 tusind f.Kr.

Figur af portøren Meir. Niankhpepis grav. VI dynasti, regeringstid af Peggy II (2235-2141 f.Kr.). Kairo Museum

BOND MED EN HUG. Til udgravningsarbejde blev der brugt en hakke, som oprindeligt var af træ, derefter dukkede metal op, bestående af to dele: et håndtag og en løftestang.

Tre bærere af offergaver. Træ, maleri; højde 59 cm; længde 56 cm; Meir, grav af Niankhpepi den Sorte; udgravninger af den egyptiske oldsagstjeneste (1894); VI dynasti, regeringstid af Pepi I (2289-2255 f.Kr.).

Hvornår nøjagtigt den ældste statue i verden, skulpturen af ​​Sfinxen, blev rejst, har videnskabsmænd stadig ikke fastslået: nogle mener, at det storslået bygning så verden tilbage i det tredivte århundrede f.Kr. Men de fleste forskere er stadig mere forsigtige i deres antagelser og hævder, at Sfinxen ikke er mere end femten tusinde år gammel.

Dette betyder, at allerede på tidspunktet for skabelsen af ​​menneskehedens mest grandiose monument (højden af ​​Sfinxen oversteg tyve meter og længden - mere end halvfjerds), var kunst, især skulptur, allerede veludviklet i Egypten. Det viser sig, at det i virkeligheden er meget ældre end den egyptiske kultur, som dukkede op i det 4. årtusinde f.Kr.

De fleste forskere sætter spørgsmålstegn ved denne version og er indtil videre enige om, at sfinksens ansigt er ansigtet på farao Hebren, som levede omkring 2575 - 2465. f.Kr e. - hvilket betyder, at det indikerer, at denne grandiose struktur fra monolitisk kalksten blev hugget af egypterne. Og han vogter faraoernes pyramider i Giza.

Næsten alle forskere er enige om, at begravelseskulten af ​​indbyggerne i det gamle Egypten spillede en vigtig rolle i udviklingen af ​​skulptur - om ikke andet fordi de var overbeviste om: den menneskelige sjæl kunne godt vende tilbage til jorden til sin krop, en mumie (det var for dette formålet med, at enorme grave blev skabt, strukturer, hvori de afdøde kroppe af faraoer og adelige skulle være placeret). Hvis mumien ikke kunne bevares, kunne den godt bevæge sig i sin lighed - en statue (hvilket er grunden til, at de gamle egyptere kaldte billedhuggeren "livets skaber").

De skabte dette liv efter en gang for alle etablerede kanoner, som de ikke afveg i flere årtusinder (særlige instruktioner og retningslinjer blev endda givet og udviklet specifikt til dette formål). Gamle mestre brugte specielle skabeloner, stencils og gitter med kanonisk etablerede proportioner og konturer af mennesker og dyr.

Billedhuggerens arbejde bestod af flere faser:

1. Før han begyndte at arbejde på statuen, valgte mesteren en passende sten, normalt rektangulær i form;
2. Derefter påførte jeg det ønskede design ved hjælp af en stencil;
3. Derefter fjernede jeg ved hjælp af udskæringsmetoden den overskydende sten, hvorefter jeg bearbejdede detaljerne, slibede og polerede skulpturen.

Egenskaber ved egyptiske skulpturer

For det meste gamle egyptiske statuer afbildede herskere og adelige. Figuren af ​​en arbejdende skriver var også populær (han var normalt afbildet med en rulle papyrus på skødet). Skulpturer af guder og herskere blev normalt udstillet til offentlig visning i åbne rum.

Statuen af ​​Sfinxen var især populær - på trods af at strukturer af samme størrelse som i Giza aldrig var blevet lavet andre steder, var der mange mindre dubletter af den. Gyder med dens kopier og andre mystiske bæster kunne ses i næsten alle templerne i det gamle Egypten.

I betragtning af at egypterne anså faraoen for at være inkarnationen af ​​gud på jorden, understregede billedhuggerne storheden og uforgængeligheden af ​​deres herskere med specielle teknikker - arrangementet af figurer og scener, deres størrelser, positurer og gestus (positurer beregnet til at formidle ethvert øjeblik eller humør var ikke tilladt).

De gamle egyptere afbildede kun guder efter strengt definerede regler (for eksempel havde Horus hovedet af en falk, mens de dødes gud, Anubis, havde en sjakal). Poseringerne af de menneskelige statuer (både siddende og stående) var ret ensformige og de samme. Alle siddende figurer var karakteriseret ved stillingen af ​​farao Khafre, der sad på tronen. Figuren er majestætisk og statisk, herskeren ser på verden uden nogen følelser, og det er indlysende for enhver, der ser ham, at intet kan rokke ved hans magt, og faraos karakter er kejserlig og ubøjelig.

Hvis skulpturen, der forestiller en mand, står, tager hans venstre ben altid et skridt frem, hans arme er enten sænket ned, eller han læner sig op ad staven, han holder. Efter nogen tid blev der tilføjet en anden stilling for mænd - "skriveren", en mand i lotusstilling.

Først var det kun faraoernes sønner, der blev afbildet på denne måde. Kvinden står lige, benene er lukkede, højre hånd er sænket, venstre hånd er på taljen. Interessant nok har hun ikke en nakke; hendes hoved er simpelthen forbundet med hendes skuldre. Desuden har håndværkerne næsten aldrig boret mellemrummene mellem hendes arme, krop og ben - de markerede dem normalt i sort eller hvid.

Mestrene gjorde normalt statuernes kroppe kraftige og veludviklede, hvilket gav skulpturen højtidelighed og storhed. Hvad angår ansigter, er portrættræk selvfølgelig til stede her. Under arbejdet med statuen kasserede billedhuggerne mindre detaljer og gav ansigterne et passivt udtryk.

Farven af ​​gamle egyptiske statuer adskilte sig heller ikke i særlig sort:

• mandlige figurer blev malet rødbrune,
• kvinders - gul,
• hår - sort;
• tøj - hvidt;

Ægypterne havde et særligt forhold til skulpturernes øjne - de troede, at de døde kunne iagttage det jordiske liv gennem dem. Derfor indsatte mestre normalt ædle eller andre materialer i øjnene på statuer. Denne teknik gjorde det muligt for dem at opnå større udtryksevne og endda live dem lidt op.

Egyptiske statuer (dette betyder ikke grundlæggende strukturer, men mindre produkter) var ikke designet til at blive set fra alle sider - de var fuldstændig frontale, mange af dem syntes at læne sig tilbage mod en stenblok, som tjente som baggrund for dem.

Egyptiske skulpturer er kendetegnet ved fuldstændig symmetri - højre og venstre halvdel af kroppen er helt identiske. Næsten alle statuer af det gamle Egypten har en følelse af geometri - dette forklares højst sandsynligt af det faktum, at de var lavet af rektangulær sten.

Udviklingen af ​​egyptiske skulpturer

Da kreativitet ikke kan undgå at reagere på ændringer, der sker i samfundslivet, stod egyptisk kunst ikke stille og ændrede sig med tiden noget - og begyndte ikke kun at være beregnet til begravelsesritualer, men også til andre bygninger - templer, paladser osv. .

Hvis de først kun afbildede guder (en stor statue af en eller anden guddom lavet af ædle metaller var placeret i templet dedikeret til ham, i alteret), sfinkser, herskere og adelige, så begyndte de senere at skildre almindelige egyptere. Sådanne figurer var for det meste af træ.

Mange små figurer lavet af træ og alabast har overlevet den dag i dag - og blandt dem var der figurer af dyr, sfinkser, slaver og endda ejendom (mange af dem fulgte efterfølgende de døde til den anden verden).

Tidlige Kingdom statuer (IV årtusinde f.Kr.)

Skulptur i denne periode udviklede sig hovedsageligt i de tre mest store byer Egypten - Hun, Kyptos og Abydos: det var her, der var templer med statuer af guder, sfinkser og mystiske dyr, som egypterne tilbad. De fleste af skulpturerne var forbundet med ritualet om at forny herskerens fysiske magt ("heb-sed") - disse er først og fremmest figurer af siddende eller gående faraoer udskåret i væggen eller præsenteret i en rund skulptur.

Et slående eksempel på denne type statue er skulpturen af ​​farao Khasekhem, der sidder på en piedestal, klædt i rituel beklædning. Allerede her kan du se hovedtrækkene i den gamle egyptiske kultur - korrekte proportioner, hvor lige linjer og monumental form dominerer. På trods af at hans ansigt har individuelle ansigtstræk, er de alt for idealiserede, og hans øjne har det konvekse øjeæble, der er traditionelt for alle skulpturer fra den æra.

På dette tidspunkt etableres kanonicitet og kortfattethed i udtryksform - sekundære tegn kasseres, og opmærksomheden rettes mod majestæten i billedet.

Statuer af det antikke kongerige (XXX – XXIII århundreder f.Kr.)

Alle statuer fra denne periode bliver fortsat lavet i henhold til tidligere etablerede kanoner. Det kan ikke siges, at man foretrækker en bestemt stilling (dette gælder især for mandlige figurer) - både statuer i fuld længde med venstre ben strakt fremad, såvel som dem, der sidder på en trone, sidder med benene krydset i formen af en lotus, eller knælende, er populære.

Samtidig begyndte man at indsætte ædel- eller halvædelsten i øjnene, og der blev påført hævet eyeliner. Desuden begyndte statuerne at blive dekoreret med smykker, takket være hvilke de begyndte at erhverve individuelle funktioner (eksempler på sådanne værker er de skulpturelle portrætter af arkitekten Rahotep og hans kone Nofret).

På dette tidspunkt blev træskulpturen væsentligt forbedret (for eksempel figuren kendt som "landsbyhovedmand"), og i gravene fra datiden kan man ofte se figurer, der forestiller arbejdende mennesker.

Statuer af Mellemriget (XXI-XVII århundreder f.Kr.)

Under Mellemriget i Egypten var der et stort antal forskellige skoler - følgelig undergik udviklingen af ​​skulptur betydelige ændringer. De begynder at blive lavet ikke kun til grave, men også til templer. På dette tidspunkt dukkede den såkaldte kubiske statue op, som er en figur indesluttet i en monolitisk sten. Træstatuer er stadig populære, som håndværkerne efter udskæring i træ beklædte med grunder og malede.

Billedhuggere er i stigende grad opmærksomme på en persons individuelle karakteristika - ved hjælp af perfekt udformede elementer viser de i deres værker en persons karakter, hans alder og endda hans humør (for eksempel bare ved at se på Faraos hoved Senusret III, bliver det klart, at han engang var en viljestærk, kejserlig, ironisk hersker).

Statuer af Det Nye Kongerige (XVI-XIV århundreder f.Kr.)

I den nye kongerige periode fik monumentalskulptur en særlig udvikling. Ikke alene går den i stigende grad ud over begravelseskultens grænser, men den begynder også at vise individuelle træk, som ikke kun er typiske for officiel, men endda for sekulær skulptur.

Og sekulær skulptur, især når det kommer til kvindefiguren, får blødhed, plasticitet og bliver mere intim. Hvis tidligere, ifølge kanonerne, kvindelige faraoer ofte blev afbildet i fuld kongelig dragt og endda med skæg, slipper de nu af med disse funktioner og bliver elegante, yndefulde og raffinerede.

Amarna-perioden (begyndelsen af ​​det 14. århundrede f.Kr.)

På dette tidspunkt begyndte billedhuggere at opgive det stærkt idealiserede, hellige billede af faraoen. For eksempel, ved at bruge eksemplet med de enorme statuer af Amenhotep IV, kan du ikke kun se traditionelle teknikker, men også et forsøg på at formidle så præcist som muligt udseendet af faraoen (både hans ansigt og figur).

En anden nyskabelse var afbildningen af ​​figurer i profil (tidligere tillod kanonen ikke dette). I denne periode dukkede også det verdensberømte leder af Nefertiti i en blå diadem, skabt af billedhuggere fra Thutmes-værkstedet, op.

Statuer af det sene kongerige (XI – 332 f.Kr.)

På dette tidspunkt begynder mestre at holde sig mindre og mindre til kanonerne, og de forsvinder gradvist og bliver betinget idealiserede. I stedet begyndte De at forbedre deres tekniske færdigheder, især i den dekorative del (for eksempel er en af ​​datidens bedste skulpturer hovedet af statuen af ​​Mentuemhet, lavet i en realistisk stil).

Da Sais var ved magten, vendte mestrene igen tilbage til monumentalitet, staticitet og kanoniske positurer, men de fortolkede dette på deres egen måde, og deres statuer blev mere stiliserede.

Efter i 332 f.Kr. Alexander den Store erobrede Egypten, dette land mistede sin uafhængighed, og kulturarv det gamle Egypten smeltede endeligt og uigenkaldeligt sammen med oldtidens kultur.

Palæolitikums dyriske grin

Det har arkæologer gjort gammel statueældste

Foto Stadt Ulm Ulmer Museum

Løvemanden, en tredive centimeter lang figur lavet af mammutben, fundet på tærsklen til Anden Verdenskrig i det sydlige Tyskland, blev skulptureret for 40 tusinde år siden. Ny dating har lavet et hidtil uset kunstværk, gemt i tysk by Ulm, i 8 tusind år. Det tog videnskabsmænd mere end 70 år bogstaveligt talt at sammensætte denne fantastiske figur. De seneste beregninger viser, at den palæolitiske kunstner brugte mindst 400 timer på Løvemanden - omkring to måneders arbejde i dagtimerne.

Beskeden om den nye datering af løvemanden dukkede op på tærsklen til åbningen af ​​en stor udstilling om palæolitisk kunst på British Museum. Ulm-skulpturen skulle pryde udstillingen sammen med sådanne værker af antikke kunst som den transraisiske bison og Vestonitsa Venus. Men restauratørerne anså det ikke for muligt at transportere løvemanden til London: han er for skrøbelig. En kopi af den uvurderlige skulptur er blevet sendt til Storbritannien.

Løvemanden blev fundet i det sydlige Tyskland, i et område kendt som Swabian Jura eller Swabian Alb. I de lave kridtbjerge er der flere huler, hvoraf fire - Vogelherd, Stadel, Geissenklosterle og Hole Fels - blev berømte på grund af de ældste billeder af dyr og fugle, de første musikinstrumenter (fløjter) og de første billeder af mennesker, der blev opdaget i dem. De fleste af fundene går nu 35.000 til 40.000 år tilbage, inklusive Venus fra Hohle Fels (en antropomorf figur med løftede arme) og en intakt mammutfigur. Tiden for fremstilling af fløjter er skubbet endnu længere tilbage - til 42-43 tusind år. Paul Mellars, en af ​​de førende moderne forskere i Europas palæolitikum, kommenterede for flere år siden opdagelsen af ​​Venus i Hole Fels, sagde, at de sydtyske huler med rette burde betragtes som fødestedet for europæisk skulptur.

Æren ved at opdage løvemanden tilhører den tyske arkæolog Robert Wetzel, som udforskede Stadel-hulen. Wetzel havde foretaget systematiske udgravninger i hulen siden 1937; før ham havde snesevis, hvis ikke hundredvis af entusiaster været der og ledt efter spor af tilstedeværelsen af ​​primitive mennesker i den, for selv i midten af ​​det 19. århundrede var knogler af der blev fundet huledyr og stenredskaber. Wetzel, en ansat ved Ulm Museum, opdagede fragmenter af en knoglefigur få dage før udbruddet af Anden Verdenskrig - den 25. august 1939. Fragmenterne blev fjernet fra jorden, pakket i en kasse og sendt til universitetet i Tübingen, hvor de ventede i kulissen i tredive år. Wetzels udgravning var fyldt op og forsvarligt dækket. Professoren vendte tilbage for at studere hulen i 1954 og arbejdede i den hver sæson indtil sin død i 1961. Men han huskede ikke knoglefiguren.

I 1969, under en opgørelse af Ulm Museums lagerrum, blev der endelig opdaget en kasse med fragmenter af løvemanden. Fragmenterne blev taget ud, en "udkast" figur blev samlet af to hundrede fragmenter (to hundrede fragmenter udgjorde cirka 70 procent af volumen), radiocarbon dateret og en sensationel alder blev opnået: 32 tusind år. Indtil da blev den ældste skulptur anset for at være den ovennævnte Vestonice Venus (25-29 tusind år gammel), fundet i Mähren.

Den første forsker af løvemanden var den fremragende arkæolog fra universitetet i Tübingen, Joachim Hahn, specialist i den øvre palæolitikum og ekspert i Europas primitive kunst. Takket være Khans rekonstruktion blev det klart, at figuren har både antropomorfe og zoomorfe træk, og dyrekomponenten kom fra en stor kat. Khan var ikke i stand til at finde stort set nogen fragmenter af hovedet, og hans rekonstruktion af figuren omfattede mandlige kønsorganer.

Khans yngre kollega Elisabeth Schmid tog Løvemanden op i begyndelsen af ​​1980'erne. På dette tidspunkt, under nye udgravninger, var flere hundrede flere fragmenter af skulpturen blevet opdaget, og Schmid var i stand til i væsentlig grad at komplementere menneskedyrets udseende - især blev dets løves snude tydeligt synligt. Det er værd at bemærke, at før han fuldførte udseendet af løvemanden, tog Schmid figuren ad, fjernede limen, som Khan brugte, og samlede den igen. Schmid kom til den konklusion, at mand-kat-væsenet ikke var en mand, men en kvinde, og løvemanden forvandlede sig midlertidigt til en løvindemand, der blev banneret for tilhængere af den matriarkalske model af det øvre palæolitiske samfund.

I 2000 var lidenskaberne over skulpturens køn heldigvis aftaget. Og i 2009 tog en anden arkæolog fra universitetet i Tübingen, Claus-Joachim Kind, til Stadel-hulen for at fuldføre søgningen efter fragmenter. Kind fandt flere vigtige fragmenter af ryg og nakke, højre arm og pote og hundredvis af små fragmenter, så ved udgangen af ​​2012 var det "tredimensionelle puslespil" afsluttet. Desværre er mange elementer i "puslespillet" tabt for evigt: Det er især ikke klart, hvordan løvemandens hænder og fødder nøjagtigt så ud, om han havde en hale og så videre.

Forskere har utallige spørgsmål til løvemanden. Hvem er dette væsen - en guddom eller en guide fra en verden til en anden? Vi ved intet om ideerne fra skaberne af figuren om verden - vi antager kun ved hjælp af analogier med de primitive samfund, vi kender, hvor den vigtigste rolle spilles af shamaner, guider fra de levendes verden til dyrenes og de dødes verdener. Eller måske er alt enklere, og løvemanden er den ideelle han? (Hver joke har et gran af humor.) Hvorfor blev den skulptureret - for at blive tilbedt eller båret med dig som en amulet? Og det er kun de mest åbenlyse antagelser - fra vores synspunkt uendeligt fjernet fra Stadel-hulens indbyggeres verdensbillede.

Hvad betyder hakkene på venstre skulder af figuren? Er der en sammenhæng mellem løvemanden og den antropomorfe figur fra Geissenklosterle, som også har mærker på armene? Lad os minde dig om, at Geissenklosterle er en af ​​de fire mest berømte grotter i Schwaben, sammen med Stadel. Udgravninger dér blev udført af Joachim Hahn, som vi allerede kender, og han fandt en plade, hvorpå en relief-menneske (eller dyrisk-menneskelig) figur med løftede arme er afbildet. Kronologisk er hun en samtid med Løvemanden. Nogle tolke kalder hende en "tilbedende", det vil sige en, der tilbeder en guddom, en højere magt; Det menes, at pladen skildrer en shamanistisk dans.

Hvorfor er løvemanden stor - næsten 30 centimeter, mens de fleste andre knoglefigurer ikke overstiger syv centimeter i højden? Den "adorant" er mindre end fire centimeter høj, højden af ​​"Venus fra Hole Fels" er seks centimeter.

Mere generelle spørgsmål opstår også: hvad førte for 40-45 tusinde år siden til en sådan eksplosion af plastisk kunst, ikke kun i Swabian Alb, men også i andre regioner i Europa - på det moderne Frankrigs, Spaniens og Italiens territorium? Er kunstens fremkomst forbundet med sprogets udvikling eller med tilstrømningen af ​​nye befolkninger?

Om det i princippet er muligt at finde svar på disse spørgsmål, er et separat problem. Men vi kan glæde os over, at i det mindste noget håndgribeligt har overlevet fra disse fjerne tider. Vild men sød.